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CD

KBS클래식 FM '노래의 날개 위에' 30주년 기념 음반 - 그대 목소리에 내 마음 열리고

[ 3CD / 전곡 해설, 원어-한국어 가사 포함 ]
Ruggero Leoncavallo, Domenico Scarlatti, Paolo Tosti, Wolfgang Amadeus Mozart, Gioacchino Rossini 작곡 외 118명 정보 더 보기/감추기 | Universal / Universal Music Classics | 2021년 11월 10일 첫번째 구매리뷰를 남겨주세요. | 판매지수 11,271 판매지수란?
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KBS클래식 FM '노래의 날개 위에' 30주년 기념 음반 - 그대 목소리에 내 마음 열리고

품목정보

품목정보
발매일 2021년 11월 10일
시간, 무게, 크기 600g
제조국 한국

관련분류

음반소개

디스크

Disc1
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  • 01 Leoncavallo - Mattinata 레온카발로 - 아침의 노래
    Luciano Pavarotti(ten), Piero Gamba(cond), Philharmonia Orchestra
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  • 02 A. Scarlatti - Gia il Sole dal Gange A. 스카를라티 - 갠지즈 강 위로 해는 떠오르고
    Luciano Pavarotti(ten), Richard Bonynge(cond), Orchestra del Teatro Comunale di Bologna
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  • 03 Tosti - L’alba separa dalla luce l’ombra 토스티 - 새벽은 빛과 어둠을 가르고
    Joan Diego Florez (ten), Filarmonica Gioachino Rossini
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  • 04 Mozart - Opera [Cosi fan tutte] - “Soave sia il vento” 모차르트 - 오페라 [코지 판 투테] 中 “바람은 고요하고 물결은 잔잔하기를”
    Renee Fleming(sop), Anne Sofie von Otter(ms), Michele Pertusi(bs), Georg Solti (cond), Chamber Orchestra of Europe
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  • 05 Rossini - Opera [Il barbiere di Siviglia] - Act I. “Largo al factotum della citta” 로씨니 - 오페라 [세비야의 이발사] 中 1막 피가로의 아리아 “나는 이 거리의 만능 일꾼"
    Thomas Allen(bar), Neville Marriner(cond), Academy of St. Martin in the Fields)
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  • 06 Handel - Oratorio [Il trionfo del tempo e del disinganno] HWV 46a - "Lascia la spina, cogli la rosa" 헨델 - 오라토리오 [시간과 깨달음의 승리] 中 "가시는 두고 장미를 꺾어라"
    Julia Lezhneva(sop), Giovanni Antonini(cond), Il Giardino Armonico
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  • 07 Massenet - Opera [Cherubin] - Aubade “Vive amour qui reve” 마스네 - 오페라 [셰뤼뱅] 中 아침의 노래 “꿈꾸는 사랑 영원하라" [Br]Angela Gheorghiu(sop), John Mauceri (cond), Orchestra del Teatro Regio di Torino 선택듣기
  • 08 Puccini - Opera [La Boheme] - “Quando m'en vo” 푸치니 - 오페라 [라 보엠] 中 뮤제타의 왈츠 "내가 거리를 걸어갈 때"
    Hera Hyesang Park(sop), Bertrand de Billy(cond), Wiener Symphoniker
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  • 09 Monteverdi - Opera [L’incoronazione di Poppea] Act. III - "Pur ti miro" 몬테베르디 - 오페라 [포페아의 대관] 3막 中 “그대를 보고”
    Sylvia McNair & Dana Hanchard(sop), John Eliot Gardiner(cond), English Baroque Soloists
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  • 10 Reynaldo Hahn - A Chloris 레날도 안 - 클로리스에게
    Kathleen Kim(sop), Jong Ho Park(gt)
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  • 11 Schubert - [Die schone Mullerin] - 4. ‘Danksagung an den Bach’ 슈베르트 - 가곡집 [아름다운 물방앗간 아가씨] 中 제4곡“시냇물에 대한 감사”
    Wolfgang Holzmair(ten), Imogen Cooper(pf)
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  • 12 Schumann - [Dichterliebe] Op.48 - 12. ‘Am leuchtenden Sommermorgen’ 슈만 - 가곡집 [시인의 사랑] Op.48 中 12번 “맑은 여름날 아침에"
    Peter Schreier(ten), Wolfgang Sawallisch(pf)
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  • 13 Mahler - [Lieder und Gesange aus der Jugendzeit ] 2. ‘Ich ging mit Lust durch einen grunen Wald’ 말러 - [젊은 날의 가곡과 노래] 中 2. “나는 즐겁게 푸른 숲 속을 걸어갑니다”
    Anne Sofie von Otter(ms), Ralph Gothoni(pf)
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  • 14 Mahler - [Lieder eines fahrenden Gesellen ] - 2. “Ging Heut'Morgen ubers Feld” 말러 - [방황하는 젊은이의 노래] 中 2번 “아침에 들판을 거닐면”
    Thomas Hampson(bar), Leonard Bernstein(cond), Wiener Philharmoniker
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  • 15 Verdi - Opera [Il Trovatore] - Act II. "Vedi! Le fosche notturne spoglie" (Anvil Chorus) 베르디 - 오페라 [일 트로바토레] 2막 中 “보라! 끝없는 밤의 장막은 걷히고” (대장간의 합창)
    Tullio Serafin(cond), Coro e Orchestra del Teatro alla Scala
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  • 16 Wagner - Opera [Die Meisteringer von Nurnberg] - "Morgenlich leuchtend im rosigen Schein” 바그너 - 오페라 [뉘른베르크의 마이스터징어] 中 “아침은 장밋빛으로 빛나고”
    Placido Domingo(ten), Eugen Jochum(cond), Orchester der Deutschen Oper Berlin, Chor der Deutschen Oper Berlin
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  • 17 R. Rodgers - Musical [Oklahoma!] - “Oh! What a beautiful morning” R. 로저스 - 뮤지컬 [오클라호마!] 中 “오 얼마나 아름다운 아침인가”
    Bryn Terfel(bar)
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Disc2
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  • 01 Duparc - Phidyle 뒤파르크 - 피딜레
    Veronique Dietschy(sop), Emmanuel Strosser(pf)
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  • 02 서정주 시 / 김주원 곡 - 연꽃 만나고 가는 바람같이
    Hera Hyesang Park(sop), Bertrand de Billy(cond), Wiener Symphoniker
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  • 03 Puccini - Opera [Madama Butterfly] - “Un bel di vedremo” 푸치니 - 오페라 [나비부인] 中 “어느 갠 날”
    Mirella Freni(sop), Giuseppe Sinopoli(cond), Philharmonia Orchestra
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  • 04 Stravinsky - [Pulcinella] - Serenata : “Mentre l’erbetta pasce l’agnella” 스트라빈스키 - 모음곡 [풀치넬라] 中 세레나타 : “양이 신선한 풀을 뜯는 동안”
    Ryland Davies(ten), Claudio Abbado(cond), London Symphony Orchestra
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  • 05 Satie - Je te veux 사티 - 그대를 원해요
    Patricia Petibon(sop), Susan Manoff(pf), Christian Pierre-La Marca(vc)
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  • 06 Mexican folk song - Cielito lindo 멕시코 전통 노래 - 아름다운 하늘
    Rollando Villazon(ten), Bolivar Soloists
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  • 07 Canteloube - [Chants d’Auvergne] - “Bailero” 캉틀루브 - [오베르뉴의 노래] 中 “바일레로”
    Karita Mattila(sop), Sir Neville Marriner(cond), Academy of St. Martin in the Fields
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  • 08 Donizetti - Opera [La Fille du Regiment] - “Ah! mes amis, quel jour de fete!“ 도니제티 - 오페라 [연대의 딸] 中 “아! 친구들이여, 오늘은 최고로 기분 좋은 날!”
    Juan Diego Florez(ten), Riccardo Frizza(cond), Orchestra Sinfonica e coro di Milano Giuseppe Verdi
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  • 09 Saint-Saens - Opera [Samson et Dalila] -"Mon coeur s’ouvre a ta voix" 생상스 - 오페라 [삼손과 델릴라] 中 "그대 목소리에 내 마음 열리고"
    Marilyn Horne(ms), Henry Lewis(cond), Wiener Opernorchester
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  • 10 Mendelssohn - Auf Flugeln des Gesanges, Op.34-2 멘델스존 - 노래의 날개 위에
    Elly Ameling(sop), Rudolf Jansen(pf)
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  • 11 River songs : The water is wide / Shenandoah 리버 송: 바다는 넓고 / 셰넌도어
    Renee Fleming(sop), Dave Grusin(pf), Lee Ritenour(gt)
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  • 12 Benny Andersson & Bjorn Ulvaeus - Like an angel passing through my room 안데르손 & 울바에우스 - 내 방을 스쳐가는 천사처럼
    Anne Sofie von Otter(ms) & Elvis Costello
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Disc3
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  • 01 이병기 시 / 이수인 곡 - 별
    존 노(ten), 정치용(cond), 코리안심포니오케스트라
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  • 02 Mozart - Opera Act. III - “Sull’aria … che soave zeffiretto” 모차르트 - 오페라 <피가로의 결혼> 3막 中 편지의 이중창 "산들바람이 부드럽게"
    Gundula Janowitz & Edith Mathis(sop), Karl Bohm(cond), Chor und Orchester der Deutschen Oper Berlin
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  • 03 Schubert - Nacht und Traume D.827 슈베르트 - 밤과 꿈
    Dietrich Fischer-Dieskau(bar), Gerald Moore(pf)
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  • 04 Bellini - Vaga Luna che Inargenti 벨리니 - 방랑하는 아름다운 달이여
    Angela Gheorghiu(ms), Alexandra Dariescu(pf)
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  • 05 Puccini - Opera Act. III - “E Lucevan le stelle” 푸치니 - 오페라 <토스카> 3막 中 “별은 빛나고”
    Joseph Calleja(ten), Marco Armiliato (cond), L'Orchestre de la Suisse Romande
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  • 06 Puccini - Opera Act. III - “Nessun Dorma" 푸치니 - 오페라 <투란도트> 3막 中 "아무도 잠들지 말라"
    Luciano Pavarotti(ten), Zubin Mehta(cond), London Phil. Orch.
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  • 07 Donizetti - Opera Act III - "Com'e gentil la notte a mezzo April" 도니제티 - 오페라 <돈 파스콸레> 3막 中 “4월의 밤은 얼마나 온화한가”
    Juan Diego Florez(ten), Riccardo Frizza(cond), Orchestra Sinfonica e Coro di Milano Giuseppe Verdi
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  • 08 Wagner - Opera - “O! Du mein holder Abendstern” 바그너 - 오페라 <탄호이저> 中 “오! 그대는 나의 사랑스런 저녁별”
    Rene Pape (bs), Daniel Barenboim(cond), Staatskapelle Dresden
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  • 09 Dvorak - Opera - “Mesicku na nebi hlubokem” (Song to the moon) 드보르자크 - 오페라 <루살카> 中 “달에게 바치는 노래”
    Pilar Lorengar(sop), Giuseppe Patane (cond), Orchestra dell'Academia Nazionale di Santa Cecilia
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  • 10 Jocelyn Pook - OST - How sweet the moonlight 조슬린 푹 - 영화 <베니스의 상인> 中 “달빛은 얼마나 달콤한가”
    Andreas Scholl(ct-ten)
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  • 11 Alexandre Desplat - OST - You'll never know 알렉상드르 데스플라 - 영화 <쉐이프 오브 워터: 사랑의 모양> 오리지널 사운드트랙 中 당신은 모를 거예요
    Renee Fleming(sop)
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  • 12 Leonard Cohen - Hallelujah 레너드 코헨 - 할렐루야
    Katherine Jenkins(ms)
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  • 13 Kurt Weill- Speak low 쿠르트 바일 - 나직이 말해요
    Max Raabe(v), Daniel Hope(vn), Royal Stockholm Philharmonic Orchestra
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  • 14 R.Strauss - Morgen! Op.27-4 리하르트 슈트라우스 - 내일!
    Matthias Goerne(bar), Seong-Jin Cho(pf) (chorus master), Wiener Singverein(choir)
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상세 이미지

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아티스트 소개 (123명)

작곡 : Ruggero Leoncavallo (루제로 레온카발로,Ruggiero Leoncavallo)
작곡 : Domenico Scarlatti (도메니코 스카를라티)
‘근대 피아노 주법의 아버지’라 불리고 있는 스카를라티는 이탈리아 음악계의 명문에서 태어났으며, 헨델과 친교가 있었던 음악가이다. 또한 하프시코드 주자로서, 그리고 작곡가로서도 많은 명곡을 남겼고, 특히 최근에는 바로크 음악이 유행하고 있으므로 많은 작품이 잇달아 소개되고 있다. 스카를라티의 부친은 알렛산드로라고 하는 오페라 작곡가인데, 나폴리 악파의 개조(開祖)로서 음악사에도 기록되고 있으며, 스카를라티는 부친... ‘근대 피아노 주법의 아버지’라 불리고 있는 스카를라티는 이탈리아 음악계의 명문에서 태어났으며, 헨델과 친교가 있었던 음악가이다. 또한 하프시코드 주자로서, 그리고 작곡가로서도 많은 명곡을 남겼고, 특히 최근에는 바로크 음악이 유행하고 있으므로 많은 작품이 잇달아 소개되고 있다. 스카를라티의 부친은 알렛산드로라고 하는 오페라 작곡가인데, 나폴리 악파의 개조(開祖)로서 음악사에도 기록되고 있으며, 스카를라티는 부친에게 음악 이론을 처음 배웠다.

1685년 10월 26일 나폴리에서 태어나 1757년 7월 23일 스페인의 마드리에서 타계했는데, 그는 음악가였던 아버지에게 처음 음악을 배웠을 것으로 여겨진다. 1701년 나폴리의 궁정예배당 오르간 주자로 임명되었으며 2년 뒤에는 로마에서 대위법 등 이론을 배웠다. 그 뒤로 그는 아버지와 같이 오페라 작가로 등장했으나 1708년 피렌체와 베네치아로 수업하러 갔다. 이때 베네치아에서 독일의 헨델과 만나 오르간과 하프시코드의 경기를 하여 그 뒤부터 그와 친교를 맺었다. 1709년에 로마에 거주하고 있던 폴란드 황태후 마리아 카지미라에게 봉사했고 황태후의 소극장을 위하여 몇 편의 오페라를 작곡했지만 황태후가 로마를 떠난 후로는 포르투갈 대사의 악장을 거쳐 1715년 교황청의 줄리아 예배당의 악장이 됐다. 1719년 런던을 방문했고 다음해에 오페라 <나르키소(나르키소스)>를 상연했으나 1721년에 포르투갈의 궁정악장이 되어 리스본으로 갔다. 그는 거기서 왕녀인 마리아 바르바라의 하프시코드의 교사로도 근무하였다. 한때 이탈리아로 돌아왔으나 1729년 마리아 바르바라가 스페인 왕자와 결혼했을 때 그녀를 따라 마드리드로 갔다. 그리고 결국 마드리드에 정주하여 그 곳에서 일생을 마쳤다. 스카를라티는 오페라·교회음악 등도 작곡했으나 가장 유명한 것은 무엇보다도 약 555곡이나 되는 하프시코드 곡이다. 이것들은 주로 마리아 바르바라를 위하여 작곡된 것으로 연습곡이라고 불렸으나 오늘날에는 소나타라고도 한다. 이들 소나타는 2부분형식으로 된 1악장으로 되어 있으나 화성구조나 복주제(複主題)의 징조도 보인 점 등 후의 고전파 소나타의 원형을 보이고 있는 면이 현저하며, 대체로 이것은 이미 로코코풍으로 되어 있으며 3도나 6도, 양손의 교차 등 후의 피아노 기법이 퍽 활발히 개척돼 있다.
작곡 : Paolo Tosti (프란체스코 파올로 토스티 ,Francesco Paolo Tosti)
작곡 : Wolfgang Amadeus Mozart (볼프강 아마데우스 모차르트 )
서양 고전주의 음악의 완성자이자 현재까지도 전 세계에서 가장 사랑받는 음악가. 35년의 생애 동안 교향곡, 협주곡, 소나타, 오페라, 실내악, 미사곡 등 600개가 넘는 작품을 남겼으며 많은 작품이 각 장르의 정점에 있다고 평가받고 있다. 다섯 살 때 첫 작곡을 했으며 열네 살 때 이탈리아 여행 중에 오페라 [폰투스의 왕 미트라다테스]를 무대에 올려 대성공을 거두었다. 좋은 일자리를 얻기 위해 몇 차례에 걸쳐 유... 서양 고전주의 음악의 완성자이자 현재까지도 전 세계에서 가장 사랑받는 음악가. 35년의 생애 동안 교향곡, 협주곡, 소나타, 오페라, 실내악, 미사곡 등 600개가 넘는 작품을 남겼으며 많은 작품이 각 장르의 정점에 있다고 평가받고 있다. 다섯 살 때 첫 작곡을 했으며 열네 살 때 이탈리아 여행 중에 오페라 [폰투스의 왕 미트라다테스]를 무대에 올려 대성공을 거두었다. 좋은 일자리를 얻기 위해 몇 차례에 걸쳐 유럽 전역을 여행했으나 경이적인 음악의 신동이라는 평판과 작품들의 대성공에도 불구하고 결국은 그것을 얻는 데 실패했다. 고향인 잘츠부르크로 돌아와 궁정 오르가니스트로 잠깐 동안 일했으나 대주교와의 불화로 해고되고 이후 빈으로 거처를 옮겨 작곡과 연주에 전념했다. 피아니스트, 작곡가로서의 높은 명성과 [피가로의 결혼], [돈 조반니] 등 오페라의 성공에도 불구하고 당시 그것에 대한 보수는 그의 형편없는 경제관념과 낭비벽을 감당하기에는 충분치 않았다. 안정적인 예술 활동을 위해서는 궁정이나 귀족으로부터의 후원이 필수적이었던 시대에 높은 급료를 안정적으로 지급받을 수 있는 일자리를 죽을 때까지 얻지 못했던 모차르트는 짧은 생애 동안 주로 생계를 위해 곡들을 썼고, 만년에는 닥치는 대로 주위 사람들에게 돈을 빌려 달라는 편지를 보냈다. 그런 불안정한 생활 속에서도 모차르트의 창작열은 죽기 직전까지 조금도 식지 않아 음악사에 영원히 남을 수많은 작품들을 썼다. 모차르트의 천재성에 관한 일화는 무수히 많은데 바티칸에서 외부에 그 악보를 공개하지 않고 있던 비곡 알레그리의 [미제레레]를 처음 듣고 거의 완벽하게 채보했고 이틀 뒤 두 번째에는 몇 개의 소소한 것들을 수정해 악보를 완성했다. 모차르트에 의해 처음으로 [미제레레]는 일반에 악보가 공개되었다. [교향곡 36번]을 사흘 만에 작곡했고 그의 3대 교향곡으로 평가받는 [교향곡 39번]부터 [교향곡 41번]까지를 6주 만에 완성했다. 모차르트 스스로 자신은 음악에 대한 천재를 타고났다고 자부했으나 작곡을 위해서 자신보다도 많은 시간을 생각하고 거장들의 작품을 연구한 사람은 단 한 사람도 없다고 단언했을 정도로 그는 음악에 전념한 천재이기도 했다. 모차르트의 작품은 가볍고 경쾌한 장조의 작품이 대부분인데 만년에 접어들어서는 장조의 작품이라도 비장함과 애수에 넘치는 작품이 늘었고, 그런 작품들은 ‘천상의 음악’이라고 형용되었다. 죽기 두 달 전 건강이 이미 안 좋은 상황에서도 [마적]을 작곡해 초연하는 등 정력적으로 곡들을 썼으나 미완의 걸작 [레퀴엠]을 쓰던 도중 쓰러져 불과 2주 뒤에 35년 10개월의 젊은 나이로 빈에서 사망했다. 모차르트의 [레퀴엠]은 하이든, 베버, 베토벤, 슈베르트, 쇼팽, 로시니, 베를리오즈 같은 음악가들뿐 아니라, 실러, 괴테, 나폴레옹을 비롯해 많은 저명인사와 유럽 왕족들의 장례식에서 연주되었다.
작곡 : Gioacchino Rossini (조아키노 로시니)
1792년 2월 29일 ~ 1868년 11월 13일)는 가에타노 도니체티, 빈첸초 벨리니와 더불어 19세기 전반의 이탈리아 오페라 무대를 화려하게 장식하며 벨칸토 낭만주의의 빛나는 예술성을 꽃피웠다. 그리고 멜로디의 구성에서는 그 누구도 쉽게 비교되기 어려울 정도의 뛰어난 천재성을 선보였다. 1792년 2월 29일 ~ 1868년 11월 13일)는 가에타노 도니체티, 빈첸초 벨리니와 더불어 19세기 전반의 이탈리아 오페라 무대를 화려하게 장식하며 벨칸토 낭만주의의 빛나는 예술성을 꽃피웠다. 그리고 멜로디의 구성에서는 그 누구도 쉽게 비교되기 어려울 정도의 뛰어난 천재성을 선보였다.
작곡 : Georg Fridrich Handel (게오르그 프리드리히 헨델,George Frideric Handel)
1685년 2월 23일 ~ 1759년 4월 14일)은 독일에서 태어나 영국에서 활동한 바로크 시대의 작곡가이다. 헨델은 46곡의 오페라와 우수한 오라토리오를 비롯하여 오케스트라, 바이올린, 쳄발로, 오르간 분야에 이르기까지 많은 작품을 남겼다. 그의 음악은 명쾌하고 호탕하며 신선하여 생생한 리듬에 성악적이라고 평가된다. 독실한 개신교(루터교) 신자인 헨델의 대표적인 교회음악은 《메시아(Messiah)》로서 당시 ... 1685년 2월 23일 ~ 1759년 4월 14일)은 독일에서 태어나 영국에서 활동한 바로크 시대의 작곡가이다. 헨델은 46곡의 오페라와 우수한 오라토리오를 비롯하여 오케스트라, 바이올린, 쳄발로, 오르간 분야에 이르기까지 많은 작품을 남겼다. 그의 음악은 명쾌하고 호탕하며 신선하여 생생한 리듬에 성악적이라고 평가된다. 독실한 개신교(루터교) 신자인 헨델의 대표적인 교회음악은 《메시아(Messiah)》로서 당시 영어 번역 성경인 킹 제임스 성경의 구절에 곡을 붙인 오라토리오이다.

헨델은 프로이센의 할레(현재는 독일 영토)에서 태어났다. 함부르크, 피렌체 등지에서 활동하다 1712년 이후 런던에 정착하였다. 앤 여왕의 비호를 받아 오페라 작곡가로 이름을 떨치게 되었다. 1726년에는 영국에 귀화하여, 죽을 때까지 영국에 살면서 오페라 46작품과 오라토리오 23작품, 많은 양의 교회음악은 물론 많은 기악음악 작품을 남겼다.

그러나 헨델의 일생이 그리 평탄한 것은 아니었다. 이탈리아 악파인 조반니 보논치니(1670년-1747년)와는 음악상의 적수였다. 이들의 경쟁과 헨델을 질투하는 음모 때문에 수차례의 파산과 세 번이나 죽을 고비를 당했지만 헨델은 그를 원망하지않고 오히려 보논치니의 질투를 은근히 즐겼다고 한다.

1708년 피렌체와 베네치아로 수업하러 갔다가 이탈리아의 도메니코 스카를라티와 만나 오르간과 하프시코드 경기를 하여 그 뒤부터 그와 친교를 맺었다

헨델은 그 후 영국으로 건너가 1732년까지 오라토리오를 작곡하기 시작하였다. 아일랜드 더블린에서 필생의 대작인 《메시아》를 24일이란 단기간에 탈고하였고 1742년 4월 12일 더블린에서 초연하여 절찬을 받았다. 《메시아》 초연후 8년째인 그가 65세 되던 해에는 완전한 승리자가 되었다. 그의 생존 중 《메시아》 공연만 해도 34회나 되었다고 한다. 1732년의 《에스테르》 개정판에 이어 1735년 사순절(四旬節)[3]에는 성가작품을 포함한 약 15편의 오라토리오를 헤이마케트 극장에서 연속 연주하여 점차 오라토리오 작곡가로서의 명성을 높였다. 또 1736년에는 《메시아》에 버금가는 유명한 오라토리오 《알렉산더의 향연(Alexander's Feast)》을 작곡하고 1738년∼1751년까지도 거의 모두를 오라토리오의 작곡에 경주하였다.

헨델은 가난한 음악가 구제회에 1000 파운드를 남겨 놓고 세상을 떠났다. 영국의 국가적인 음악가로서 존경을 받아 사후 웨스트민스터 사원에 묻혔다.

헨델은 그 명성을 거의 그의 극적 작품에서 얻었지만 통주저음을 바탕으로 성립되는 바로크적 협주양식에 기초를 두고 유려한 벨칸토의 성악적 멜로디와 결부하여 항상 간결·명쾌하며 밝은 표현을 나타냈다. 그의 멜로디에서 벨칸토 양식은 독일의 내면적인 힘찬 표현과 결부되어 호모포니의 방향으로 향한다. 또한 바로크 특유의 일정한 악형(樂型)의 반복이 사라반드, 쿠랑트, 가보트 등의 리듬에 지탱되면서 단조롭게 고수(固守)되고 있는 경우가 많으며, 바흐에서 볼 수 있는 표현의 길이라든가 다양성은 없으나 그 대신 알기 쉽고 명쾌한 표정을 보여준다. 그는 합창에서도 뛰어난 솜씨를 발휘했다.
프랑스의 작곡가이다. 그는 오페라 작품으로 유명하며, 19세기 말과 20세기 초에 굉장한 인기를 얻었다. 그 작품들은 뒤에 대부분 잊혔으나, 1980년대 이후 주기적으로 부활하게 되었다. “마농”과 “베르테르”는 한세기를 넘어서 꾸준히 상연되었다. 마스네는 외곽의 작은 촌락이자, 이제는 프랑스 루아르 지역 생테티엔의 한 부분인 Montaud에서 태어났다. 그가 11살일 때 그의 가족은 파리 시로 이주하였고,... 프랑스의 작곡가이다. 그는 오페라 작품으로 유명하며, 19세기 말과 20세기 초에 굉장한 인기를 얻었다. 그 작품들은 뒤에 대부분 잊혔으나, 1980년대 이후 주기적으로 부활하게 되었다. “마농”과 “베르테르”는 한세기를 넘어서 꾸준히 상연되었다.

마스네는 외곽의 작은 촌락이자, 이제는 프랑스 루아르 지역 생테티엔의 한 부분인 Montaud에서 태어났다. 그가 11살일 때 그의 가족은 파리 시로 이주하였고, 마스네는 그곳 음악원에서 공부할 수 있었다. 1862년 그는 로마 대상을 거머쥐게 되었고, 로마에서 3년간 지냈다. 마스네의 첫 번째 오페라는 1867년 오페라 코미크 극장에서 1막짜리 프로덕션이었으나, 그가 차이콥스키와 구노처럼 칭송을 받게 된 작품은 그의 드라마적인 오라토리오, 《마리아 막델리나》였다.

마스네는 잠시 작곡 작업을 중단하고 프랑스-프러시안 전쟁에서 군복무를 하였다. 1871년 전쟁이 끝난 이후 다시 작곡자로 돌아오게 되었다. 1878년부터 그는 파리 음악원에서 작곡가와 교수로 봉직하였고, 구스타프 샤르팡티에, 레이날도 한과 샤를 쾨클랭을 제자로 두었다. 그의 가장 큰 성공은 오페라 《마농》(1884년), 《베르테르》(1892), 《타이스》(1894)가 있다. 유명한 후기 오페라인 《돈키호테》는 1910년 몬테카를로에서 전설적인 러시안 베이스 가수인 표도르 샤리아핀이 표제 역을 맡아 공연하였다.

마스네는 바그너의 라이트모티브 기법을 사용하였으나 일부에서는 조금 들척지근하다고 여긴 것처럼 프랑스풍의 가볍게 하였다. 뱅상 댕디는 마스네를 "분리되고 종교에 반하는 호색성을 전달한다"고 비난하였다. 맹렬한 논객인 레온 도데는 마스네의 양식을 극진히 경멸하여, 그의 음악을 금조나 공작새가 꼬리를 펼히는 것 같은 자극적인 음탕함에 비유하였다.

그러나 마스네는 세계에서 가장 인기있고 성공적인 작곡가들 중의 하나로, 그의 음악의 장점은 지금까지도 지속되는 생동감과 매력에 있다. 마스네는 유능한 선율이 아름다운 작곡가이고, 무대인이며, 좋은 의미이든 나쁜 의미이든 간에 완벽히 창조적이며 개인적인 예술가였다. 그의 음악은 다른 누구의 것과도 혼동되지 않을 정도로 독창적이다.

그의 오페라와 함께 마스네는 연주회 모음곡, 발레 음악, 오라토리오와 칸타타, 그리고 약 200여개의 성악곡들을 작곡하였다. 오페라에서 성악이 아닌 부분 중 몇 개는 여기저기서 인기를 얻었고, 자주 연주되었다. 예를 들면 Aragonaise는 그의 오페라, 르 시드와 엘리지에서 나온 피아노 독주곡인 것처럼, "종교적 명상"은 타이스로부터 파생된 바이얼린 협주곡이다. 이 두 작품은 피아노과 학생들에 의해 흔히 연주된다.
작곡 : Giacomo Puccini (지아코모 푸치니)
1858년 12월 22일 ~ 1924년 11월 29일)는 이탈리아의 오페라 작곡가이다. 주세페 베르디 이후 이탈리아가 낳은 최대의 오페라 작곡가로서 세계적인 명성을 보유하고 있으며 대표작으로 라 보엠, 토스카, 나비 부인 등이 있다. 푸치니의 오페라 중 일부 아리아 - 잔니 스키키에서 “오 사랑하는 나의 아버지(O mio babbino caro 오 미오 바비노 카로[*])”와 투란도트에서 “공주는 잠 못이루고(N... 1858년 12월 22일 ~ 1924년 11월 29일)는 이탈리아의 오페라 작곡가이다. 주세페 베르디 이후 이탈리아가 낳은 최대의 오페라 작곡가로서 세계적인 명성을 보유하고 있으며 대표작으로 라 보엠, 토스카, 나비 부인 등이 있다. 푸치니의 오페라 중 일부 아리아 - 잔니 스키키에서 “오 사랑하는 나의 아버지(O mio babbino caro 오 미오 바비노 카로[*])”와 투란도트에서 “공주는 잠 못이루고(Nessun Dorma 네순 도르마[*])”등 - 는 널리 알려져 있다. 그는 주세페 베르디의 후계자로서, 독일 오페라와 이탈리아 오페라 기법 둘 다 성공적으로 사용한 작곡가 중 하나로 평가된다.
작곡 : Claudio Monteverdi (클라우디오 몬테베르디)
이탈리아의 작곡가, 바이올리니스트, 가수이다. 몬테베르디의 작품은 르네상스와 바로크 음악의 과도기에 놓여있다. 그의 작품은 그 두시기의 범주로 분류될 수 있으며, 스타일의 변화에 변화를 가져온 가장 중요한 혁명적인 인물로 여겨진다. 몬테베르디는 가장 최초로 드라마적으로 실용가능한 오페라인 《오르페오》를 작곡했으며, 그 작품은 그에게 한평생 명예를 드높이게 되었다. 몬테베르디는 이탈리아 북쪽 지방인 크레... 이탈리아의 작곡가, 바이올리니스트, 가수이다.

몬테베르디의 작품은 르네상스와 바로크 음악의 과도기에 놓여있다. 그의 작품은 그 두시기의 범주로 분류될 수 있으며, 스타일의 변화에 변화를 가져온 가장 중요한 혁명적인 인물로 여겨진다. 몬테베르디는 가장 최초로 드라마적으로 실용가능한 오페라인 《오르페오》를 작곡했으며, 그 작품은 그에게 한평생 명예를 드높이게 되었다.

몬테베르디는 이탈리아 북쪽 지방인 크레모나의 의사 집안에서 태어났다. 몬테베르디란 이름은 이탈리어로 '초록빛 산'을 뜻한다. 유년시절 크레모나 성당의 maestro di cappella인 마르크 안토니오 인게그네리에게서 배우게 된다. 그곳 성당 성가대에서 기록이 없는 것을 봐선, 음악 레슨은 아마도 개인 교습이라 생각된다.

16세에 <교회용 합창곡집>을 발표하였다. 1590년부터 만토바 공(公) 빈첸초 1세 아래서 궁정 음악가로서 약 20년 동안을 지냈다. 가극 <오르페오>와 <아리안나>를 작곡하여 명성을 떨쳤다. 1613년 당시 이탈리아 음악가 최고의 영예인 베네치아의 산마르코 성당의 악장이 되어 교회 음악의 개량 등에 힘을 쏟았다. 1637년 베네치아에 세계 최초의 공중 가극장이 개관되자, 가극·발레 음악을 발표하여 가극의 창시자로 불리게 되었다.

몬테베르디는 적어도 18개의 오페라를 작곡하였으며, 그 중 오직 오르페오, 포페아의 대관식, 율리우스의 귀환과 그의 두 번째 오페라인 l'Arianna의 유명한 아리아인 "Lamento"만이 현존한다.
프랑스의 작곡가, 지휘자. 베네수엘라 카라카스 출생. 프랑스의 작곡가, 지휘자. 베네수엘라 카라카스 출생.
작곡 : Gustav Mahler (구스타프 말러)
구스타프 말러 (독일어: Gustav Mahler 1860년 7월 7일 ~ 1911년 5월 18일)는 보헤미아 태생의 후기 낭만파 작곡가이자, 지휘자이다. 작곡가로서 그는 19세기 오스트리아-독일 전통과 20세기 초의 현대주의 사이의 다리 역할을 했다. 지휘자로서의 그의 위치는 확립되었지만, 그의 음악은 나치 시대 동안 유럽에서 공연 금지를 포함한 무관심의 기간 후에야 폭넓은 인기를 얻었다. 1945년 이후 새로... 구스타프 말러 (독일어: Gustav Mahler 1860년 7월 7일 ~ 1911년 5월 18일)는 보헤미아 태생의 후기 낭만파 작곡가이자, 지휘자이다. 작곡가로서 그는 19세기 오스트리아-독일 전통과 20세기 초의 현대주의 사이의 다리 역할을 했다. 지휘자로서의 그의 위치는 확립되었지만, 그의 음악은 나치 시대 동안 유럽에서 공연 금지를 포함한 무관심의 기간 후에야 폭넓은 인기를 얻었다. 1945년 이후 새로운 음악 세대는 그의 음악을 재발견했다. 그 후 말러는 20세기의 작곡가들 중 가장 자주 연주되고 녹음된 작곡가 중 한 명이 되었다. 2016년 BBC 뮤직 매거진 151명의 지휘자를 대상으로 한 설문조사에서 그의 교향곡 중 3곡은 역대 최고의 교향곡 10위 안에 올랐다.

보헤미아(당시 오스트리아 제국 일부)에서 독일어를 구사하는 유대인으로 태어난 말러는 어린 나이에 음악적 재능을 보였다. 1878년 빈 음악원을 졸업한 뒤 유럽 오페라하우스에서 지휘직을 연이어 맡아 1897년 빈 국립 오페라 극장 감독으로 발탁됐다. 빈에서 10년 동안, 감독 자리를 확보하기 위해 가톨릭으로 개종한 말러는 반유대 언론의 적대와 비판을 경험했다. 그럼에도 불구하고, 그의 혁신적인 작품들과 공연 수준의 기준에 대한 고집은 특히 바그너, 모차르트, 차이코프스키의 지휘자로서의 그의 명성을 높였다. 후반기에는 잠시 동안 뉴욕 메트로폴리탄 오페라와 뉴욕 필하모닉 오케스트라의 감독을 맡았다.

말러의 삶의 대부분은 지휘자로 활동했기 때문에 그의 작품은 제한적이다. 그가 빈에서 학생이었을 때 작곡한 피아노 사중주곡과 같은 초기 작품들을 제외하고, 말러의 작품은 대부분 대형 관현악단, 교향악 합창단, 그리고 오페라의 솔로 연주자들을 위해 만들어졌다. 이 작품들은 초연 되었을 때 논란이 많았다. 예외로 그의 두 번째 교향곡 〈부활〉, 3번째 교향곡, 1910년 그의 8 번째 교향곡은 성공적이였다. 말러의 음악 후계자들 중에는 제2 비엔나 학교의 작곡가들, 특히 아르놀트 쇤베르크, 알반 베르크, 안톤 베베른이 있다. 드미트리 쇼스타코비치와 벤저민 브리튼 또한 말러에게 영향을 받은 20세기 후반의 작곡가들이다. 국제 구스타프 말러 협회는 작곡가의 삶과 업적을 기리기 위해 1955년 설립되었다.

말러는 그의 생애 동안에는 위대한 오케스트라 지휘자로서 알려졌으나, 그는 사후에 후기 낭만파의 중요한 작곡가로 평가되었으며, 특히 교향곡과 가곡 (특히 〈방황하는 젊은이의 노래〉와 〈죽은 아이를 위한 노래〉), 교향곡과 가곡의 두 성격을 띠는 《대지의 노래》가 유명하다.

그는 “교향곡은 하나의 세계와 같이 모든 것을 포함해야 한다”는 생각에 따라 작곡하였고, 교향곡을 길이와 우주적이고 형이상학적인 시야 모두에 있어서 새로운 발전의 단계로 올려놓았다. 또한 말러는 베토벤의 영향을 받아 교향곡에 성악을 주입하는 시도를 하였다. (그의 《교향곡 3번》은 일반적인 교향곡 레퍼토리 중에서 가장 긴 약 100분 이상의 시간을 소요한다. 그의 《교향곡 8번》은 천 명이 넘는 연주자에 의해 초연되었으며 교향곡 중에 가장 거대한 오케스트레이션을 갖고 있다.) 그는 그의 교향곡 일부에 니체와 괴테의 철학, 중세 종교 상징주의와 영성을 표현하는 가사를 사용했다. 그의 작품은 이제 세계 주요 관현악단의 기본 레파토리의 일부가 되었다.

출생에 관하여 말러는 “나는 삼중으로 고향이 없다. 오스트리아 안에서는 보헤미아인으로, 독일인 중에서는 오스트리아인으로, 세계 안에서는 유대인으로서. 어디에서도 이방인이고 환영받지 못한다.”라고 말했다. 말러는 지휘자로서 높은 지위를 구축했음에도 불구하고 작곡가로서는 빈의 비평가의 평가로 인정받지 못했다. (말러 교향곡 작품이 빈에서 호평을 받게 된 것은 만년부터이다. 그 이전에는 말러 자작 연주에 대해서 빈의 저널리즘 등에서 "자작의 선전에 열중하고만 있다"와 중상하는 것도 있었다.) 그의 교향곡은 11곡 중 7곡(1번을 현재 판에서 생각하면 8곡)이 오스트리아인에게는 이미 외국이 되고 있던 독일에서 초연되고 있다. 말러에게 "아웃사이더(부외자)"로서 의식은 평생 사라지지 못했고, 가장 만년에는 뉴욕에서 독일인 기자가 "무슨 사람" 물어 그 언론인의 기대되는 답인 "독일인"와는 전혀 다르게"나는 보헤미안입니다(Ich bin einBohme.)"이라고 답했다. 흑맥주를 좋아했으나 본인은 그렇게 술에 강하지 않았다.

성격은 불같이 화를 잘냈고 완벽주의에 괴팍했다. 무자비할 정도의 완벽주의자로서 말러는 음악에 있어서 그 누구와도 타협을 하지 않았으며 양보도 하지 않았다. 타인의 자존심에 상처를 주기 일쑤였고 일방적인 대화에 자주 몽상에 빠지기도 했다. 게다가 조울증, 정신강박증도 있어서 어떨 때는 기분이 업다운되기까지도 했다. 지휘자로서 양보와 타협을 모르는 완고함, 무자비한 완벽주의, 자기중심적, 고압적, 신경질적인 성격이 따랐고 지휘대의 독재자라고 불렀다.

말러는 자신과 같은 계의 음악가이자 제자인 브루노 발터, 오토 클렘페러에게도 큰 영향을 미치고 있다. 특히 발터는 말러에 심취하고, 음악적인 면만 아니라 친구처럼 말러를 적극적으로 보좌했다. 클렘페러는 말러의 추천에 의해 지휘자로 시작할 수 있었고 그 일에 대해서 훗날까지 말러에 감사했다. 그 외, 빌럼 멩엘베르흐와 오스카 프리트와 같은 당시의 일류 지휘자도 말러와 교류하며 크게 영향을 받았다. 특히 멩엘베르흐는 말러로부터 "내 작품을 마음놓고 맡길 만큼 신용할 수 있는 인간은 따로 없다"라는 평가를 받을 정도였다. 멩엘베르흐는 말러의 사후, 남겨진 작품을 소개하기 위해 노력했으며, 1920년 5월 6일부터 21일까지 말러의 교향곡 전곡을 연주했다.

한편 말러는 완고한 성격과 완벽주의로 인해 주위의 반발을 산 적도 많았다. 오케스트라 단원들은 말러의 고압적인 태도(리허설에서 참다못한 때에 바닥을 발로 구르고 음정이 나쁜 단원들과 아인 자츠가 갖추어지지 않을 때 지휘봉으로 지적하는 것 등)를 싫어했다. 당시의 반유대주의의 융성과 함께 말러에 대한 태도는 점점 굳어졌고, 어느 날, 바이올린 연주자 중 한 명이 "말러가 왜 저렇게 화를 내는지 전혀 이해할 수 없다. 한스 리히터도 심하지만요."라고 말했고, 다른 사람이 "그렇구나. 하지만 리히터도 한통속이다"고 말했다. 당시 빈의 음악 저널리즘에서도 반유대주의에 입각한 부당한 공격을 받았으며, 이들은 말러가 유럽에서 활동을 그만 두게 된 큰 요인이 되었다.

"언젠가 나의 시대가 올 것이다"라는 말러의 말은 1902년 2월 알마 앞 서한에서 리하르트 슈트라우스의 것을 언급한 때에 등장하고 있다.

“그(슈트라우스)의 시대는 끝나고 나의 시대가 올 것이다. 그것까지 내가 그대 곁에서 살아 있었으면 좋지만! 하지만 너는 나의 빛이여! 너는 분명 살아 그날을 찾는다!”

말러는 당시 악단의 정점에 오른 최고의 지휘자였다. 음악성 이상으로 철저한 완벽주의, 완급 자재인 속도 변화, 극심한 몸짓과 소절선에 얽매이지 않은 초서적인 지휘법은 체험화할 만큼 강한 충격을 당시 사람들에게 주고 있다. 그 대표적인 캐리어쳐인 "초현대적인 지휘자"(Ein hypermoderner Dirigent)에는 1901년 빈 초기 시절 심한 운동을 동반한 말러 지휘 모습이 그려지고 있다. 또한 그 지휘 솜씨는 점차 평온한 것이어서, 만년에 의사는 심장 질환을 선고 받고는 "거의 불길에서 조용한 그림 같았다"(발터의 증언)과 다른 것이었다.

말러 지휘자로서의 명성은 벌써부터 나오고 있으며 1890년 12월 부다페스트에서 상연된 돈 조반니를 들은 브람스는 "진짜 돈 조반니를 듣기 위해서는 부다페스트에 가지 않으면 안 된다"고 말했다.

말러는 연주되는 곡에 대해서 악보를 수정, 편곡하는 경우가 많았고 후에 아르투로 토스카니니는 말러가 메트로폴리탄 가극장을 떠난 후 수정이 들어간 이들 악보를 보고 "말러 놈, 수치를 알라!(Shame on a man like Mahler!)"과 분개했다는 일화가 남아 있다. 무엇보다, 슈만의 교향곡 2번, 교향곡 3번의 연주에서는 토스카니니는 말러에 의한 오케스트레이션의 변경을 많이 채용하고 있다.

지휘에 대해서 말러의 말이 몇가지 남아 있다.

"모든 음의 길이가 정확히 나오면 그 템포가 바르다."
"음이 전후 서로 겹치고 프레이즈가 이해할 수 없게 된다면 그 템포가 너무 빠르다"
"식별할 수 있는 극한의 곳이 프레스토의 올바른 템포이다.그것을 넘으면 더 이상 무의미하다"
"청중이 아다지오에 따라오지 못할 때는 속도를 빠르게 하는 것이 아니라 반대로 미루었다"
말러는 지휘자로서 많은 개혁을 실행하고, 그것은 현대에도 계승되고 있다.
작곡 : Richard Wagner (리하르트 바그너,Wilhelm Richard Wagner)
1813년 5월 22일 ~ 1883년 2월 13일)는 독일의 작곡가, 극작가, 극 연출가, 지휘자, 음악 비평가 및 저술가였다. 독일의 오페라에 있어서 대표적인 작곡가 중의 하나이며, 19세기 유럽의 음악 및 문화 전체에 있어서도 독보적인 예술가 중의 하나였다. 그의 종합예술관과 종교적 예술관은 각 예술의 분야에 지대한 영향을 끼쳤다. 음악에 있어서 독일의 낭만주의 오페라의 전성시대를 열었으며, 음악극이라는 새로... 1813년 5월 22일 ~ 1883년 2월 13일)는 독일의 작곡가, 극작가, 극 연출가, 지휘자, 음악 비평가 및 저술가였다. 독일의 오페라에 있어서 대표적인 작곡가 중의 하나이며, 19세기 유럽의 음악 및 문화 전체에 있어서도 독보적인 예술가 중의 하나였다. 그의 종합예술관과 종교적 예술관은 각 예술의 분야에 지대한 영향을 끼쳤다. 음악에 있어서 독일의 낭만주의 오페라의 전성시대를 열었으며, 음악극이라는 새로운 장르를 창시하였다. 활동후기에는 풍부한 반음계적 음악언어를 발전시켜, 후대의 작곡가들로 하여금 조성을 약화시키고 결국에 파기하도록 하는 견인차 역할을 했다. 또한 본인의 작품을 공연하는 바이로이트 축제만을 위한 전용 공연장인 바이로이트 페스트슈필하우스를 건립했다.

그는 음악사에 있어서 뿐 아니라 문학사에서도 많은 영향을 준 독보적 예술가이다. 음악사에서는 초기 낭만파의 뒤를 이어 낭만파 음악을 대성한 음악인이며, 문학사에서는 신낭만파의 희곡 영역에 있어서의 거봉이었다. 또한 니체에게도 영향을 준 그는, 쇼펜하우어의 영향을 받아 염세주의, 종교적인 신비주의, 탐미주의적인 경향의 작품으로 19세기 말 낭만주의 부흥의 터전을 마련하였다.

바그너의 유럽 예술과 문화에 기여한 바는 부인할 수 없으며 기념비적이다. 그의 생전과 사후 여러 해 동안, 바그너는 그의 다수의 애호가들 사이에서 광적인 호응을 이끌어냈으며, 그들 사이에서 거의 신과 같은 지위를 가지는 것으로 생각되었다. 그의 음악인 트리스탄과 이졸데는 특히 중요한 새 지평을 열었다. 이후 여러 해 동안 많은 작곡가들은 바그너 편에 서거나 바그너에 반대하는 편 중 하나에 설 수밖에 없었다. 안톤 브루크너와 휴고 볼프는 그에게 특히 많은 빚을 졌으며, 세자르 프랑크, 앙리 뒤팍, 에르네스트 쇼송, 쥘 마스네, 알렉산더 폰 쳄린스키, 한스 피츠너 등등의 수많은 음악가들 또한 그러하였다. 구스타프 말러는 "오직 베토벤과 바그너만이 있었다"고 말했다. 클로드 드뷔시와 아르놀트 쉔베르크의 이십 세기 화성 혁명은 트리스탄으로부터 그 근원을 찾을 수 있다. 처음으로 어떤 종류의 드라마적인 공연 동안에 불빛을 희미하게 해야 한다고 처음 요구했던 사람이 바그너였으며, 처음으로 관현악단 피트(바이로이트에서는 관중석과 완전히 차단되어 있다)를 바이로이트 극장에서 사용했던 것도 그였다. 바그너는 그의 작품이 청중들의 상상 속에서 경험될 수 있는 "보이지 않는 극장"을 꿈꿨다. 오디오 기기의 발달로 이 꿈은 현실이 되었다.

바그너의 문학과 철학, 미술에 대한 영향 또한 분명하다. 영향력 있는 저작물인 비극의 탄생의 저자인 프리드리히 니체는 처음에 바그너를 숭배했는데, 그의 음악에서 유럽 정신이 다시 젊어지는 가능성을 보았기 때문이었다. 하지만 니체는 《파르지팔》 이후에 바그너와 결별했다. 그는 《파르지팔》를 기독교 신앙심에 영합하는 표현으로 보았기 때문이었다. 20세기에, W. H. 오든은 한때 바그너를 "아마도 모든 사람들 가운데 가장 위대했던 천재"로 불렀으며, 제임스 조이스, 토마스 만, 그리고 마르셀 프루스트도 바그너에게 크게 영향을 받아 그들의 소설에서 바그너를 논했다. 바그너는 T. S. 엘리엇의 《황무지》의 주요 주제 중 하나이며, 그의 오페라에서 많은 부분을 인용하고 있다. 반지의 제왕 작가 존 로널드 로웰 톨킨은 바그너와 그의 음악에 대해 아주 잘 알고 있었다. 톨킨 자신이 옥스포드의 고대영어 교수이었기에 북구 신화와 사가에는 정통했었고, 따라서 북구 신화를 차용한 바그너의 작품을 그냥 넘어갈 수가 없었다. 또한 그의 절친한 친구였던 C.S. 루이스가 열렬한 바그네리안이었으며, 20세기 초의 유럽 문화계의 풍토를 보아도 바그너에 대한 자기만의 관점을 가지지 않을 수 없는 상태였었다. 게다가 톨킨은 C.S. 루이스와 함께 종종 바그너 공연을 보러 갔었으며, 한때는 C.S. 루이스와 함께 <니벨룽의 반지>의 2부 발퀴레를 영어로 번역하는 작업을 시도하기도 했다. 또, 그는 바그너를 즐겨 들었고 또 열심히 연구를 했다. 스테판 말라르메, 폴 베를렌느, 그리고 샤를르 보들레르는 그를 숭배했다. 사랑과 죽음(즉 에로스와 탄토스)의 관계에 대한 것 등 그의 음악 속의 많은 발상은, 지그문트 프로이트에 의한 정신 분석을 예고했다. 추상미술의 아버지 바실리 칸딘스키는 바그너 신봉자이기도 했다. 바그너의 오페라 '로엔그린'을 듣고 깊은 감명을 받아 음악을 들으면서 색을 보는 공감각을 경험했다. 그 후 칸딘스키는 음악이 그림이 될 수 있고, 또 그림이 음악이 될 수 있다고 믿었고 그의 그림들은 대상에 연연하지 않는 추상화로 바뀌게 된다. 또 칸딘스키는 '로엔그린'을 듣고 깊은 감명을 받아 '바그너의 음악에서 바이올린, 베이스, 관악기의 울림, 나의 마음 속에서 나의 모든 빛깔을 보았다. 야성적이며 미친 것 같은 선들이 내 앞에 그려졌다. 회화는 음악이 갖고 있는 것과 같은 힘을 발휘할 수 있는 일이었다.' 라고 말했다

바그너의 영향이 꼭 긍정적인 것만은 아니었다. 한 때, 독일 음악계는 바그너 지지자와 요하네스 브람스 지지자의 두 파로 나뉘었다. 브람스 지지파는 강력한 비평가인 에두아르트 한슬릭의 도움을 받고 있었는데, 그는 전통 형태를 최고로 인정하고 바그너식 혁신에 반대하는 보수파를 이끌었다. 클로드 드뷔시는 바그너를 심하게 비판했던 사람이지만 ("그 오래된 중독자"), 바그너의 영향을 가장 크게 받은 작곡자 중 한 사람임을 부인할 수는 없었다. 사실 드뷔시는 바그너의 영향을 의심할 여지도 없이 받았기 때문에 바그너와 결별할 필요가 있었던 많은 작곡가들 중에 한 명이었다.

바그너의 음악은 강한 반응을 계속 일으켰다. 그의 후기작에서, 그는 바그너 작품의 그것처럼 긴 시간과 깊은 맥박을 만들어내어 음악을 완전히 이해하기 위해서는 청자들이 바그너의 시간 개념에 완전히 익숙해지기를 요구하는 그런 음악을 만들어 냈다. 로시니("바그너는 굉장한 순간과 진절머리나는 15분을 가지고 있다")를 포함해 많은 저항이 있었지만, 그 자신의 "Guillaume Tell"이 네 시간 이상의, 어떤 바그너 작품 하나보다도 긴 시간을 요구했다. 바그너의 이상은, 지크프리트의 "금발의 괴물" 영웅주의로부터, 그의 열성적인 쇼펜하우어 오독과 더불어 죽음과 신격화에 대한 매혹에 이르기까지, 이제는 심하게 유행에 뒤떨어져 있다. 그러나 여전히 그의 오페라는 계속 강한 추종을 불러일으키고 있으며, 바그너는 나폴레옹의 뒤를 이어 두 번째로 그에게 자극받은 이차 문학의 양이 많은 역사적 인물로 꼽히고 있다. 그렇게 그는 계속적으로 많은 찬반 논란과 존경을 동시에 받고 있다. 그 원인이 그의 음악의 뿌리에 있는 능가할 자 없는 숭고함, 힘, 장엄함, 그리고 때때로 위험한 초월적인 아름다움 때문이다.

종합적인 음악 표현과 유도동기의 사용은 20세기의 영화음악에 강한 영향을 주기도 하였다. 바그너는 또한 극도로 찬반이 엇갈리는 평가를 받는 인물로서, 이는 그의 음악과 드라마에 대한 혁신으로 인한 것뿐만 아니라, 그의 반유대인적 시각에도 기인한다.

바그너는 새로운 교향악적인 오페라(또는 "음악극")로 잘 알려져 있다. 그는 작품에 새로운 화성, 연속적인 대위법적 텍스처, 풍부한 오케스트레이션, 그리고 유도동기(라이트모티프, Leitmotif; 특정한 인물이나 상황에 연관된 음악 동기)을 사용하였다. 바그너의 반음계적 음악 언어는 유럽의 고전음악에 중대한 변화를 끼쳤으며, 이는 극단적인 반음계법과 무조성을 지향한다. 그의 음악극들은 "총체예술(Gesamtkunstwerk)"이라는 미학적 개념에 기반을 두었으며 니벨룽의 반지(1876)의 4부작이 대표적인 작품이다.

바그너의 오페라와 음악극은 그의 대표적 예술적 유산이며 시기별로 세 범주로 나눌 수 있다.

바그너의 초기 단계는 나이 열 아홉에 그의 첫 오페라 도전 혼례(Die Hochzeit)로 시작되었는데, 작곡의 초기 단계에서 1832년에 포기했다. 바그너의 완성된 초기 단계 오페라는 세 개로, 요정(Die Feen), 연애금제(Das Liebesverbot - 쉽게 말해서 연애 금지), 그리고 리엔치이다. 이 작품들의 작곡 양식은 전형적인 것으로 음악사에서 바그너의 위치를 매김해 준 혁신적인 발상은 포함되어 있지 않다. 그의 생의 나중에, 바그너는 이 비성숙한 작품들은 그의 예술 작품의 일부로 치지 않는다고 말했다. 이 작품들은 거의 연주되지 않지만, 리엔치 서곡은 콘서트용 작품이 되었다.

바그너의 중기 단계의 작품은 굉장히 뛰어난 것으로 여겨지며, 그의 드라마 작가이자 작곡가로서의 힘이 깊어가는 것을 보여주기 시작한다. 이 시기의 작품은 방황하는 네덜란드인(Der Fliegnde Hollander), 그 뒤를 이어서 탄호이저(Tannhauser)와 로엔그린(Lohengrin)을 포함한다. 이 작품들은 오늘날 광범위하게 연주되고 있다.

바그너의 후기 단계의 오페라 작품들은 총체예술을 본격적으로 실현시킨 음악으로서 음악극이라는 명칭을 사용한다. 트리스탄과 이졸데(Tristan und Isolde)은 그의 가장 위대한 단편 음악극 작품으로 거론되기도 한다. 뉘른베르크의 마이스터징어(장인 가수)(Die Meistersinger von Nurnberg)는 바그너의 유일한 희극이며 (그의 잊혀진 초기작인 연애금제를 제외하면) 현재 공연되는 오페라 가운데 가장 긴 것들 중 하나이다. 니벨룽의 반지는 흔히 반지 사이클이라고 회자되며, 독일과 스칸디나비아 신화에 기초한 네 개의 오페라 모음이다. 연주에 걸리는 시간은 대략 16시간 가량으로, 반지 사이클은 이제까지 작곡된 음악 작품 중 가장 야심찬 것으로 불린고 있다. 바그너의 최후의 오페라, 파르지팔(Parsifal)은 바그너의 바이로이트 축제를 위해 특별히 작곡되었으며 악보에 "무대신성제전극"("Buhnenweihfestspiel")이라고 쓰여 있다. 이 작품은 성배에 대한 기독교 전설에 기초해 쓰여진 명상적인 작품이다.

그의 오페라와 음악 이론에 대한 수필에 걸쳐, 바그너는 오페라라는 매체에 대한 강한 영향력을 행사해 왔다. 그는 그가 "악극"이라고 부른, 음악과 드라마의 요소를 모두 함께 융합한 새로운 오페라 형태에 대한 옹호자였다. 대본 작성 작업을 직접 하지 않은 다른 오페라 작곡가들과 달리, 바그너는 그의 오페라를 위한 대본을 직접 썼으며 자신은 그것을 "시"라고 지칭했다. 그의 작품의 줄거리 대부분은 북유럽 신화와 전설에 기초해 있다. 거기에 더해, 바그너는 오케스트라의 역할이 가수의 그것과 동등한 작품 양식을 개발해 냈다. 오페라의 드라마에 대한 오케스트라의 역할에는, 특정한 인물, 장소, 줄거리 요소를 알려 주는 음악 주제인 유도동기의 연주가 포함된다; 유도동기가 서로 복잡하게 얽히고 진화해 나가는 양상이 드라마의 발전을 설명하고 있다.

바그너의 음악적인 양식은 종종 서양 고전음악의 낭만파 시기의 축약으로 간주되는데, 이는 전례가 없는 감정적 표현에 대한 탐구 때문이다. 그는 화성과 음악 형식에 있어서 새로운 생각을 소개했으며, 여기에는 극단적인 반음계법이 포함된다. 트리스탄과 이졸데에서, 그는 전통적인 조성 체계의 한계를 탐구하여 조와 화음을 각각 인물과 동일시하는 방법으로, 20세기의 무조성으로의 길을 가리켰다. 몇몇 음악 사학자는 현대 서양 고전음악의 시작을, 소위 트리스탄 화음이라고 불리는 트리스탄의 첫 음표들로 보고 있다.

오페라를 떠나서는, 바그너는 상대적으로 적은 수의 음악을 작곡했다. 여기에는 2개의 교향곡 (나이 19세와 21세에 씀) 과 몇 개의 서곡, 합창곡 및 피아노곡, 그리고 글룩의 아울리데의 이피게니의 관현악 재편곡 등이 포함된다. 이들 중에 가장 자주 연주되는 작품은, 그의 두 번째 아내인 코지마의 생일을 위해 작곡된 실내악 작품인 지크프리트 목가이다. 목가는 반지 사이클에서 여러 모티프를 끌어오지만, 반지의 일부는 아니다. 그 다음으로 가장 유명한 것은 베젠동크 가곡으로, 이전에는 여성 성악을 위한 다섯 개의 노래로 알려졌으며, 바그너가 트리스탄을 작곡하는 동안에 마틸데 베젠동크를 위해 작곡되었다.

파르지팔을 끝낸 후, 바그너는 분명히 교향곡 작곡으로 방향을 전환하려 의도했다. 하지만 실질적으로 그가 죽을 때까지 아무것도 작곡되지 않았다.

바그너의 중기와 후기 오페라에서 서곡과 관현악 소절은 콘서트 작품으로 흔히 연주된다, 이들의 대부분에 대해, 바그너는 이 발췌부에 대해 짧은 소절을 덧붙여서 곡이 갑자기 끝나지 않도록 만들었다. 예를 들어, 이런 경우에 파르지팔 전주곡과 지크프리트의 장송 음악이 해당된다. 흥미로운 사실은 트리스탄 전주곡의 콘서트용 판은 인기가 없고 거의 들을 수 없다는 것이다; 전주곡의 원래 형태가 콘서트 연주를 위해서도 보통 더 나은 것으로 간주된다.

영어권 국가에서 신부의 입장 시에 연주되는 가장 대중적인 결혼 행진곡 중 하나(흔히 "여기 신부가 온다"("Here Comes the Bride")라고 알려져 있다)는 그 가락을 로엔그린의 "혼례 합창곡"에서 따 온다. 오페라에서 이 곡은 신부와 신랑이 축하 행사장을 떠나 결혼식장으로 들어갈 때에 불린다. 로엔그린과 엘자의 재앙과도 같은 결혼은, 합창곡이 불리는 20분 후에 회복할 수 없이 파경으로 도달하는데, 그럼에도 불구하고 작품의 이런 이상한 사용을 막는 이유가 되지는 못했다.
작곡 : Franz Schubert (프란츠 슈베르트)
프란츠 페터 슈베르트(독일어: Franz Peter Schubert, 1797년 1월 31일 ~ 1828년 11월 19일)는 오스트리아의 작곡가이다. 음악의 최고봉 중 한 사람이다. 관현악곡·교회 음악·실내악·피아노곡 등 명작이 많은데, 특히 리트(독일 가곡)에 뛰어난 작품이 많으며, 19세기 독일 리트 형식의 창시자이다. 여러 가지 의문점을 남긴 채 31세로 병사한 그는 가난과 타고난 병약함 등의 어려움에도 불... 프란츠 페터 슈베르트(독일어: Franz Peter Schubert, 1797년 1월 31일 ~ 1828년 11월 19일)는 오스트리아의 작곡가이다. 음악의 최고봉 중 한 사람이다. 관현악곡·교회 음악·실내악·피아노곡 등 명작이 많은데, 특히 리트(독일 가곡)에 뛰어난 작품이 많으며, 19세기 독일 리트 형식의 창시자이다. 여러 가지 의문점을 남긴 채 31세로 병사한 그는 가난과 타고난 병약함 등의 어려움에도 불구하고 600여 편의 가곡, 13편의 교향곡, 소나타, 오페라 등을 작곡했으며, 가곡의 왕이라고 불린다.

오스트리아 대공국 빈의 교외 리히텐탈에서 독일의 슐레지엔의 자작농 출신이자 초등학교 교장인 아버지와 요리사인 어머니 사이에서 넷째 아들로 태어났다. 음악을 좋아하는 아버지는 음악에 재능이 있는 슈베르트에게 5살부터 악기교육을 시켰고, 1년 뒤 그의 아버지의 학교에 입학한 슈베르트는 그때부터 공식적인 음악 교육을 받기 시작했는데, 그의 아버지는 슈베르트에게 바이올린의 기초를 가르쳤으며, 그의 형 이그나츠는 슈베르트에게 피아노 교습을 시켰다. 7살부터 지역 교회의 합창단장인 미하엘 홀처로부터 교습을 받았다. 또한 가족 현악 4중주에서 형 이그나츠와 페르디난트는 바이올린을, 아버지는 첼로를, 자신은 비올라를 맡아 연주하기도 하였다. 슈베르트는 어려서부터 음악에 대한 재능이 뛰어났으나 아버지가 음악을 가르친 이유는 단순히 취미였을 뿐, 슈베르트를 음악인으로 키우기 위한 것은 아니었다. 그래서 나중에 어른이 된 슈베르트는 교사가 되길 바라는 아버지와 진로문제로 갈등을 겪게 되었다. 1804년 슈베르트는 살리에리의 지도를 받았으며 그 재능을 인정받기도 하였다. 1808년에는 궁정신학원에 장학생으로 입학하고 그곳에서 모차르트의 서곡이나 교향곡을 접하게 되었는데 그는 특히 모차르트를 좋아하고 베토벤을 존경하였다. 13세 때 변성기로 인해 궁정학교 수업을 그만두었다.

오스트리아에서는 군복무를 일정기간의 교사근무로 대신하는 대체복무제를 허용하고 있었으므로 아버지의 뜻에 따라 1814년부터 아버지가 근무하는 초등학교에서 조교사로 일했다. 이때부터 작곡 활동을 시작했으며, 이 해에 바 장조의 미사곡(로마 가톨릭교회에서 장례미사에 사용하는 음악)을 작곡하였는데, 이 곡의 독창을 부른 테레제 그로브는 슈베르트의 첫번째 애인이었다. 하지만 둘 사이의 사랑은 내성적인 성격 때문에 결실을 보지 못하고, 테레제는 다른 남자와 결혼을 하였다.

1815년 18세 때에 그의 재능을 아는 친구들의 도움을 받아 수백 곡의 가곡을 썼으며, 괴테의 시에 곡을 붙인 《마왕》, 《휴식 없는 사랑》, 《들장미》 등의 명작도 이 해에 작곡되었다. 그가 지은 가곡 중 일부는 지인들의 도움을 받아 책으로 편집되었다. 1816년 슈파운이 소개한 시인 친구 프란츠 폰 쇼버의 권유로 친구 집에 머물며 작곡에 몰두하였다. 이때부터 그의 방랑생활이 시작되며, 죽는 날까지 그를 괴롭힌 매독 또한 이 시기에 감염된 것으로 추정된다. 그 후 1817년 당시 최고의 성악가이자 25세 연상인 요한 미하엘 포글을 만났다. 1818년에는 가곡 《죽음과 소녀》, 《송어》를 작곡하였으며 에스테르하지 공작 집안의 두 딸의 가정교사가 되어 한여름을 첼리즈에서 보냈다. 이듬해에 포글과 함께 북오스트리아 각지로 연주 여행을 하였는데, 그의 음악이 포글에 의해 처음으로 공개 연주되어 호평을 받았다. 이 좋은 벗의 도움으로 그의 명성은 차츰 높아지고, 오스트리아에 있는 그의 친구들을 중심으로 Schubertiads 라는 모임이 결성되었다. 1819년 라이바흐 사범학교의 교사가 되려고 하였으나 뜻을 이루지 못하고 부친의 학교에 머물면서 많은 작품을 작곡하였다. 가곡 《방랑자》나 《교향곡 제5번》 등이 이때의 작품이다. 1823년에는 《방랑자의 환상곡》, 《로자문데》 등을 발표했고 그 해 여름, 친구의 집에서 읽은 뮐러의 시에 감동하여 《아름다운 물방앗간의 처녀》를 작곡하였다. 1824년, 다시 에스테르하지 가의 음악 교사가 되어 전원 생활을 즐기며 《현악 4중주곡》을 작곡하였다. 이듬해 다시 포글과 서부 오스트리아로 여행하였는데, 이때 《아베 마리아》를 작곡하였다. 1827년 30세가 되자 자신의 인생이 겨울을 맞았음을 아는 듯 《겨울 여행》을 작곡하였다. 1828년 3월 자작 연주회를 열어 성공을 거둔 뒤 교향곡 9번인 《대교향곡》을 완성하였으며, 그가 죽은 뒤 출판된 《백조의 노래》에 수록된 가곡의 대부분이 그 해 8월에 완성되었다.

슈베르트는 한때 베토벤과 만난 적이 있었다. 평소에 베토벤을 존경해왔던 슈베르트는 그를 만나고자 했지만 자신의 소심한 성격 탓에 쉽사리 만날 용기를 가지지 못했다. 게다가 베토벤의 청력상실을 비롯한 합병증으로 만난다 하더라도 제대로 된 대화를 하지 못하기 때문에 만날 기회를 더더욱 가지지 못했다. 그러다 지인들의 권유로 슈베르트가 용기를 내어 1827년 3월 19일, 베토벤 집에 방문하여 만나게 되었다. 놀라운 것은 이렇게 어렵게 만난 두 사람이 불과 2 km 정도 떨어진 곳에 살고 있었다는 것이다. 슈베르트는 베토벤에게 인사하는 한편 자신이 작곡한 악보를 보여준다. 베토벤은 슈베르트로부터 받은 그의 악보를 보고 감탄을 금치 못했으며 이렇게 늦게 만난 것에 대해 후회를 했고 슈베르트에게 다음과 같이 말한다.

"자네를 조금만 더 일찍 만났으면 좋았을 것을… 내 명은 이제 다 되었네. 슈베르트, 자네는 분명 세상에 빛낼 수 있는 훌륭한 음악가가 될 것이네. 그러니 부디 용기를 잃지 말게…"

이러한 베토벤의 말 한 마디 한 마디가 합병증으로 인해 힘이 들어 보였고 말할 때마다 계속되는 기침으로 슈베르트는 자신이 말하는 것보다 듣는 것이 더 괴로울 지경이었다. 그 후 베토벤은 청력상실로 듣지 못하는 탓에 슈베르트에게 자신에게 하고 싶은 말을 글로 적으라고 했지만 슈베르트는 자신이 존경하는 음악가의 병이 든 처참한 모습을 보고 소심한 성격때문에 일찍 만나지 못한 자괴감과 후회감에 빠져 괴로운 나머지 인사말도 없이 그대로 방을 뛰쳐나가고 말았다. 베토벤이 죽기 일주일 전의 일이었고 이것이 처음이자 마지막 만남이었다. 그러나 슈베르트는 1주일 뒤인 3월 26일, 베토벤이 죽자 그의 장례에 참여하였다.

베토벤이 세상을 떠난 1년 뒤인 1828년, 그는 자신이 대위법이 부족한 것을 스스로 깨닫고 다시 공부하다가(키즐러에게) 11월 17일에 원인을 알 수 없는 병을 얻어 몸져 누웠다. 그의 병세는 날로 악화되어 기억력이 감퇴하여 술에 취한 사람처럼 몸을 비틀거리는데다 허깨비가 보이며 혼잣말을 하는 등 정신이상의 증세를 보이다가 이틀 뒤인 11월 19일에 31세의 젊은 나이로 빈에서 요절하고 말았다. 슈베르트의 아버지는 유해를 교회에 묻으려 했으나 당시 그를 돌보던 둘째 형 이그나츠가 평소에 존경하던 베토벤의 옆에 묻어주자고 제안을 해 빈 중앙 묘지의 베토벤 무덤 옆에 나란히 묻혔다. 슈베르트의 죽음에 대한 의문은 아직 풀리지 않았는데 식중독으로 사망했다는 설, 장티푸스로 사망했다는 설과 매독의 악화로 사망했다는 설도 있으며 현재는 매독으로 인한 사망이 신빙성을 얻고 있다.[주해 1] 별세한 해에 만들어진 최후의 가곡 14곡을 모은 것이 《백조의 노래》이다.

슈베르트는 그 짧은 일생에 수많은 가곡과 기악곡, 교향곡 등을 작곡하였으나, 그의 이름을 유명하게 한 것은 가곡이다. 690곡에 이르는 가곡들이 모두 훌륭하다는 평을 듣지만, 특히 《겨울 여행》이나 《아름다운 물방앗간의 처녀》, 《백조의 노래》 등이 특히 뛰어난 작품이며, 자유로운 표현력을 지니는 멜로디의 아름다움, 그리고 화성의 미묘한 변화 등 낭만주의의 특색을 잘 나타내고 있다. 교향곡에서는 제8번의 《미완성》이 특히 유명하나, 제9번 《대교향곡》의 아름다움도 잊어서는 안된다. 피아노곡에서는 《마왕》, 《방랑자 환상곡》, 《스케르초》, 《악흥(樂興)의 한때》 등이 알려져 있고, 실내악곡에도 《죽음과 소녀》나 《송어》 등 걸작이 많다. 그 밖에 오페라·음악극의 작품도 있으며, 가곡을 비롯하여 교향곡·실내악·피아노곡 등 1,200여 곡의 많은 작품을 남겼다.
19세기 독일 낭만주의 음악을 대표하는 작곡가. 1810년에 독일 작센 주의 츠비카우 시에서 태어났다. 출판업을 했던 아버지의 영향으로 어려서부터 책을 가까이 했고, 음악 못지않게 문학에도 심취했다. 음악가가 되고 싶었던 슈만의 바람과는 달리 그의 부모는 이를 탐탁지 않게 여겼고, 슈만은 이후 급작스러운 아버지의 죽음을 계기로 1828년에 법학을 공부하기 위해 라이프치히 대학에 입학한다. 하지만 음악에 대한 마음... 19세기 독일 낭만주의 음악을 대표하는 작곡가. 1810년에 독일 작센 주의 츠비카우 시에서 태어났다. 출판업을 했던 아버지의 영향으로 어려서부터 책을 가까이 했고, 음악 못지않게 문학에도 심취했다. 음악가가 되고 싶었던 슈만의 바람과는 달리 그의 부모는 이를 탐탁지 않게 여겼고, 슈만은 이후 급작스러운 아버지의 죽음을 계기로 1828년에 법학을 공부하기 위해 라이프치히 대학에 입학한다. 하지만 음악에 대한 마음을 버리지 못하고 피아노 공부를 이어가던 중 유명 피아노 교수 프리드리히 비크를 만나 그의 문하에서 가르침을 받는다. 그렇게 슈만은 열정적으로 음악에 빠져들었으나 혹독한 연습으로 손가락을 다쳐 결국 피아니스트의 꿈을 포기해야 했다.

이를 계기로 슈만은 작곡과 음악 평론의 길로 들어서는데, 어린 시절의 독서가 큰 자양분이 되었다. 1834년 동료들과 함께 음악 잡지인 <음악신보Neue Zeitschrift fur Musik>를 만들고, 10년간 편집장 역할을 하며 글을 썼다. 슈만은 이 잡지를 통해 베를리오즈, 쇼팽 등 무명의 뛰어난 음악가들을 소개하고 슈베르트, 멘델스존 등 작곡가들의 잘 알려지지 않은 훌륭한 작품을 알리는 데 선구적인 역할을 했다.

이 책에 실린 슈만의 조언들은 그의 피아노 작품집 〈어린이를 위한 앨범Album fur die Jugend〉과 함께 발표하려고 쓴 것인데, Musikalische Haus-und Lebensregeln이라는 제목으로 알려져 있다. 이 글에서 어린이와 젊은 음악가들을 향한 슈만의 특별한 애정을 느낄 수 있으며, 150여 년이 지난 오늘에도 큰 울림을 준다.

1840년 클라라 비이크와 결혼하였다. 그 후 수많은 가곡을 작곡하고 멘델스존의 라이프니츠 음악원에서 강사, 드레스덴 합창단의 지휘자가 되어 활약하였다. 그 뒤 정신 이상으로 라인 강에 투신 자살을 기도했다가 구조되었으나 2년 후 1856년, 46세에 현재 본으로 편입된 엔데니히의 병원에서 생을 마감했다.

가장 대표적인 낭만주의 작곡가라고 평가받는다. 시적이며 철학적인 그의 음악은 아주 낭만적이다. 그의 초기 음악에서 형식적인 고전주의의 틀을 깨려는 노력이 엿보인다. 근대적 피아노 기술을 개척하고 개성 있는 피아노 소곡과 가곡을 남겼으며, 가곡에서는 가곡 못지 않게 피아노 반주부에 중요한 표현을 준 점이 획기적이다. 그의 아내인 클라라 슈만은 우수한 피아니스트로서 그의 좋은 협력자였다. 그의 작품으로는 <사육제>, <어린이 정경> 등의 피아노 곡과 <시인의 사랑>, <여인의 사랑과 생애> 등의 가곡집, 합창곡 <유랑의 무리>가 유명하고, 그 밖에 관현악곡·실내악곡·기악곡도 많다.
작곡 : Giuseppe Verdi (주세페 베르디)
이탈리아의 작곡가로서, 이탈리아 북부 파르마현(縣)의 레론콜레에서 독일의 바그너와 같은 해에 출생했다. 19세기 오페라 작곡가로서 이탈리아의 오페라를 세계적으로 만들었다. 로시니의 뒤를 계승하여 이탈리아 오페라의 전통을 확립시켰고, 푸치니에게 그것을 계승시키고 간 위대한 오페라 작곡가이다. 베르디의 오페라는 주로 남자 주인공을 중심으로 전개되는데, 그의 오페라는 힘차고 당당한 극적 성격을 지니고 있다. 말년에는 ... 이탈리아의 작곡가로서, 이탈리아 북부 파르마현(縣)의 레론콜레에서 독일의 바그너와 같은 해에 출생했다. 19세기 오페라 작곡가로서 이탈리아의 오페라를 세계적으로 만들었다. 로시니의 뒤를 계승하여 이탈리아 오페라의 전통을 확립시켰고, 푸치니에게 그것을 계승시키고 간 위대한 오페라 작곡가이다. 베르디의 오페라는 주로 남자 주인공을 중심으로 전개되는데, 그의 오페라는 힘차고 당당한 극적 성격을 지니고 있다. 말년에는 비극적인 작품을 많이 써냈고 '팔스타프'와 같은 희가극을 만들어 내는 정력적인 창작력을 가지고 있습니다. 오페라 이외의 작품으로는 '레퀴엠', '현악사중주곡' 등이 널리 알려져 있다.
작곡 : Henri Duparc (앙리 뒤파르크)
프랑스의 후기 낭만파 작곡가 프랑스의 후기 낭만파 작곡가
작곡 : Igor Stravinsky (이고르 스트라빈스키)
러시아 페테르부르크에서 태어난 스트라빈스키는 페테르부르크 대학교에서 법률을 배우다가, 1903년 독일에서 니콜라이 림스키코르사코프를 만난 후 음악에 뜻을 두고, 그에게서 작곡 개인지도를 받았다. 1908년 관현악곡 《불꽃》으로 러시아 발레단의 디아길레프에게 인정을 받고, 그의 의뢰로 발레곡 《불새》(1910), 《페트루시카》(1911)를 작곡하여 성공을 거둠으로써 작곡가로서의 지위를 확립하였다. 1913년 ... 러시아 페테르부르크에서 태어난 스트라빈스키는 페테르부르크 대학교에서 법률을 배우다가, 1903년 독일에서 니콜라이 림스키코르사코프를 만난 후 음악에 뜻을 두고, 그에게서 작곡 개인지도를 받았다.

1908년 관현악곡 《불꽃》으로 러시아 발레단의 디아길레프에게 인정을 받고, 그의 의뢰로 발레곡 《불새》(1910), 《페트루시카》(1911)를 작곡하여 성공을 거둠으로써 작곡가로서의 지위를 확립하였다. 1913년 발표한 《봄의 제전》으로 파리악단에서 찬반 양론의 소동이 일어났으며, 이 곡으로 당시 전위파 기수의 한 사람으로 주목받게 되었고, 그의 대표작이 되었다.

러시아 혁명으로 조국을 떠난 그는 제1차 세계 대전 후 신고전주의 작품으로 전환하였는데, 이 시기의 작품으로 《풀치넬라》(1920)가 있다. 그리고 고전 시대와 바로크 시대 음악의 정신을 부흥시키려고 한 음악풍조는 제1·2차 세계대전 사이에서 유럽 음악의 주류를 이루었는데 그는 이 시기의 풍조에 선도적 역할을 하였다.

1934년 프랑스에 귀화했다가 제2차 세계 대전이 발발하자 1945년 미국으로 망명, 귀화하여, 한때의 침체기를 거쳐 《3악장의 교향곡》(1945)과 《미사》(1948) 등으로 재기, 다시 제2의 전기(轉機)를 맞이하였다. 그리고 말년에는 종교음악에 관심을 두어 《설교, 설화 및 기도》(1961), 칸타타 《아브라함과 이삭》(1963), 합창곡 《케네디의 추억을 위하여》(1965) 등의 작품을 남겼다.
작곡 : Joseph Canteloube (조제프 캉틀루브,Joseph Canteloube de Malaret)
파리 출생. 7세 때부터 피아노를 배우고, 뛰어난 음악적 재능은 흔히 모차르트의 유년시절과 비교되었다. 1846년 10세 때 데뷔하고, 12세 때 파리음악원에 입학하여 오르간과 작곡을 배웠다. 1853~1877년 마들렌교회의 오르간 연주자로 근무하면서는, 오르간 ·피아노 연주의 명수, 즉흥연주의 대가로 이름을 떨쳤다. 또 1861∼1865년에는 에콜 니데르메이에르음악학교에서 피아노를 교수하였는데, A.메사제, G... 파리 출생. 7세 때부터 피아노를 배우고, 뛰어난 음악적 재능은 흔히 모차르트의 유년시절과 비교되었다. 1846년 10세 때 데뷔하고, 12세 때 파리음악원에 입학하여 오르간과 작곡을 배웠다. 1853~1877년 마들렌교회의 오르간 연주자로 근무하면서는, 오르간 ·피아노 연주의 명수, 즉흥연주의 대가로 이름을 떨쳤다. 또 1861∼1865년에는 에콜 니데르메이에르음악학교에서 피아노를 교수하였는데, A.메사제, G.포레 등은 이 시기의 제자들이다.

1871년 유지들과 파리에서 '국민음악협회'를 결성하고 유력한 멤버로서 프랑스음악계에 교향악운동을 강력히 추진하였다. 작곡가로서는 1852년과 1864년에 로마대상에 낙선하여 그 이후 1880년경까지는 별로 인정받지 못하였으나, 국민음악협회, C.라무뢰 등의 오케스트라 활동이 활발해지면서 명성이 높아지기 시작하였다. 작품에는 '삼손과 델릴라 Samson et Dalila'(1877)를 비롯한 13편의 오페라, 교향곡 4, 피아노협주곡 3, 그 밖에 피아노곡을 비롯한 많은 기악곡이 있다. 작품은 모두 고전적인 단정함, 세련된 관현악법에 의한 화려한 표현이 특징이다.

자신의 말에 따르면 '사과나무가 사과를 맺듯이 운명처럼 작품을 썼다.' 고 하는 카미유 생상스('생상'으로 표기하는 경우도 많은데, 작곡가의 후손이 밝힌 바에 따르면 '생상스'로 부르는 게 맞다고 한다). 그는 피아니스트로서 즉흥 연주의 대가였고 리스트로부터는 '세계 최고의 오르간 주자'라는 찬사를 받았을 뿐만 아니라 작가이자 뛰어난 화가이기도 했으며 자연과학을 비롯한 여러 분야에 많은 지식을 갖고 있었다. 그래서 베를리오즈는 약간 비꼬는 투로 '생상스는 모든 분야에 뛰어나지만 미경험(未經驗)에 대해서만은 부족하다.'라고 말하기도 했지만(그러나 '오늘날 가장 위대한 음악가 중 하나'라고 극찬한 적도 있다), 그의 왕성한 탐구심과 근면함(그는 죽기 바로 전날까지도 작곡을 했다)은 여러 장르에 걸쳐 많은 걸작을 만들어낼 수 있었던 원동력이 된 것도 사실이다.
작곡 : Felix Mendelssohn (펠릭스 멘델스존,Felix Mendelssohn-Bartholdy)
독일의 초기 낭만파 시대의 작곡가, 피아니스트, 오르가니스트, 지휘자로, 영어권 국가에서는 흔히 펠릭스 멘델스존이라고 한다. 펠릭스 멘델스존은 부유한 시민층 계급의 명망이 있는 유대인 가문에서 태어났다. 유명한 철학자인 모제스 멘델스존(Moses Mendelssohn)은 그의 할아버지다. 그의 아버지인 아브라함 멘델스존 바르톨디(Abraham Mendelssohn Bartholdy)는 1804년에 자신의 ... 독일의 초기 낭만파 시대의 작곡가, 피아니스트, 오르가니스트, 지휘자로, 영어권 국가에서는 흔히 펠릭스 멘델스존이라고 한다.

펠릭스 멘델스존은 부유한 시민층 계급의 명망이 있는 유대인 가문에서 태어났다. 유명한 철학자인 모제스 멘델스존(Moses Mendelssohn)은 그의 할아버지다. 그의 아버지인 아브라함 멘델스존 바르톨디(Abraham Mendelssohn Bartholdy)는 1804년에 자신의 맏형 요제프의 은행에서 일하게 된다. 어머니인 레아 멘델스존 바르톨디(Lea Mendelssohn Bartholdy)는 살로몬의 제조업 가문 출신이다.

아브라함과 레아는 1804년에 결혼하여 베를린에서 함부르크로 거처를 옮긴다. 1805년에 태어난 펠릭스 멘델스존의 누나인 파니 멘델스존은 음악적 재능을 가졌다고 한다. 다른 남매로는 1811년생인 레베카 디리흘레트(Rebecca Dirichlet), 1812년생인 파울 멘델스존(Paul)이 있다. 아브라함 멘델스존의 모든 자녀들은 1816년 3월 21일에 개신교 목사로부터 개신교의 가정 세례를 받았다. 여기서 바로 펠릭스는 야코프 루트비히라는 세례명을 받게 된다.

1844년 여름에 있었던 멘델스존의 8번째 영국 방문에서 그는 런던에서 다섯 개의 필 하모닉 콘서트를 진행했으며 다음과 같이 썼다. "이 계절은 이전과 같았습니다. 3주 전에 매일 약속이 채워졌고 나머지 2개월 동안 나는 더 많은 음악을 듣게되었습니다." (레베카 멘델스존 바르 톨디에게 보낸 편지, 소덴, 1844년 7월 22일). 계속되는 방문에서 멘델스존은 빅토리아 여왕과 남편 앨버트 왕자를 만났는데, 그는 자신의 음악을 크게 경외했던 작곡가였다.

멘델스존의 오라토리오 엘리야는 버밍엄 트리엔날레 뮤직 페스티벌(Birmingham Triennial Music Festival)에 의해 초대받아 1846년 8월 26일 버밍엄 타운 홀(Town Hall)에서 초연되었다. 그것은 영국에서 그의 시간 동안 많은 멘델스존의 작품을 저술하고 번역한 윌리엄 바돌로매에 의해 영어로 번역된 독일어 텍스트로 구성되었다.

1847년 영국을 마지막으로 방문한 멘델스존은 베토벤의 피아노 협주곡 4번 솔로 연주자였으며, 오케스트라와 협연하여 스코틀랜드 교향곡을 연주했다.

멘델스존은 인생의 마지막 몇 년 동안 신경계 문제와 과로로 인해 건강이 악화되어 곤란을 겪었다. 잉글랜드로의 생애 마지막 여행은 그를 지치고 병들게 했고 1847년 5월 14일 친누나 파니의 죽음으로 정신적 고통이 가중되었다. 6개월 후인 11월 4일 멘델스존은 뇌졸중으로 라이프치히에서 사망했다.

그의 일생은 실로 작곡과 연주의 연속이었다. 그는 슈베르트와 같은 생활의 고통이 없이 비상한 재능을 충분히 발휘할 수 있었는데, 그것이 작품상에 나타나, 명쾌하고도 아름다운 음악이 되었다. 그는 색채적이며 우아한 낭만적인 작품을 많이 남겼는데, 그의 바이올린 협주곡은 베토벤·브람스의 곡과 함께 3대 바이올린 협주곡으로 손꼽힌다. 그의 유명한 작품은 바흐의 고전 음악 연구에서 배워 얻은 바가 많고, 바흐를 세상에 소개한 공적은 실로 크다. 그는 낭만파의 선구자로, 신고전파의 길을 지시한 것으로서, 음악 사상 중요한 위치를 차지한다.
작곡 : Vincenzo Bellini (빈센초 벨리니 )
작곡 : Antonin Dvorak (안토닌 드보르작)
낭만주의 시대에 활동한 체코의 작곡가로, 관현악과 실내악에서 모국의 보헤미안적인 민속 음악적 작품성 풍색과 선율을 표현하였다. 베드르지흐 스메타나에 의하여 확립된 체코 민족주의 음악을 세계적으로 만든 음악가이다. 드보르작은 오스트리아 제국 프라하(현재는 체코 공화국) 근처 넬라호제베스에서 태어나서, 생애 대부분을 그곳에서 보냈다. 드보르작은 즈로니체에 있는 외삼촌과 리마 선생이 부친을 설득한 보람으로 ... 낭만주의 시대에 활동한 체코의 작곡가로, 관현악과 실내악에서 모국의 보헤미안적인 민속 음악적 작품성 풍색과 선율을 표현하였다. 베드르지흐 스메타나에 의하여 확립된 체코 민족주의 음악을 세계적으로 만든 음악가이다.

드보르작은 오스트리아 제국 프라하(현재는 체코 공화국) 근처 넬라호제베스에서 태어나서, 생애 대부분을 그곳에서 보냈다.

드보르작은 즈로니체에 있는 외삼촌과 리마 선생이 부친을 설득한 보람으로 1857년 16세에 프라하의 오르간학교에 입학하여 정식으로 음악가가 되는 길을 걷게 되었다. 프라하에서는 오르간 학교에서의 교육보다도 학우이며 훗날의 지휘자 칼레르 벤달과 친교를 맺고, 재학 중부터 오케스트라에 가담하여 바이올린을 켜서 수확을 올렸다. 특히 그 오케스트라가 당시 명성을 얻고 있던 바그너를 영입하고 있던 관계도 있어 드보르작은 퍽 오래도록 바그너의 영향을 받게 된다. 그러나 드보르작은 바그너식의 오페라나 음악극의 체코판을 만들려고 한 것이 아니라 바그너의 멜로디나, 특히 화성의 특징을 자기 나름대로 소화하여 받아들였다. 드보르작은 꽤 노력형이어서 학생시절부터 친척집에 기숙하면서 침식을 잊고 공부하였다.

졸업 후에는 프라하의 일류 호텔이나 레스토랑에 출연하고 있던 갈레루 코므자크 악단에 가담하여 비올라를 켜게 되었으나 1862년에 체코인을 위한 국민극장이 건설될 때까지의 임시극장이 개관되어 악단과 더불어 이 극장 전속 오케스트라의 핵심이 되어 약 10년간 근속하였다. 1866년부터 스메타나가 이 극장의 오페라 감독에 취임, 자작의 오페라 등을 지휘하게 되었으므로 바그너, 슈베르트나 베토벤의 영향과 함께 스메타나의 민족주의적인 음악사상이 그의 작품을 채색하게 되었다. 드보르작은 오케스트라 동료들로부터 작곡 같은 것을 해서 무엇하느냐고 핀잔을 받았으나 묵묵히 작곡을 하였으며 특히 1861년(20세 때)부터 실내악의 대곡(작품 1의 현악 5중주곡)을, 또 1865년부터 교향곡(제1과 제2를 이해에)을 작곡한 것은 당시의 슬라브계의 민족음악의 작곡가들이 스메타나를 비롯하여 대체로 이와 같은 순음악보다도 표제 음악이나 오페라에 끌려 있던 것과 대조적이어서 주목할 만하다. 드보르작의 이러한 순음악에 대한 열정은 죽기 약 9년 전인 1895년까지 계속된다. 후기 낭만적 음악의 화성조직이나 색채적인 오케스트라의 사용법이라든가 그러한 개개의 기법에 이끌렸어도 고전적인 음악형식을 저버리려고 하는 그 무렵의 작곡계의 일반적인 경향에는 반대였고 새로운 고전주의를 목표로 한 점에서 독일의 대작곡가 브람스의 생각과 일맥상통하는 바가 있어 사실 브람스에게는 매우 총애를 받아 드보르작의 작품이 1877년 이후 베를린의 지므로크 음악출판사를 통해 출판되었고, 체코 이외의 나라에서 연주하게 된 것도 브람스의 소개로 된 것이었다.

브람스를 비롯하여 지휘자이며 피아니스트인 한스 폰 뷜로, 지휘자인 한스 리히터, 당시 빈에서 절대적인 영향력을 발휘한 평론가 한슬리크 등 독일, 오스트리아의 저명한 음악인 지위를 얻게 된 것도 드보르작의 명성과 작품을 세계적으로 만드는 데 큰 힘이 되었다. 독일, 오스트리아뿐만 아니라 1884년 말 영국에도 9번 방문하여 영국을 위해 <유령의 신부> 및 <교향곡 제7번 D단조>를 쓰고 케임브리지 대학에서 명예 음악 박사 학위를 받았다. 그러나 드보르작은 국제인으로서 사는 것을 바라지 않고 끝까지 체코인으로 살아갔다. 빈으로 이주하도록 재삼 권유된 것을 거절한 것도 그의 신념을 보여주는 것으로서, 빈 정부에 대해 독립투쟁을 밀고 있던 동포들을 버리고 자신만 빈에서 안일하게 생활을 한다는 것은 생각도 하지 않았다.

1890년부터 프라하 음악원에서 작곡과 그 밖의 것을 가르치고 있었으나, 1892년의 51세 때 뉴욕의 국민음악원의 원장으로 초빙되었다. 교향곡 제9번 <신세계로부터>, 현악 4중주곡 <아메리카> 등 오늘날 가장 많이 연주되고 있는 드보르작의 작품이 미국에 머무르는 동안에 작곡되었다. 그러나 1894년의 여름 휴가로 귀국(이 때 피아노 독주곡, 8개의 <유모레스크>를 작곡했다. 그 중에서 7번째 곡이 바이올린으로 편곡되어 유명해지자 다시 미국으로 가기가 싫어졌지만 일단 돌아가서 결국 다음해 봄 많은 사람들이 좀 더 오래도록 미국에 머물러 있을 것을 바라는데도 불구하고 계약을 중도파기하고 귀국했다. 미국에 머무는 동안에는 슬라브풍의 음악에 흑인과 인디언의 멜로디를 조화하며 작곡을 한 것으로 알려져있다.

귀국 후 만년의 약 10년간은 일반 민족주의 음악의 작곡가와 같이 오페라와 교향시에 주력하여 <루살카>(1901 초연)와 같은 귀여운 오페라도 만들었다. 그러나 그의 창작력이 그 정상에 달한 것은 이 이전, 특히 도미 직전인 수년간으로 추측된다. 피아노 3중주곡 <도무키>(1890-1891)가 그 좋은 한 예이듯이 종래의 독일류의 음악형식에 구속되지 않은, 슬라브인의 변화와 대조를 좋아하는 민족성에 한층 잘 맞는 새로운 형식적 질서를 낳은 것도 그 무렵이었다. 1901년엔 빈의 종신 상원의원으로 귀족이 되었고, 같은 해 프라하 음악원의 원장이 되기도 한, 독립 전의 체코의 문화인으로서는 최고의 영예를 받은 뒤 1904년 뇌일혈로 사망, 국장으로 모셔졌다.

드보르작은 이른바 귀재형의 음악가는 아니며 굳이 말하자면 평범 속에 위대성이 있는 사람이라는 평이 있다.
작곡 : Alexandre Desplat (알렉상드르 데스플라 ,Alexandre Michel Gerard Desplat)
영화음악 작곡가 영화음악 작곡가
’20세기의 음유시인’으로 불리는 레너드 코헨은 비록 미국 빌보드차트 싱글 차트에 명함을 내민 적이 없지만 영미 뮤지션들이 일제히 ’음악적 사부’로 추앙할 만큼 구미 음악계에서 절대적 위상을 차지하고 있는 인물이다. 그의 영향력은 닉 케이브, 존 케일, R.E.M. 등 후배와 동료 뮤지션들이 참여한 1991년 과 돈 헨리, 엘튼 존 등이 나선 1995년 등 트리뷰트 앨범만도 두 차례였다는 것이 단적으로 증명한다.... ’20세기의 음유시인’으로 불리는 레너드 코헨은 비록 미국 빌보드차트 싱글 차트에 명함을 내민 적이 없지만 영미 뮤지션들이 일제히 ’음악적 사부’로 추앙할 만큼 구미 음악계에서 절대적 위상을 차지하고 있는 인물이다. 그의 영향력은 닉 케이브, 존 케일, R.E.M. 등 후배와 동료 뮤지션들이 참여한 1991년 과 돈 헨리, 엘튼 존 등이 나선 1995년 등 트리뷰트 앨범만도 두 차례였다는 것이 단적으로 증명한다. 내면탐구와 현실참여의 메시지를 특징적인 낮은 키(low key)의 묵직한 바리톤과 어쿠스틱 사운드로 전하는 그의 음악은 듣는 사람을 탁월한 시(詩) 세계로 안내하고 깊은 사색에 잠기게 하면서 널리 애청되었다. 언제나 잔뜩 힘 빼고 처진 듯 노래하면서 도리어 강한 메시지의 설득력을 발휘한 것이다. 그리하여 그는 ’자크 브렐의 계승자’ ’로우 키의 밥 딜런’으로도 통했다. 많은 가수들이 다투어 그의 곡을 노래했다. 1966년 주디 콜린스(Judy Collins)는 그의 빼어난 ’노래 시’인 ’Suzanne’를 불렀으며 ’Bird on the wire’는 팀 하딘(Tim Hardin), 애론 네빌(Aaron Neville) 등이 리메이크했다. 이 노래는 1990년 멜 깁슨과 골디 혼이 주연한 영화의 제목이 되기도 했다. 한때 그의 공연 팀 멤버였던 제니퍼 원스(Jennifer Warnes)는 코헨의 레퍼토리인 ’Famous blue raincoat’를 타이틀로 한 앨범을 발표하기도 했고, 2001년 드림웍스의 대박 영화 에서 호응을 얻은 루퍼스 웨인라이트(Rufus Wainwright)의 ’Hallelujah’도 코헨의 작품이었다. 국내 애청곡도 부지기수로 많다. 1968년에 발표된 첫 앨범에 수록된 ’Suzanne’ ’Sisters of mercy’ ’So long, Marianne’ 등이 잇따라 라디오전파를 탔으며 2집의 ’Bird on the wire’와 특히 ’Nancy’는 그를 잊을 수 없는 이름으로 만들었다. 1988년에 발표한 곡 ’I’m your man’은 자가용 오너들마다 구입했을 만큼 폭발적으로 애청되었고, 동명의 앨범에 수록된 또 다른 곡 ’Everybody knows’도 사랑받았다. 포크 가수 윤설하는 1991년 코헨의 곡 ’Dance me to the end of love’를 ’벙어리 바이올린’으로 번안해 히트를 기록하기도 했다. 1934년 캐나다의 몬트리올에서 태어난 레너드 코헨은 1966년 소설 (Beautiful Losers)를 출간, 애초 시인이자 소설가로 이름을 알렸다. 그가 가수로 알려지게 된 것은 1967년 뉴포트 포크 페스티벌에 출연하면서부터였고, 이듬해 첫 앨범인 동시에 지금도 가장 유명한 앨범인 이 콜롬비아 레코드사에서 나왔다. 이 앨범에 수록된 곡들은 평소 시작(詩作)에서 표현된 낭만주의를 구체화하면서 구미 아티스트들에게 ’밥 딜런과 또 다른’ 언어의 충격을 던진다. 여기에는 종교적 상상력이 에로티시즘으로 나타난 곡 ’Sisters of mercy’, 절망감이 퍼진 ’So long, Marianne’, 신비주의로 채색된 ’Master song’ 그리고 코헨의 민감한 언어감수성이 드러난 ’Suzanne’이 수록되었다. 이 곡들은 1971년 로버트 알트먼(Robert Altman)의 영화 에 삽입되어 재평가를 받았다. 1969년의 앨범 은 전작과 유사한 방식이었지만 염세적 존재론을 전한 ’Bird on the wire’, 폭력과 정치문제를 취급한 멋진 코러스의 ’The partisan’ 등 문제작을 수록했고 국내 팬들은 ’Nancy’가 금지곡으로 묶였음에도 불구하고 라디오에 신청엽서를 보내기를 되풀이했다. 이듬해 ’Famous blue raincoat’가 수록된 와 1974년에 내놓은 이후 코헨은 고뇌와 사색을 축적하는 그의 고유 방식인 ’은둔’을 시작, 2년간이나 그리스 섬에 침잠했다. 하지만 그 앨범에 실린 곡들 ’Chelsea hotel #2’ ’Take this longing’ ’Who by fire’는 라디오전파를 오랫동안 탔다. 라이브 앨범으로 돌아온 뒤 1977년에는 필 스펙터(Phil Spector)의 프로듀스로 록의 색깔이 물씬한 음반 을 냈지만 반응은 아주 저조했다. 이후 1979년 와 1985년 등 10년간 겨우 2장의 앨범을 낼 만큼 과작(寡作)에 머물렀다. 이 앨범들은 초기 낮은 키의 어쿠스틱 사운드로 회귀하는 경향을 보였다. 1988년 자신이 프로듀스한 앨범 은 중년과 자신의 뿌리를 사고하는 깊이를 드러내면서, 국내에서 절대적 인기를 모은 ’I’m your man’을 비롯해 ’Everybody knows’ ’First we take Manhattans’ ’Ain’t no cure for love’ ’Take this waltz’ 그리고 ’Tower of song’ 등 전곡이 리퀘스트를 받았다. 이 앨범으로 그는 비평적 상업적 위치를 회복해, 당대 아티스트들로부터 재평가되기에 이르렀고 마침내 1991년의 후배와 동료들에 의해 헌정앨범 이 발표되는 계기를 만들었다. 1992년의 앨범 는 적어도 미국사회에서는 가장 널리 알려진 수작 앨범으로, 타이틀곡은 ’난 미래를 보아왔고, 형제여 그것은 살인이었지…’와 같은 메시지로 불안한 현실세계를 질타하고 ’Anthem’은 새 세계에 대한 갈망을, ’Waiting for a miracle’은 변화에 대한 기대를 묘사했다. 하지만 ’Democracy’에 의외로 미국을 찬양하는 메시지를 담은 것을 비롯해 어빙 벌린(Irving Berlin)의 것을 리메이크한 ’Always’로 현실과는 동떨어진 이상적이고 재래식 정서를 노출, 감상자들에게 혼란을 초래한 점도 없지 않았다. 94년의 이후 또 다시 오랫동안 수도승으로 침잠한 그는 2001년 백업 보컬로 활동해온 여성 샤론 로빈슨(Sharon Robinson)을 프로듀서로 한 앨범 로 건재함을 알렸다.
작곡 : Kurt Weill (쿠르트 바일 )
작곡 : Richard Strauss (리하르트 슈트라우스)
노래 : Luciano Pavarotti (루치아노 파바로티 )
성악가 (테너) 성악가 (테너)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
노래 : Anne Sofie von Otter (안네 소피 폰 오터 )
성악가 (메조소프라노) 성악가 (메조소프라노)
노래 : Thomas Allen (토마스 알렌,Sir Thomas Boaz Allen)
성악가 (바리톤) 성악가 (바리톤)
노래 : Julia Lezhneva (율리아 레즈네바)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
노래 : Angela Gheorghiu (안젤라 게오르규)
안젤라 게오르규는 1965년 루마니아에서 태어났다. 1992년에는 '돈조반니'의 체를리나로 코벤트가든 무대에 처음 올랐고, 이듬해는 빈 국립오페라와 메트로폴리탄에 '사랑의 묘약'의 아디나와 '라보엠'의 미미로 각각 데뷔하였다. 1994년 코벤트가든에서의 '라트라비아타'로 일약 세계적인 오페라 히로인으로 등극하였고, 이후 테너 알라냐와 결혼함으로써 오페라 계에 큰 화제를 낳기도 했다. 안젤라 게오르규는 1965년 루마니아에서 태어났다. 1992년에는 '돈조반니'의 체를리나로 코벤트가든 무대에 처음 올랐고, 이듬해는 빈 국립오페라와 메트로폴리탄에 '사랑의 묘약'의 아디나와 '라보엠'의 미미로 각각 데뷔하였다. 1994년 코벤트가든에서의 '라트라비아타'로 일약 세계적인 오페라 히로인으로 등극하였고, 이후 테너 알라냐와 결혼함으로써 오페라 계에 큰 화제를 낳기도 했다.
노래 : 박혜상 (Hyesang Park (소프라노))
노래 : Sylvia McNair (실비아 맥네어)
노래 : Wolfgang Holzmair (볼프강 홀츠마이어)
노래 : Peter Schreier (페터 슈라이어)
테너, 지휘자 테너, 지휘자
성악가 (바리톤) 성악가 (바리톤)
노래 : Placido Domingo (플라시도 도밍고)
성악가 (테너) 성악가 (테너)
성악가 (바리톤) 성악가 (바리톤)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
노래 : Mirella Freni (미렐라 프레니)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
노래 : Ryland Davies (라이랜드 데이비스)
성악가 (테너) 성악가 (테너)
노래 : Patricia Petibon (파트리샤 프티봉)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
성악가 (테너), 멕시코 오페라 테너이자 오페라 감독이다. 성악가 (테너), 멕시코 오페라 테너이자 오페라 감독이다.
노래 : Karita Mattila (카리타 마틸라)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
노래 : Juan Diego Florez (후안 디에고 플로레스)
성악가 (테너) 성악가 (테너)
성악가 (메조소프라노) 성악가 (메조소프라노)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
노래 : Elvis Costello (엘비스 코스텔로)
변화무쌍한 음악은 절대로 권태를 허락하지 않는다. 엘비스 코스텔로의 음악 파일이 그렇다. 1970년대부터 현재까지 그가 대중들에게 보여주고 들려준 이미지와 소리샘은 계절이 바뀔 때마다 색을 달리했고, 해마다 허물을 벗었다. 사계절의 변화처럼 각양각색의 색깔을 띠며, 차려진 밥상을 거부했다. 항상 굵은 뿔테 안경을 쓰고 꾸부정한 모습을 취하고 있는 그의 모습은 그저 외양일 뿐이다. 아웃사이더의 리더로 브리티시 펑크... 변화무쌍한 음악은 절대로 권태를 허락하지 않는다. 엘비스 코스텔로의 음악 파일이 그렇다. 1970년대부터 현재까지 그가 대중들에게 보여주고 들려준 이미지와 소리샘은 계절이 바뀔 때마다 색을 달리했고, 해마다 허물을 벗었다. 사계절의 변화처럼 각양각색의 색깔을 띠며, 차려진 밥상을 거부했다. 항상 굵은 뿔테 안경을 쓰고 꾸부정한 모습을 취하고 있는 그의 모습은 그저 외양일 뿐이다. 아웃사이더의 리더로 브리티시 펑크 록을 이끌었고((1997년)), 신나는 레게 리듬과 애조 띤 켈틱 선율에 올라타며 제3세계 음악에 흠뻑 젖었다(스페셜스(Specials)의 (1978년)과 포구스(The Pogues)의 (1985년). 그리고 미국의 리듬 앤 블루스와 소울을 하얗게 바꾸었고((1980년)), 내시빌로 들어가 컨트리를 끄집어내기도 했다((1981년). 또한 그는 챔버 밴드 브로드스키 쿼텟(Brodsky Quartet) 등과 클래식에도 발을 담갔고, 위대한 팝의 전설 버트 바카라크(Burt Bacharach)와 함께 호흡을 맞추며 크루너(Crooner)로 나서기도 했다. 코스텔로의 이런 종횡무진 행보는 단순히 변신을 위한 인위적인 선택에서 나온 것이 아니라 풍부한 음악 공력이 만들어내는 자연스러운 이끌림이다. 아마 지금도 그의 곳간에는 평생 일용하고도 남을 음악 양식이 가득 저장되어 있을 것이다. 1954년 8월 25일 런던에서 태어난 그는 열 다섯 살 무렵부터 기타를 치고 노래를 작곡하며 뮤지션에 대한 꿈을 키웠다. 고등학교를 중도에 포기한 그는 낮에는 런던의 한 공장에서 컴퓨터 기사로 일하며 생계를 꾸려갔고, 밤에는 클럽에서 연주하며 음악 내공을 쌓아갔다. 아티스트로써 첫 이름을 등록한 결과물은 1977년 싱글 ’Less than zero’. 이 노래는 파시스트 단체의 리더 오스왈드 모슬리(Oswald Mosley)에 대한 내용을 담고 있어서 화제를 모았는데, 이는 코스텔로의 의식 세계가 일반적인 곧은 길과는 거리가 있음을 말해주는 대목이다. 첫 싱글을 발표한 후 그는 5년 동안 다니던 공장을 그만두고 키보디스트 스티브 니브(Steve Nieve), 베이시스트 브루스 토마스(Bruce Thomas), 그리고 드러머 피트 토마스(Pete Thomas) 등을 규합하여 자신의 백밴드 어트랙션스(The Attractions)를 결성하고 프로 세계로 뛰어들었다. 이후 어트랙션스는 엘비스 코스텔로와 우정 - 불화 - 재결합 과정 등을 거치며 오랜 기간 함께 한다. 코스텔로는 영국의 퍼브 록(Pun Rock)과 펑크 록을 완벽하게 구현한 전형적인 ’브리티시 로큰롤’ 음반인 1977년 데뷔작 (영국 14위, 미국 32위)와 1978년 2집 (영국 4위, 미국 30위) 등을 연이어 발표하여 일약 대영제국 최고의 로커로 떠올랐다. 이어 내놓은 1979년의 (영국 2위, 미국 10위), 1980년의 (영국 2위, 미국 11위), 1981년의 (영국 9위, 미국 28위), 1982년의 (영국 6위, 미국 30위) 등도 영국 록 히스토리에서 빼놓을 수 없는 걸작 음반으로 대접받을 정도로 엘비스 코스텔로가 1970년대부터 1980년대까지 일궈놓은 음악 스케이프는 소리 하나 하나가 반짝 반짝 빛을 발했다. ’Watching the detectives’(영국 15위), ’Pump it up’(영국 24위), ’Radio radio’(영국 29위), ’Oliver’s army’(영국 2위), ’Accidents will happen’(영국 28위), ’I Can’t Stand Up For Falling Down’(영국 4위) 등의 히트곡들이 이 시기에 쏟아져 나왔다. 대부분의 앨범들의 수록곡이 스무 트랙을 넘으면서도 곡 당 타임이 채 3분을 넘지 않는 전형적인 로큰롤과 펑크의 형식미를 취하고 있지만 깊이가 있고 다양한 움직임과 명암을 보여줄 수 있는 것은 코스텔로만이 할 수 있는 비법일 것이다. 코스텔로의 이런 월드와이드 동선이 가능하게끔 된 데는 뒤에서 막후 조정 역할을 한 닉 로우(Nick Lowe)의 공헌도 빼놓을 수 없다. 그는 상기한 작품들 중에서 를 제외하고는 모든 음반들의 프로듀싱을 도맡음으로써 코스텔로와 찰떡궁합을 과시했다. 이후에도 닉 로우는 코스텔로 대부분의 앨범들을 프로듀스하며 환상적인 사운드를 연출해냈다. 코스텔로의 전성시대가 펑크와 뉴 웨이브의 정점기였던 1970년대 후반과 1980년대 초반이라고 단정지어 말할 수 있지만, 그렇다고 그 외의 시기들을 무시하고 넘어갈 수는 없다. 현재까지도 꾸준한 활동을 해오며 별다른 기복 없이 완성도 높은 작품들을 만들어내고 있기 때문이다. 포크와 블루스뿐만 아니라 컨트리, 아이리시 음악 등 다양한 음악적 뿌리 등을 탐구한 1986년의 (영국 11위, 미국 39위), 하드록의 강렬함을 드러낸 같은 해의 (영국 16위, 미국 84위) 등이 1980년대 후반기를 빛낸 대표적인 앨범들이다. 1990년대 초반에도 의욕적으로 음악 작업을 했지만, 눈에 띄는 평가를 받지 못한 코스텔로는 1990년대 후반 들어서 전성기 때 못지 않은 인기를 회복했다. 그는 1998년 전설적인 작곡가 버트 바카라크와 함께 한 음반 (영국 32위, 미국 78위)로 그래미상을 수상하며 비평가들로부터 호평을 받았고, 1년 뒤인 1999년에는 영화 [노팅 힐]의 주제가 ’She’를 부르며 대중적인 인기를 이끌어내는 등 두 마리 토끼를 동시에 잡았다. 그리고 올해에는 17번째 스튜디오 앨범 을 발표하며 음악에 대한 식지 않은 열정을 드러냈다.
바로크 음악부터 현대음악까지 다양한 음악을 소화하는 테너 존노는 세계적인 오페라전문 잡지 에서 “감미로운 테너”, “천부적인 테너”로 극찬을 받았다. 존노는 존스홉킨스 대학교 피바디 음악대학 성악과를 수석졸업하고, 줄리어드 음악원 석사학위 졸업과 동시에 카네기홀에서 솔리스트로 데뷔하였으며, 예일대학교 음악대학원에서 전액 장학생 으로 졸업하는 한편 예일오페라 단원으로 활동하였다. 오페... 바로크 음악부터 현대음악까지 다양한 음악을 소화하는 테너 존노는 세계적인 오페라전문 잡지 에서 “감미로운 테너”, “천부적인 테너”로 극찬을 받았다. 존노는 존스홉킨스 대학교 피바디 음악대학 성악과를 수석졸업하고, 줄리어드 음악원 석사학위 졸업과 동시에 카네기홀에서 솔리스트로 데뷔하였으며, 예일대학교 음악대학원에서 전액 장학생 으로 졸업하는 한편 예일오페라 단원으로 활동하였다. 오페라 가수로서 지난 5년간 20개 이상의 작품에서 주역을 맡았고 대표적으로는 MetLiveArts와 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서 세계 초연한 <무라사키의 달>에 출연하여 오페라 유망주로 이름 을 알린 바 있다. 존노는 카네기홀 아이작 스턴 오디토리엄 (Issac Stern Auditorium), 뉴욕 머킨홀, 뉴욕 링컨센터, 앨리스 털리 홀, 브룩클린 National Sawdust 등에서 세계적인 음악가들과의 협연 과 연주로 활약했다. 대표적으로 세계적인 지휘자 윌리엄 크리스티와 함께 <몬테베르디의 책>을 노래했다.

오라토리오 가수로서 미국 최초의 성당인 <바실리카 성당> 225주년 음악회에서 모차르트 C단조 <대미사> 솔리스트로 시작해, 로씨니 <작은 장엄 미사>, 헨델 <메시아>, 바흐<마태 수난곡> < 마그니피카트>, 베토벤 <교향곡 9번 합창>등 오라토리오 가수로서 커리어를 쌓아갔다. 대표적으 로 1906년부터 있었던 뉴욕의 역사적인 합창단인 The Cecilia Chorus of New York 와 카네기홀에 서 모차르트 레퀴엠 테너 솔리스트로 “중창과 솔로파트에서 모두 아름다웠다” 라는 극찬을 받으 면서 성공적으로 데뷔했다.

세계적인 클래식 음악 채널인 Medici.tv 와 줄리어드가 합작한 마스터 클래스 시리즈에서 뉴욕 메 트로폴리탄 오페라 음악감독인 야닉 네제 세겐과 지휘자 엠마누엘 비욤 에게서 마스터 클래스를 받았다. 그는 또한 파비오 루이지, 앨런 길버트, 마릴린 혼, 닐 쉬코프, 앨런 헬드, 패트리샤 라세 트 등 거장들의 마스터 클래스를 가졌다. 카네기홀에서 주관하는 가곡전문 프로그램인 The Song Continues 시리즈에 출연하였다. 존노는 최근 인기리에 마친 <팬텀싱어 3>에 참가하며 ‘천재 테너‘로 불렸으며, 그가 소속된 팀 ‘라비던스’는 준우승을 차지하며 큰 사랑을 받았다. <팬텀싱어 3>를 통해 존노는 클래식 음악을 기반으로 여러 장르의 음악을 훌륭히 소화해 내며 다양한 장르에서의 활발한 활동을 예고했다.
노래 : Gundula Janowitz (군둘라 야노비츠)
독일 출생 오스트리아의 소프라노 가수. 풍부하고 서정적인 음색과 넓은 음역을 자랑하며, 독일 및 이탈리아 작품에서 특히 뛰어난 역량을 발휘하였다. 독일 출생 오스트리아의 소프라노 가수. 풍부하고 서정적인 음색과 넓은 음역을 자랑하며, 독일 및 이탈리아 작품에서 특히 뛰어난 역량을 발휘하였다.
노래 : Edith Mathis (에디트 마티스)
성악가 (소프라노) 성악가 (소프라노)
노래 : Dietrich Fischer-Dieskau (디트리히 피셔 디스카우)
성악가 (바리톤) 성악가 (바리톤)
성악가 (테너) 성악가 (테너)
성악가 (베이스) 성악가 (베이스)
노래 : Pilar Lorengar (필라르 로렌가르 (소프라노))
노래 : Andreas Scholl (안드레아스 숄)
성악가 (카운터테너) 성악가 (카운터테너)
성악가 (메조 소프라노) 성악가 (메조 소프라노)
독일의 가수로, Palast Orchester의 설립자이다. 독일의 가수로, Palast Orchester의 설립자이다.
노래 : Matthias Goerne (마티아스 괴르네)
성악가 (바리톤) 성악가 (바리톤)
클래식 기타 연주자 클래식 기타 연주자
클래식 피아노 연주자 클래식 피아노 연주자
핀란드, 독일의 솔로 피아니스트이다. 실내악 연주자로, 지휘자로 다양한 직업을 오가며 세계 각국에서 활동하고 있다. 핀란드, 독일의 솔로 피아니스트이다. 실내악 연주자로, 지휘자로 다양한 직업을 오가며 세계 각국에서 활동하고 있다.
연주 : Emmanuel Strosser (엠마누엘 스트로저 (피아노))
첼로 연주자 첼로 연주자
연주 : Dave Grusin (데이브 그루신)
컨템포러리 재즈의 거장이자 영화음악 작곡자로 국내 음악 팬들에게도 친숙한 데이브 그루신(Dave Grusin)은 아메리칸 뉴 시네마의 봉인이었던 잭 니콜슨 감독의 대표작 < 졸업 >(The Graduate)(1967)의 배경 스코어를 맡으며 전 세계에 그의 이름을 알렸다. 데이브 그루쉰을 얘기할 때 빠지지 않는것이 있는데, 바로 컨템포러리 재즈 레이블 GRP이다. 1974년 컨템포러리 재즈 레이블 GRP를 같이 ... 컨템포러리 재즈의 거장이자 영화음악 작곡자로 국내 음악 팬들에게도 친숙한 데이브 그루신(Dave Grusin)은 아메리칸 뉴 시네마의 봉인이었던 잭 니콜슨 감독의 대표작 < 졸업 >(The Graduate)(1967)의 배경 스코어를 맡으며 전 세계에 그의 이름을 알렸다. 데이브 그루쉰을 얘기할 때 빠지지 않는것이 있는데, 바로 컨템포러리 재즈 레이블 GRP이다. 1974년 컨템포러리 재즈 레이블 GRP를 같이 녹음작업을 해왓던 엔지니어 래리 로젠(Larry Rosen)과 함께 설립, 80-90년대 내내 대중적인 재즈 연주를 표방한 수작들을 발표하며 미국 음악 산업계에서 혁혁한 수완을 발휘했다. GRP의 성공으로 데이브는 미국 대중음악계의 대표적인 ’아메리칸 드림’의 표상으로 기억된다. 이를 바탕으로 데이브는 미국 웨스트 코스트 재즈 세션 사단의 선봉을 맡으며 ’재즈 히트작 제조기’란 별명도 얻는다. 데이브는 리 릿나워(Lee Ritenour), 톰 스코트(Tom Scott), 하비 메이슨(Havey Mason), 얼 클루(Earl Klugh)와 같은 쟁쟁한 실력파 연주인들과 교류, 이들의 앨범의 프로듀싱과 건반 세션과 송 라이터로 참여하며 전천후 뮤지션으로서 확고한 입지를 다진다. GRP의 성공은 재즈를 지나치게 상업적으로 변모시켰다는 비난을 그에게 안겨줬지만, 라디오 전파로 들려오는 ’Early AM attitude’와 ’Bossa Baroque’와 같은 코드음악을 통해 대중들의 청취경험을 재즈로 향하게 했다는 점에서 그는 충분히 평가받아야 할 음악인이다. 1933년 콜로라도 주에 보석 무역상을 하는 아버지를 둔 유복한 가정에서 자라난 데이브는 음악 교육에 누구보다도 열성이었던 아버지 덕에 어린 시절부터 피아노 레슨을 받으며 음악적인 감성을 쌓아간다. 콜로라도 주립대에서 클래식 피아노를 전공한 데이브는 테리 깁스, 아니타 오 데이, 아트 페퍼와 같은 재즈 연주자들과 음악적 교분을 나누며 재즈 뮤지션으로 진로를 택한다. 1959년 기회와 도전의 땅 뉴욕에 정착한 그는 맨하탄 음악학교에서 음악 선생으로 잠시 교편 생활을 하다 같은 해 영화음악 작곡자 앤디 윌리엄스(Andy Williams)의 부름을 받고 그의 문하생이 된다. 1966년까지 앤디 윌리엄스 밑에 있는 동안 그는 각종 TV 프로그램의 배경 음악을 맡으며 스코어 작곡의 내공을 다진다. 배경 음악 작곡 외에도 재즈 연주 쪽에도 두각을 나타낸 그는 1960년 스윙 밴드 리더였던 베니 굿맨(Benny Goodman)과의 작업을 시작으로, 베이시스트 밀트 힌튼(Milton Hinton)과 드러머 돈 라몬드(Don Lamond)와 함께 하드 밥 트리오를 결성, 데뷔 앨범 < Subway are for sleeping >(1961)을 발표한다. 얼마 후 사라 본(Sarah Vaughan), 퀸시 존슨(Quincy Jones)과 같은 거물급 재즈 뮤지션들의 앨범 세션 작업에 참여하며 건반 세션주자로서의 명성도 쌓아간다. 영화음악 데뷔작이기도 한 < The Graduate >(1967)를 통해 명성을 얻은 데이브는 영화 < The Heart Is A Lonely hunter >(1968), < Three Days Of Condor >(1975)의 배경음악을 맡으며 할리우드의 관심권 안에 든다. 이후 그는 발표하는 영화음악마다 히트를 거두며 < Heaven Can Wait >(1979), 존 보이트가 복서로 분한 최루탄 영화 < The Champ >(1980), 로버트 레드포드가 주연한 < Golden Pond >(1982), 더스틴 호프만의 여장 연기가 화제를 모은 < Tootsie >(1983)가 모두 아카데미 상 영화음악 부문의 후보로 오르는 성과를 얻는다. 1970년대초 재즈 록 퓨전의 창궐은 70년대 중반을 넘어서면서 좀더 대중적인 재즈에 대한 수요를 자극했고, 이런 상황을 유심히 지켜본 데이브는 영화음악작업을 통해 알게된 엔지니어 래리 로젠(Larry Rosen)과 의기투합해 1974년, 그루신-로젠 프로덕션(Grusin-Rosen Production)을 설립한다. GRP를 통해 얼 클루(Earl klugh)의 < Living inside your love >(1977), 재즈 보컬 패티 오스틴(Patti Austin)의< Havana Candy >(1977) , 리 리트너(Lee Ritenour)의 < Catain Fingers >(1977)를 발표하며 비슷한 시기 건반주자 밥 제임스(Bob James)와 함께 80년대 내내 ’팝 연주 음악’ 의 대세를 주도한다. 그루신-로젠 프로덕션은 1982년 이들의 이름 앞 글자를 따서 만든 GRP 레코드사로 이어진다. 1980년대 들어 그는 영화음악 작업과 병행해 자신의 솔로 앨범 발표에도 정렬을 쏟는다. 재즈 연주에선 최초의 2트랙 디지털 레코딩으로 기록된< The Mountain Dance >(1979)를 시작으로 재즈- 록 연주의 비등점을 제시한 < Out Of Shadows >(1982), 국내 CF 배경음악으로 각광받은 ’Bossa Baroque’가 수록된 < Night Lines >(1984), 재즈 기타리스트 리 릿나워와 함께 한 < Harlequin >(1985), 동생인 키보디스트 돈 그루신(Don Grusin)가 참여한 < Stick To Stones >(1988) 등을 연이어 발표했고 GRP 소속 뮤지션들의 음반 프로듀서와 세션작업으로 분주한 나날을 보낸다. 20여년 넘게 해온 영화 음악 작업은 80년대 후반들어 그에게 주목할 만한 성과를 안겨준다. 20여년 동한 해온 영화 음악을 중간 정리하는 앨범 < Cinemagic >(1987)에선 그가 만든 영화 음악을 런던 심포니 오케스트라와 협연으로 선보였고 첫 아카데미 주제가 상의 영광을 안겨다 준 영화 < Milagro Beanfield War >(1988)의 스코아를 실은 앨범 < Migration >(1989)을 발표한다. 이후 < The Fabulous Baker Boys >(1989), < Havana >(1990)의 영화음악을 맡으며 그의 명성은 상종가를 치달았다. 90년대에 접어들어 데이브는 GRP 레코드 소속 뮤지션들과 함께 재즈 오케스트라를 결성, 1992, 1993, 1995년도에 각각 라이브 실황 앨범을 발표했다. 정통 재즈의 재해석 작업에도 남다른 관심을 가졌던 데이브는 조지 거쉰(George Gershwin)과 듀크 엘링턴(Duke Ellington)의 작품세계를 현대적으로 재해석한 < The Gershwin Connection >(1991)과 < Homage To Duke >(1993)을 발표했다. 1990년대 후반부턴 솔로활동보다 영화음악에 중점을 둬 세기의 명 지휘자 레너드 번스타인이 음악을 맡아 화제를 모았던 브로드웨이 뮤지컬 ’웨스트 사이드 스토리’ 초연 40주년을 기념해 만든 < West Side Story >(1997)와 ’아기코끼리 걸음마’로 영화음악 작곡자 헨리 맨시니(Henry Mancini)의 음악 세계를 탐구한 < Two For The Road >(1997)를 발표한다. 2000년, 그의 최상의 연주 파트너 리 릿나워와 다시 만나 내놓은 < Two Worlds >를 통해 바흐, 바르톡, 빌라로보스, 세고비아 등 클래식 선현들의 작품을 크로스오버 한 피아노와 클래식 기타가 어우러진 깔끔한 연주 소품을 선보였다.
스튜디오 세션맨 출신 기타 리스트 리 릿나워(Lee Ritenour)는 푸젼 재즈 연주의 대중화의 선봉장 역할을 해온 연주인이다. 라이벌이기도 한 기타리스트 레리 칼튼(Larry Carlton)과 자웅을 겨루기도 한 리 리트너는 재즈를 기반으로 블루스와 컨트리, 라틴 음악의 영향까지 고루 흡수한 팝 연주를 지난 30여년 넘게 발표했다. 1952년 1월 11일 로스앤젤레스에서 태어난 리 릿나워는 10세부터 정식으로... 스튜디오 세션맨 출신 기타 리스트 리 릿나워(Lee Ritenour)는 푸젼 재즈 연주의 대중화의 선봉장 역할을 해온 연주인이다. 라이벌이기도 한 기타리스트 레리 칼튼(Larry Carlton)과 자웅을 겨루기도 한 리 리트너는 재즈를 기반으로 블루스와 컨트리, 라틴 음악의 영향까지 고루 흡수한 팝 연주를 지난 30여년 넘게 발표했다. 1952년 1월 11일 로스앤젤레스에서 태어난 리 릿나워는 10세부터 정식으로 기타를 배우기 시작, 캘리포니아 대학에서 수학한 후, ‘기타 비르오투조’ 조 파스에게 사사 받는다. 여기에 60년대 수많은 기타 리스트들에게 교과서와도 같았던 웨스 몽고메리(Wes Montgomery)의 연주를 통해 리 릿나워는 기타 연주자들의 전공필수인 블루스의 감각을 채득했다. 1973년부터 브라질 팝 가수인 세르지오 멘데스(Sergio Mendes)의 백업 밴드 멤버로 활약하면서 기타 세션맨으로서 연주 경력을 쌓아 간다. 1주에 평균 15-20회의 레코딩 세션을 맡을 정도의 ‘일 벌래’였던 그는 주디 콜린스, 자니 마티스, 리오 세이어, 허비 행콕, 스탠리 클락의 앨범에서 기타 세션을 담당했고, 디스코의 열풍의 발원지가 된 영화 ‘토요일 밤의 열기’< Saturday night Fever >의 OST 작업에 참여했을 만큼 1970년대 내내 세션맨으로서 명성을 확고히 했다. 캡틴핑거(Captain Finger)라 불리는 그의 애칭은 이런 그의 왕성한 세션 작업에서 비롯됐다. 리 릿나워의 기타 연주는 비슷한 시기 활동했던 래리 칼튼처럼 처 날카롭고 폭발적이진 않았지만 생기있고 깔끔한 기타 톤으로 주목받으며 < 기타 플레이어 >지가 뽑는 최우수 기타리스트로 선정되는 영광도 얻는다. 1975년 에픽(Epic) 레이블과 계약, 이듬해 그의 데뷔작 < First Course >(1976)로 신고식을 치룬다. 이듬해에 발표된 < Captain Finger >(1977)에선 신디액스(Synthaxe)라는 기타 신시사이저를 사용해 환상적인 분위기를 자아낸 ‘Dolphin’s dream’으로 퓨전 재즈 애청자들에게 강한 인상을 심어준다. 일본 JVC 레코드를 통해 발매된 어쿠스틱 기타로만 연주한 < Rio >(1979)는 브라질 삼바와 보사노바의 영향이 느껴지는 재즈 퓨전을 선보였다. 도입부에 펑키한 베이스 연주가 인상적인 ‘Rio Funk’가 수록된 앨범 < Rio >를 기점으로 브라질은 그의 음악의 주요 테마로 등장한다. 1980년 엘렉트라로 이적해 발표한< Rit >(1981)는 제프 포카로, 데이비드 포스터 등 쟁쟁한 팝 연주인들이 참여했고 그가 발굴해 낸 신예 보털 에릭 탁(Eric Tagg)이 노래한 ‘Is it you’는 빌보드 싱글차트 15위까지 오르는 성과를 남겼다. 1984년 재즈 연주를 표방한 GRP 레이블에 소속된 리 릿나워는 이때부터 본격적인 ‘브라질 음악 순례’를 펼쳐간다. 영화음악가이자 재즈 피아니스트 데이브 그루쉰(Dave Grusin)이 함께한 < Harlequin >(1985)에선 브라질 출신 싱어송라이터 이반 린스(Ivan Linns)를 초청, 브라질 팝의 독특한 서정의 세계를 만끽하게 했다. ’Early AM attitude’와 같은 대중친화적인 히트 연주곡으로 각광받은 앨범< Harlequin >으로 리 릿나워는 이듬해인 1986년 그래미 상 템포러리 재즈 부문’을 수상하는 성과를 거뒀다. 같은 해 < Earth Run >(1986)을 발표, 키보드주자 그렉 마티슨(Greg Matieson)이 참여한 신나는 살사(Salsa)넘버 ‘Sauce’와 ’Water from the moon’을 빌보드 재즈 차트에 올려놓는다. 브라질 음악을 향한 그의 관심은 계속됐다. < Portrait >(1987)에선 이반 린스에 이어 브라질 출신 싱어송라이터 자반(Djavan)을 초청, ‘Asa’를 히트시켰고, < Rio >에 이어 두번째로 어쿠스틱 기타가 중심이 된 < Festival >(1988)은 ’Rio funk’에 이은 히트 곡 ’Night Rhythm’으로 주목받는다. 1990년에 발표한 < Stolen Moments >는 그의 음악이 브라질 팝 성향의 재즈 퓨전에서 자신의 음악뿌리인 블루스로 옮겨간 지점이었다. 그가 지금껏 천착하고 있는 ‘블루스로의 귀환’은 웨스 몽고메리에게 헌정하는 앨범 < Wes Bond >(1992)에서정점에 이른다. 1994년작 < Larry & Lee >에서 성사된 재즈 기타리스트 래리 칼튼과의 흥미진진한 연주 대결은 재즈 퓨전계에서 잔뼈가 굳은 두 기타 거장의 기량이 십분 발휘된 수작이었다. 90년대가 저무는 시점에서 한 저명한 재즈 비평지는 두 기타리스트의 협연작을 두고 “1990년대 나온 재즈 기타 연주 앨범들 중 손에 꼽힐 수작”이란 평가를 받았다. 솔로 활동과 병행해 1992년부터 재즈 피아니스트 밥 제임스가 이끄는 컨템포러리 재즈그룹 포 플레이(Four Play)의 기타리스트로 활동한 리 릿나워는 1997년 자신이 설립한 I. E. 레이블을 통해 < This Is Love >를 발표, 한층 물어 익은 기타 연주를 선보이며 근래 그의 작업 중 가장 발군이라는 호평을 받았다. 음반사 사장으로도 분주한 나날을 보내다가 2000년, 그의 절친한 음악 파트너이자 < Harlequin >에서 뛰어난 연주 호흡을 보여준 데이브 그루신과 다시 만나 잔잔한 느낌의 크로스오버 연주 앨범 < Two Worlds >를 내놓았다.
클래식 피아노 연주자 클래식 피아노 연주자
연주 : Alexandra Dariescu (알렉산드라 다리에스쿠 (피아노))
2015 제17회 쇼팽 국제피아노콩쿠르 우승 2014 제14회 아르투르 루빈스타인 국제 피아노 콩쿠르 3위 2011 제6회 대원음악상 신인상 2011 제14회 차이콥스키기념 국제콩쿠르 피아노부문 3위 2009 제7회 일본 하마마쓰 국제피아노 콩쿠르 우승 2008 제6회 모스크바 국제청소년 쇼팽 피아노 콩쿠르 심사위원상 2008 제6회 모스크바 국제청소년 쇼팽 피아노 콩쿠르 오케스트라 협연상 2008 ... 2015 제17회 쇼팽 국제피아노콩쿠르 우승
2014 제14회 아르투르 루빈스타인 국제 피아노 콩쿠르 3위
2011 제6회 대원음악상 신인상
2011 제14회 차이콥스키기념 국제콩쿠르 피아노부문 3위
2009 제7회 일본 하마마쓰 국제피아노 콩쿠르 우승
2008 제6회 모스크바 국제청소년 쇼팽 피아노 콩쿠르 심사위원상
2008 제6회 모스크바 국제청소년 쇼팽 피아노 콩쿠르 오케스트라 협연상
2008 제6회 모스크바 국제청소년 쇼팽 피아노 콩쿠르 1위

파리국립고등음악원 졸업
지휘 : Piero Gamba (피에로 감바,Pierino Gamba)
피아노 연주자, 지휘자 피아노 연주자, 지휘자
지휘 : Georg Solti (게오르그 솔티)
게오르그 솔티는 녹음 연주에 능숙한 지휘자로서 1970년대를 풍미하였으며, 오페라 작품에 대한 탁월한 해석과 지휘자로서의 역량을 발휘하였다. 수많은 오페라 작품을 지휘하였으며, 그는 시카고심포니는 그를 계관지휘자로 추대하고 세계정상의 수준으로 올려놓았다. 게오르그 솔티는 녹음 연주에 능숙한 지휘자로서 1970년대를 풍미하였으며, 오페라 작품에 대한 탁월한 해석과 지휘자로서의 역량을 발휘하였다. 수많은 오페라 작품을 지휘하였으며, 그는 시카고심포니는 그를 계관지휘자로 추대하고 세계정상의 수준으로 올려놓았다.
지휘 : Giovanni Antonini (지오바니 안토니니)
바로크 플루트(리코더) 연주자, 지휘자 바로크 플루트(리코더) 연주자, 지휘자
지휘 : Bertrand de Billy (베르트랑 드 빌리)
지휘 : John Eliot Gardiner (존 엘리엇 가디너)
존 엘리엇 가디너는 바로크 음악뿐 아니라 모든 레퍼토리를 아우르는 세계적인 지휘자 중 한 명이다. 몬테베르디 합창단과 오케스트라, 리용 오페라 오케스트라, 잉글리시 바로크 솔로이스츠, 그리고 혁명과 낭만 오케스트라를 창단했다. 세계 주요 오케스트라 대부분을 지휘했으며 주요 오페라 극장에도 여러 차례 초대받았다. 현재 자신이 직접 농사를 짓는 영국 도시 농장에서 살고 있다. 존 엘리엇 가디너는 바로크 음악뿐 아니라 모든 레퍼토리를 아우르는 세계적인 지휘자 중 한 명이다. 몬테베르디 합창단과 오케스트라, 리용 오페라 오케스트라, 잉글리시 바로크 솔로이스츠, 그리고 혁명과 낭만 오케스트라를 창단했다. 세계 주요 오케스트라 대부분을 지휘했으며 주요 오페라 극장에도 여러 차례 초대받았다. 현재 자신이 직접 농사를 짓는 영국 도시 농장에서 살고 있다.
지휘 : Wolfgang Sawallisch (볼프강 자발리쉬)
지휘자, 피아노 연주자 지휘자, 피아노 연주자
지휘 : Leonard Bernstein (레너드 번스타인)
레너드 번스타인은 1918년 매사추세츠주 로렌스에서 출생했다. 그의 부모는 러시아 출신이며 미국으로 이주한 유대인이다. 어린시절부터 피아노 연주하기를 좋아했으며 음악적인 재능을 보였다. 하버드대학교에 진학하여 작곡을 전공했고, 1937년 모더니즘 음악의 대가였던 디미트리 미트로폴로스(Dimitri Mitropolous)를 만나 그의 영향을 크게 받았다. 또한 하버드의 미학교수였던 데이비드 프롤(David Pral... 레너드 번스타인은 1918년 매사추세츠주 로렌스에서 출생했다. 그의 부모는 러시아 출신이며 미국으로 이주한 유대인이다. 어린시절부터 피아노 연주하기를 좋아했으며 음악적인 재능을 보였다. 하버드대학교에 진학하여 작곡을 전공했고, 1937년 모더니즘 음악의 대가였던 디미트리 미트로폴로스(Dimitri Mitropolous)를 만나 그의 영향을 크게 받았다. 또한 하버드의 미학교수였던 데이비드 프롤(David Prall)로 부터 예술을 이해하고 음악을 표현하는데 깊은 영향을 받았다. 1939년 그의 졸업논문은 '인종적 요소가 미국 음악에 끼친 영향'이라는 주제로 썼다.

졸업 후에는 F.라이너, S.쿠세비츠키에게 지휘법을, 톰프슨에게 관현악법을 배웠다. 1943년 뉴욕필하모니 음악감독이었던 아서 로진스키(Arthur rodzinski)의 인정을 받아 뉴욕필하모닉의 보조지휘자가 되었다. 그해 11월 14일 뉴욕필하모니의 지휘자 브루노 발터(Bruno Walter)가 급환으로 지휘를 못하게 되자, 그의 대신 뉴욕필하모니의 지휘를 맡았고 CBS방송을 통해 전국에 중계되었다. 번스타인은 이 한번의 기회로 유명세를 탔고 이름을 떨치게되었다. 1944년 피츠버그 교향악단을 지휘하였고 자신의 첫 교향곡 《예레미야 심포니 Jeremiah Symphony》을 연주했다.

당시 유럽에서 일어난 2차세계대전은 러시아로 확전되었고 히틀러가 저지런 대량학살 소식이 미국 전해졌다. 부모가 러시아 출신인 번스타인은 러시아 난민을 돕자는 자선행사에 자주 초대되어 나갔으며 카네기홀 등에서 자선 연주회를 열었다. 번스타인은 음악뿐만아니라 정치활동에도 적극적이었다. 디트로이트를 중심으로 진보당 창당에 관여하였고 진보적 단체의 단결을 주장했다. 이때부터 그는 FBI의 조사를 받았으며 그의 정치적 성향은 공산주의로 분류되었다. 그는 CBS 방송국 출입이 금지되고 블랙리스트에 올라 그의 음악과 공연은 취소되었다. 번스타인은 정치적인 성향 때문에 급격한 내리막길을 걷게 되었다. 마침내 미국의 유력지인 라이프 지에 50명의 대표적인 좌파 블랙리스트로 번스타인이 소개되었고 뉴욕필하모니 지위자 명단에서도 제외되었다.

1953년 7월 미국 국무부는 번스타인의 여권 갱신을 거부하였고 항상 FBI의 감시를 받으며 고립되었다가 자신의 활동과 신념을 부정하는 진술서에 서명하고 나서야 여권을 받아 유럽으로 갈 수 있었다. 그해 8월에 이탈리아로 건너가 연주활동을 하였는데 음악활동을 계속하기 위해서는 표면적으로 보수적 성향의 미국인임을 증명해야만 했다. 그 결과 컬럼비아 영화사의 승인을 얻어내 《워터프론트 Waterfront》(1954)라는 영화음악 제작을 맡을 수 있었다. 그후 포드 자동차의 의뢰를 받아 연주회를 열었고 CBS를 통해 방송되었다. 번스타인은 다시 뉴욕 필하모니로 복귀하게 되었으며 미국에서 지휘자로서 활동할 수 있게 되었다. 1957년 뉴욕필하모닉의 상임지휘자, 이듬해 음악감독으로 취임하였고 그가 연주하는 음악회는 최대의 흥행을 보증하게 되었다. 번스타인은 뮤지컬《웨스트사이드 스토리 West Side Story》(1957)의 음악을 담당하면서 가장 미국적인 뮤지컬의 창작하였다는 칭송을 받았다.

하지만 그의 진보적인 성향이 보수로 전향한 것은 아니었으며 미국내 민권투쟁과 인종차별 등 사회적인 문제에 적극 참여하였다. 1964년 번스타인은 미국에서 일어난 흑인민권운동에 가담하여 마틴 루터 킹 목사(Martin Luther King)와 함께 앨라바마에서 열린 셀마 대행진에 참가하였다. 번스타인은 자신의 정치적 성향을 숨기지 않고 드러냈다. 닉슨 행정부가 일으킨 베트남 전쟁의 부당함을 지적하며 종전을 주장하였고 미국의 제국주의를 비판하였다. 이 시기에 자신의 사회사상을 표현한 교향곡《카디시 Kaddish》(1963)와《치체스터 시편 Chichester Psalms》(1965)을 발표하였다. 미국의 보수파인 레이건 행정부가 들어서자 미국내 진보세력의 몰락을 우려하였고 보수파가 추진하는 핵무기정책에 반대하는 운동에 참여하였다. 하지만 자신의 이상과 다르게 변모하는 미국사회의 모습으로 번스타인은 상실감으로 실의에 빠져들었다. 20세기 미국을 표현하는 오페라를 구상하였으나 끝내 작곡을 완성하지 못했다. 1985년 세계 청소년 오케스트라를 조직하여 영국, 일본, 그리스, 헝가리 등지에서 연주했으며 이후에는 주로 유럽을 무대로 연주활동을 했다. 1990년 10월 14일 사망했다.
지휘 : Tullio Serafin (툴리오 세라핀)
지휘 : Giuseppe Sinopoli (주세페 시노폴리)
지휘 : Claudio Abbado (클라우디오 아바도)
이탈리아 밀라노에서 태어났다. 밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 이 음악원을 졸업한 다음 빈에서 한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다. 1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다. 1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서 스칼라 오페라 극장에 데뷔했다. 1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 ... 이탈리아 밀라노에서 태어났다. 밀라노 주세페 베르디 음악원에서 지휘, 피아노, 작곡을 배웠다. 이 음악원을 졸업한 다음 빈에서 한스 스바로프스키에게 지휘를 배웠다. 1958년에 미국의 탱글우드에서 쿠세비츠키 상(賞)을 받았다. 1960년에 알레산드로 스카를라티의 탄생 300주년을 기념하기 위하여 열린 갤러콘서트에서 스칼라 오페라 극장에 데뷔했다. 1963년에 뉴욕에서 열린 디미트리 미트로풀로스 지휘자 콩쿠르에서 우승을 차지했다. 1965년 8월 14일에, 빈 필하모니를 지휘하여 잘츠부르크 음악제에 데뷔했다. 그 때의 작품은 말러의 [교향곡 제2번]이었다. 1967년에 처음으로 스칼라 오페라 극장에서 시즌 최초의 공연을 지휘했다. 작품은 벨레니의 오페라 [카풀레티와 몬테키]였고, 1968년의 잘츠부르크 음악제에서 로시니의 오페라 [세빌랴의 이발사]를 지휘했다. 그 해에 스칼라 극장 관현악단의 수석 지휘자로 임명되었다.

1970년에 베르디의 오페라 [돈 카를로]를 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이 작품은 그 뒤에 런던의 코벤트 가든 왕립 오페라 극장이나 뉴욕의 메트로폴리탄 오페라 극장에서도 지휘하였다. 1971년에 빈 필하모니의 수석 지휘자로 지명되었다. 뮌헨 음악제에 처음으로 참가하여, 베르디의 오페라 [시몬 보카네그라]를 지휘하였다. 1972년에 베를린에서 베르디의 오페라 [아이다]의 첫날을 지휘하였다. 이해에 밀라노의 스칼라 극장의 음악 감독으로 임명되었다. 올림픽 기간 동안 뮌헨에서 스칼라 극장의 오케스트라와 코러스를 지휘하여 베르디의 [레퀴엠]과 오페라 [아이다]를 연주한 것도 1972년의 일이다. 1973년에 빈의 모차르트 협회에서 모차르트 메달을 그에게 주었다. 이해에 클리블랜드 관현악단 및 필라델피아 관현악단과 함께 미국을 연주 여행하였고, 빈 필하모니와 함께 우리 나라를 비롯하여 일본과 중국도 연주 여행하였다. 이때가 아바도의 첫 한국 방문이었다. 더욱이 이 해에는 런던교향악단의 수석 객원 지휘자로 임명되었다. 1974년에는 아바도로서는 최초의 모차르트의 오페라인 [피가로의 결혼]을 스칼라 극장에서 지휘하였다. 이렇게 해서 아바도는 착착 그 활동의 무대를 넓혀 온 셈인데 그 활동 무대 확대 방식은 용의주도하였다. 이것은 레퍼토리의 선택 방식에서도 볼 수 있다. 이제까지(1981년 봄) 아바도는 이탈리아의 지휘자이고 이탈리아 오페라의 메카로 이름난 스칼라 극장의 음악 감독이었음에도 불구하고, 푸치니에 의해 대표되는 베르디 이후의, 일반적으로 베리스모 오페라라고 불리는 오페라를 조심성 있게 피해 왔다. 한편으로 프로코피예프나 스트라빈스키의 작품에 대하여 적극적인 관심을 표시하고, 더욱 루이지 노노의 신작 초연을 종종 하기도 했다. 이러한 것으로부터 아바도의, 굳이 말한다면 지성파(知性派)라고 할 수도 있는 지휘자로서의 본연의 자세가 떠오를 것이 틀림없다. 사실 아바도의 연주는 열기에 가득 찼다든가 또는 정열적이라든가 하는 형용이 걸맞지 않으며, 오히려 지적인 성격을 띄고 있다고 하겠다. 그의 연주는 언제나 명쾌하고, 조금의 애매모호함도 없으며, 그 작품의 양식적인 아름다움을 뚜렷이 떠오르게 하는 것이 특징이다. 지휘자로서는 아직도 젊다고 할 수 있는 아바도에게 요구되는 것은 아마 그 정교하고 치밀함을 잃지 않으면서 청중의 마음을 사로잡는 풍부한 표현일 것이다. 이제까지의 아바도는 문자 그대로의 수재 코스를 걸어 왔고 충분한 성과를 올렸다. 1989년 정식 상임 지휘자가 없는 빈 필하모니의 준상임 지휘자로 있었으며, 1989년 카라얀의 사망으로 그의 휘하였던 베를린 필의 제5대 음악 감독으로 취임해 세계적인 관심과 이목을 집중시켰다.
지휘 : Riccardo Frizza (리카르도 프리자)
서울대학교 작곡과 졸업, 오스트리아 유학 잘츠부르크 모차르테움 음악대학에서 미하엘 길렌에게 지휘를 사사했으며, 귀국 후 원주시립교향악단 수석지휘자, 서울시립 교향악단 지휘, 국립국악원 창작악단 음악고문 직책도 역임하였다. 현재 창원시립 교향악단 지휘자와 한국예술종합학교 음악원 지휘과 과장 교수로 재직 중이며 한국 지휘자 협회 회장직을 맡고 있다. 서울대학교 작곡과 졸업, 오스트리아 유학 잘츠부르크 모차르테움 음악대학에서 미하엘 길렌에게 지휘를 사사했으며, 귀국 후 원주시립교향악단 수석지휘자, 서울시립 교향악단 지휘, 국립국악원 창작악단 음악고문 직책도 역임하였다. 현재 창원시립 교향악단 지휘자와 한국예술종합학교 음악원 지휘과 과장 교수로 재직 중이며 한국 지휘자 협회 회장직을 맡고 있다.
오스트리아의 법학자 출신 지휘자 오스트리아의 법학자 출신 지휘자
지휘 : Marco Armiliato (마르코 아르밀리아토)
주빈 메타는 1936년 인도 봄베이에서 출생하였다. 그의 아버지 메리 메타(Mehli Mehta)는 봄베이 교향악단의 지휘자를 역임하였으며, 미국 커티스 현악4중주단의 바이올린 주자와 아메리카 유스 심포니의 음악 감독으로도 활동하였다. 주빈 메타는 원래 의학을 전공하였으나 지휘자가 될 결심으로 의학공부를 중도 포기하고 빈 국립 음악 아카데미에서 지휘를 공부하였다. 그리고 1958년 영국의 리버풀에서 개최된 ... 주빈 메타는 1936년 인도 봄베이에서 출생하였다. 그의 아버지 메리 메타(Mehli Mehta)는 봄베이 교향악단의 지휘자를 역임하였으며, 미국 커티스 현악4중주단의 바이올린 주자와 아메리카 유스 심포니의 음악 감독으로도 활동하였다.

주빈 메타는 원래 의학을 전공하였으나 지휘자가 될 결심으로 의학공부를 중도 포기하고 빈 국립 음악 아카데미에서 지휘를 공부하였다. 그리고 1958년 영국의 리버풀에서 개최된 국제 지휘자 콩쿠르에서 우승하였다. 1961년∼1967년 캐나다 몬트리올 교향악단의 음악감독으로 활동했고, 1962년∼1978년에는 로스앤젤레스 필하모니 오케스트라의 음악감독 겸 지휘자로 활동하였다. 주빈 메타는 로스앤젤레스 필하모니 오케스트라에서 활동 당시 수많은 레코드와 연주로 세계적인 주목을 받았다.

이후 1969년 이스라엘 필하모니는 그를 음악고문으로 지명한 데 이어 1977년엔 음악감독, 1981년에는 상임감독으로 지명하였다. 또한 1978년에는 뉴욕 필하모니의 음악 감독 겸 상임 지휘자가 되어 13년간 지휘하였으며 1998년 뮌헨에 있는 바이에른 오페라 극장의 음악감독으로 임명되었다.

주빈 메타는 오랫동안 전 세계에 음악을 통한 평화의 메시지를 전해왔으며 2011년 3월에는 미국 LA 할리우드 명예의 거리에 헌액되었다.
지휘 : Daniel Barenboim (다니엘 바렌보임)
다니엘 바렌보임(Daniel Barenboim)은 1942년 아르헨티나 부에노스아이레스의 러시아계 유대인 가정에서 태어났다. 1950년 8월 부에노스아이레스에서 공식적으로 데뷔 연주회를 가지며 신동 아티스트로 유명세를 떨쳤다. 1952년 이스라엘로 이주했고, 이고르 마르케비치, 빌헬름 푸르트뱅글러, 나디아 불랑제 등을 사사했다. 1965년 잉글리시 체임버 오케스트라를 지휘하며 본격적인 지휘자로 데뷔했으며, 198... 다니엘 바렌보임(Daniel Barenboim)은 1942년 아르헨티나 부에노스아이레스의 러시아계 유대인 가정에서 태어났다. 1950년 8월 부에노스아이레스에서 공식적으로 데뷔 연주회를 가지며 신동 아티스트로 유명세를 떨쳤다. 1952년 이스라엘로 이주했고, 이고르 마르케비치, 빌헬름 푸르트뱅글러, 나디아 불랑제 등을 사사했다. 1965년 잉글리시 체임버 오케스트라를 지휘하며 본격적인 지휘자로 데뷔했으며, 1981년 이후 바이로이트 페스티벌에서 <트리스탄과 이졸데> <니벨룽의 반지> <파르지팔> 등을 지휘하며 대표적인 바그너 지휘자로 급부상했다. 1991년부터 15년간 시카고 심포니 오케스트라 음악감독으로 활동했다. 또한 1992년부터 도이치 슈타츠오퍼 베를린의 음악감독 겸 이 극장의 상주 악단인 슈타츠카펠레 베를린의 상임 지휘자로 활동하고 있다. 에드워드 사이드와 함께 창단한 서동시집 오케스트라를 이끌고 있다. 현재 UN 평화대사로 활동 중이다.
오케스트라 : Philharmonia Orchestra (필하모니아 오케스트라)
오케스트라 : Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna (볼로냐 시립 극장 필하모닉 오케스트라,Orchestra del Teatro Comunale di Bologna)
오케스트라 : Chamber Orchestra of Europe (유럽 실내 관현악단)
오케스트라 : Academy Of St. Martin In The Fields (아카데미 오브 세인트 마틴 인 더 필즈)
오케스트라 : Il Giardino Armonico (일 지아르디노 아르모니코,Il Giardino Armonico Milano)
이탈리아어로 '조화의 정원'이란 뜻을 가진 IGA는 1985년 이탈리아에서 결성된 시대악기 연주단체다. 유럽 명문 음악학교 출신 평균 연령 30세의 젊은 연주자들로 구성된 IGA는 1989년부터 창단 멤버이자 세계적 리코더 연주자 조반니 안토니니가 악단을 이끌고 있다. 밀라노 출신인 조반니 안토니니는 밀라노 시립음악학교와 제네바 고음악 센터에서 공부했으며, 1996년 '일 프로테오' 음반으로 그라모폰상을 ... 이탈리아어로 '조화의 정원'이란 뜻을 가진 IGA는 1985년 이탈리아에서 결성된 시대악기 연주단체다.

유럽 명문 음악학교 출신 평균 연령 30세의 젊은 연주자들로 구성된 IGA는 1989년부터 창단 멤버이자 세계적 리코더 연주자 조반니 안토니니가 악단을 이끌고 있다. 밀라노 출신인 조반니 안토니니는 밀라노 시립음악학교와 제네바 고음악 센터에서 공부했으며, 1996년 '일 프로테오' 음반으로 그라모폰상을 수상할 만큼 세계적 리코더 연주자로도 유명하다.

IGA는 작곡가가 곡을 쓴 시대의 악기, 악보 등에 충실하면서도 17~18세기 레퍼토리에 대한 독특한 해석으로 유명하다. 또 세계에 바로크 음악 붐을 일으킨 장본인으로, 비발디를 비롯한 18세기 작곡가들의 작품을 음반으로 제작해서 주요 상을 수상하기도 했다.

격렬한 열정이 휘몰아치는 비발디의 '사계'와 담백하고 정교한 힘이 살아있고 리듬감 있는 열정적 연주의 수많은 레코딩은 곧바로 세계 음반시장에 센세이션을 불러일으켰다. 2005년 세계적 바이올리니스트 빅토리아 물로바와의 녹음(비발디 바이올린 협주곡)은 디아파종 상을 수상했다.

최근에는 성악가들과의 리사이틀, 오페라 연주 그리고 고전음악으로 활동의 폭을 넓혀가고 있는데 2009년 체칠리아 바르톨리와의 음반은 프랑스와 벨기에에서 발매 후 3개월 만에 플래티넘을 기록했다. 2010년 발매된 비발디의 오페라 '오토 황제의 별장'은 큰 성공과 함께 디아파종 상을 수상했다. 현재는 하이든 교향곡 전곡 녹음 프로젝트를 진행 중이다.
오케스트라 : Orchestra Teatro Regio Torino (토리노 왕립 극장 오케스트라,L'Orchestra del Teatro Regio di Torino / Orchestra of the Teatro Regio Torino)
오케스트라 : Wiener Symphoniker (빈 심포니 오케스트라,Vienna Symphony Orchestra)
오케스트라 : English Baroque Soloists (잉글리쉬 바로크 솔로이스츠,The English Baroque Soloists (the EBS))
시대악기 실내 관현악단 시대악기 실내 관현악단
오케스트라 오케스트라
오케스트라 : Orchester der Deutschen Oper Berlin (베를린 도이체 오페라 오케스트라,The Orchestra of the Deutsche Oper Berlin)
오케스트라 : London Symphony Orchestra (런던 심포니 오케스트라,LSO)
오케스트라 : Orchestra Sinfonica e coro di Milano Giuseppe Verdi (밀라노 주세페 베르디 교향악단)
오케스트라 : 코리안심포니오케스트라 (Korean Symphony Orchestra)
오케스트라 : Orchestre de la Suisse Romande (스위스 로망드 오케스트라)
오케스트라 : London Philharmonic Orchestra (런던 필하모닉 오케스트라,LPO)
런던 필하모닉 오케스트라는 세계 최고의 오케스트라 중 하나로 인정받고 있는 정상급 단체로, 20세기 최고의 지휘자 중 한 사람인 토마스 비첨 경에 의해 1932년에 설립되었다. 그 후 아드리안 불트 경과 버르나르트 하이팅크, 게오르크 숄티 경, 클라우스 텐슈테트, 쿠르트 마주어 등 세계적인 정상급 지휘자들이 거쳐갔으며, 2007년에 젊은 지휘자 유롭스키를 영입하여 새로운 변신에 도전하고 있다. 런던 필하모닉 오... 런던 필하모닉 오케스트라는 세계 최고의 오케스트라 중 하나로 인정받고 있는 정상급 단체로, 20세기 최고의 지휘자 중 한 사람인 토마스 비첨 경에 의해 1932년에 설립되었다. 그 후 아드리안 불트 경과 버르나르트 하이팅크, 게오르크 숄티 경, 클라우스 텐슈테트, 쿠르트 마주어 등 세계적인 정상급 지휘자들이 거쳐갔으며, 2007년에 젊은 지휘자 유롭스키를 영입하여 새로운 변신에 도전하고 있다. 런던 필하모닉 오케스트라는 전 세계에 열광적인 음악팬을 보유하고 있는데, 1956년에 영국의 관현악단으로서 최초로 소련의 무대에서 연주했으며, 1973년에 서양 관현악단으로서는 최초로 중국을 방문했다.

최근 2010/11 시즌에서는 핀란드, 독일, 프랑스,벨기에, 룩셈부르크 등의 유럽을 거쳐 아시아권인 한국에도 방문하여 멋진 공연을 펼쳤다. 런던 필하모닉 오케스트라는 클래식에서 현대음악까지 방대한 음악 레파토리를 자랑하는데, 아카데미 음악상을 수상하고 해외 방송투표 역대 최고의 영화음악으로 꼽히기도 했던 영화 '반지의 제왕'과 엔니오 모리코네의 아름다운 멜로디로 유명한 Mission 등 다수의 영화타이틀에 참여했으며, 최근에는 비디오 게임 음악까지 그 영역을 넓혀가고 있는 대중성과 예술성을 동시에 잡은 수준높은 오케스트라이다.
오케스트라 : Staatskapelle Dresden (드레스덴 슈타츠카펠레,Sachsische Staatskapelle Dresden)
독일 동부의 드레스덴을 본거지로 하는 악단으로, 정식 명칭은 드레스덴 작센 국립 관현악단(Sachsische Staatskapelle Dresden)이다. 세계에서 가장 오래된 관현악단 중 하나로 유명하다. 1548년 9월 22일에 설립된 작센 선제후 모리츠의 궁정 악단이 시초이며, 초대 악장(Kapellmeister)으로 요한 발터가 임명되었다. 발터 이후에는 르 메스트르, 스칸델로, 피넬리, 미하엘 등이... 독일 동부의 드레스덴을 본거지로 하는 악단으로, 정식 명칭은 드레스덴 작센 국립 관현악단(Sachsische Staatskapelle Dresden)이다. 세계에서 가장 오래된 관현악단 중 하나로 유명하다.

1548년 9월 22일에 설립된 작센 선제후 모리츠의 궁정 악단이 시초이며, 초대 악장(Kapellmeister)으로 요한 발터가 임명되었다. 발터 이후에는 르 메스트르, 스칸델로, 피넬리, 미하엘 등이 카펠마이스터 직위를 계승했으며, 하인리히 쉬츠는 최초로 궁정악장(Hofkapellmeister)을 역임했다. 18세기를 거치면서 편성도 확대되었고, 종교 의식이나 궁정극장에서 상연되던 오페라 등 무대 작품 공연에도 동원되었다.

베버와 바그너도 궁정악장을 역임했으며, 1841년에는 고트프리트 젬퍼의 설계로 건립된 작센 국립오페라극장(통칭 젬퍼오퍼)의 상주 악단이 되었다. 19세기 후반에는 율리우스 리츠나 프란츠 뷜너, 에른스트 폰 슈흐 등 근대 지휘법의 기초를 닦은 명사들이 활동했다. 슈흐의 후임으로는 프리츠 라이너와 프리츠 부슈, 칼 뵘 등이 활동했으며, 제3제국 시대에도 제국 관현악단의 일원으로 존속했다. 그러나 1944년에 괴벨스의 총동원령에 의해 활동이 정지되었으며, 1945년 미국과 영국 공군의 드레스덴 대공습으로 인해 상주 공연장이었던 국립오페라극장이 전소되었다.

종전 후 요제프 카일베르트를 카펠마이스터로 맞아들여 활동을 재개했으며, 이어 루돌프 켐페와 프란츠 콘비츠니, 로브로 폰 마타치치 등이 직위를 이어받았다. 1985년에 젬퍼오퍼의 복구 공사가 완료되자 상주 악단으로 다시 들어갔으며, 오페라 공연 때는 드레스덴 국립오페라극장 관현악단이라는 명칭으로 출연하고 있다. 2012년부터는 독일 출신의 크리스티안 틸레만이 카펠마이스터로 부임해 현재까지 재직 중이다.

역사가 굉장히 오래된 악단인 만큼, 독일 음악사에 끼친 영향도 대단히 크다. 초기에는 주로 이탈리아 출신 음악가들을 악장으로 초빙해 독일에 이탈리아 음악을 유입시키는 역할을 자주 수행했고, 19세기 초반에는 베버와 바그너에 의해 독일 낭만주의 오페라가 기틀을 닦는 데 이바지하기도 했다. 리하르트 슈트라우스도 자신의 오페라와 교향시를 직접 지휘해 자주 공연했으며, 뵘과 켐페, 콘비츠니는 오페라 외에 콘서트 활동에 주력할 수 있는 기틀을 마련했다.

녹음 활동도 1930년대부터 활발하게 진행했으며, 전후 도이체 그라모폰과 EMI에서 리하르트 슈트라우스의 관현악 작품을 중심으로 여러 장의 음반들을 발매했다. 냉전 시대에는 동독 국영 음반사인 도이체 샬플라텐에서 대부분의 녹음을 제작했으며, 특히 블롬슈테트가 남긴 베토벤 교향곡 전집과 브루크너 교향곡들이 유명하다. 시노폴리도 도이체 그라모폰에 로베르트 슈만과 브루크너, 슈트라우스 작품 등을 취입했으며, 루이시도 소니 클래시컬에 슈트라우스의 교향시를 녹음하고 있다. 최근에는 정명훈이 일본 바이올리니스트 가시모토 다이신과 소니 클래시컬에 베토벤 바이올린 협주곡을 녹음했다.

역사와 전통을 자랑하는 보수적인 악단이라 현대 작품의 공연은 많지 않지만, 독일 음악의 연주에 있어서는 가장 정통적이라는 평을 받고 있다. 이는 사회주의 체제 때에도 마찬가지였으며, 지금도 어느 지휘자와 상관 없이 고풍스러운 음향을 유지하고 있다. 주로 중부독일 방송국(MDR)에서 연주회와 오페라 공연을 중계하고 있으며, 단원들의 실내악 연주회와 프라우엔 교회에서 진행하는 종교음악 연주회도 개최하고 있다.

1914년부터 임명된 상임 지휘자들은 공식적으로 카펠마이스터(kapellmeister)의 직함도 동시에 수여받고 있다. 이외에 정명훈이 2012년 이 악단 역사상 최초의 수석객원지휘자로 임명되어 말러 교향곡 사이클을 진행하고 유럽과 아시아 투어를 수행하는 등 틸레만의 업무를 분담하면서 성공적으로 직책을 수행하고 있으며, 현재도 그 직을 유지하고 있다.
오케스트라 : Accademia di Santa Cecilia Orchestra (산타 체칠리아 음악원 오케스트라,Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia)
오케스트라 : Royal Stockholm Philharmonic (스톡홀름 왕립 필하모닉 관현악단,Kungliga Filharmonikerna, Kungliga Filharmoniska Orkestern)
합창 : Chor Der Deutschen Oper Berlin (베를린 도이치 오페라 합창단,Chorus of the Deutsche Oper Berlin)
합창 : Wiener Singverein (빈 악우협회 합창단,Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien / Singverein de Vienne)
저 : 서정주 (SUH,JHUNG-JOO,徐廷柱,미당(未堂))
“모국어의 연금술”이라고 할 수 있을 언어적 재능과 더불어 “우리말 시인 가운데 가장 큰 시인”이라고 일컬어지는 미당 서정주. 1915년에 탄생한 미당은 85년에 걸친 생애 동안, 1936년 등단 이후 무려 64년에 걸친 장구한 시작 생활을 통해서 950편의 시, 15권의 시집을 세상에 내놓았다. “소리에 민감한 미당의 시는 외워서 입으로 소리 내어 읊어야 비로소 그 깊은 맛과 청각적 이미지의 동적 아름다움... “모국어의 연금술”이라고 할 수 있을 언어적 재능과 더불어 “우리말 시인 가운데 가장 큰 시인”이라고 일컬어지는 미당 서정주. 1915년에 탄생한 미당은 85년에 걸친 생애 동안, 1936년 등단 이후 무려 64년에 걸친 장구한 시작 생활을 통해서 950편의 시, 15권의 시집을 세상에 내놓았다.

“소리에 민감한 미당의 시는 외워서 입으로 소리 내어 읊어야 비로소 그 깊은 맛과 청각적 이미지의 동적 아름다움을 전신의 갈피갈피에서 음미할 수 있으며, 미당의 시는 그런 노력을 바칠 가치가 충분히 있다고 확신한다.”고 김화영 교수는 서정주 시인을 평한 바 있다.

(1915년~2000년) 전북 고창 출생. 1936년 동아일보 신춘문예에 시 「벽」이 당선되어 등단하였다. 김동리 등과 동인지인 『시인부락』을 창간하고 주간을 지내기도 하였으며, 첫 시집인 『화사집』에서 격렬한 리듬을 통해 방황하는 청춘의 열정을 개성적으로 선보였고, 이어 『귀촉도』 에서는 동양 전통세계로 회귀하여 민족적인 정조를 노래하였으며, 이후 불교 사상에 입각해 인간 구원을 시도한 『신라초』, 『동천』, 고향마을의 토속적인 풍속을 이야기 형식으로 풀어 쓴 『질마재 신화』 등을 발표하였다.

그가 남긴 시집에는 제1시집 『화사집』(1941년, 24편), 제2시집 『귀촉도』(1948년, 24편), 제3시집 『서정주시선』(1956년, 20편), 제4시집 『신라초』(1961년, 42편), 제5시집 『동천』(1968년, 50편), 『서정주문학전집』(1972년, 55편), 제6시집 『질마재 신화』(1975년, 33편), 제7시집 『떠돌이의 시』(1976년, 59편), 제8시집 『서으로 가는 달처럼…』(1980년, 116편), 제9시집 『학이 울고 간 날들의 시』(1982년, 113편), 제10시집 『안 잊히는 일들』(1983년, 92편), 제11시집 『노래』(1984년, 60편), 제12시집 『팔할이 바람』(1988년, 52편), 제13시집 『산시』(1991년, 91편), 제14시집 『늙은 떠돌이의 시』(1993년, 72편), 제15시집 『80소년 떠돌이의 시』(1997년, 47편)이며 시집 수록 전체 시편은 모두 950편에 달한다.

2000년 12월 24일에 사망하였다. 동국대학교 문리대학 교수, 현대시인협회회장, 한국문인협회 이사장 등을 역임하였으며, 대한민국문학상, 대한민국예술원상을 수상하였고, 금관문화훈장이 추서되었다.
한성사범학교를 나와 경성 휘문고등보통학교에서 교편을 잡으면서 많은 시조를 발표하였다. 1926년 시조 부흥을 위해서 동아일보에 《시조란 무엇인가》를 발표한 후부터 현대적 감각을 띤 새로운 시조를 짓기 시작하였다. 1939년 《가람 시조집》을 발간하였으며, 또한 문헌학자로서 숨어 있던 많은 고전을 학계에 소개하였다. 광복 후에는 한민족의 고전 문학을 현대어로 고치는 일에 힘썼으며, 전북대학교 문리대 학장·서울대학교... 한성사범학교를 나와 경성 휘문고등보통학교에서 교편을 잡으면서 많은 시조를 발표하였다. 1926년 시조 부흥을 위해서 동아일보에 《시조란 무엇인가》를 발표한 후부터 현대적 감각을 띤 새로운 시조를 짓기 시작하였다. 1939년 《가람 시조집》을 발간하였으며, 또한 문헌학자로서 숨어 있던 많은 고전을 학계에 소개하였다. 광복 후에는 한민족의 고전 문학을 현대어로 고치는 일에 힘썼으며, 전북대학교 문리대 학장·서울대학교 강사·중앙대학교 교수 등을 지냈다.

저서 《국문학 개설》, 《국문학 전서》 등
대표작 《초》, 《별》, 《냉이꽃》 등

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