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가장 사랑받는 미국 팝송 베스트 72곡 (Ultimate America : 4CDs Of The Greatest Music From The USA)
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가장 사랑받는 미국 팝송 베스트 72곡 (Ultimate America : 4CDs Of The Greatest Music From The USA)

[ 4CD ]
Paul Simon, Billy Joel, Meat Loaf, James Brown, Alicia Keys 노래 외 49명 정보 더 보기/감추기 | SonyMusic | 2016년 05월 20일 첫번째 구매리뷰를 남겨주세요. | 판매지수 132 판매지수란?
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가장 사랑받는 미국 팝송 베스트 72곡 (Ultimate America : 4CDs Of The Greatest Music From The USA)

품목정보

품목정보
발매일 2016년 05월 20일

관련분류

음반소개

디스크

CD1
  • 01 Viva Las Vegas - Elvis Presley
  • 02 It's Still Rock And Roll To Me - Billy Joel
  • 03 You Can Call Me Al - Paul Simon
  • 04 Dead Ringer For Love - Meat Loaf With Cher
  • 05 Living In America - James Brown
  • 06 Native New Yorker - Odyssey
  • 07 Empire State Of Mind, Pt. 2 - Alicia Keys
  • 08 John Legend - John Legend
  • 09 Everyday People - Sly & The Family Stone
  • 10 Midnight Train To Georgia - Gladys Knight & The Pips
  • 11 Killing Me Softly With His Song - Fugees
  • 12 I Love America - The O'jays
  • 13 American Heartbeat - Survivor
  • 14 Out Of Touch - Daryl Hall & John Oates
  • 15 Lowdown - Boz Scaggs
  • 16 Smooth Sailin' - Leon Bridges
  • 17 Rosanna - Toto
  • 18 Ventura Highway (Live) - America
CD2
  • 01 America - Simon & Garfunkel
  • 02 Subterranean Homesick Blues - Bob Dylan
  • 03 East Texas Red - Arlo Guthrie
  • 04 Pennsylvania - Heart
  • 05 California - Phantom Planet
  • 06 Me And Bobby Mcgee - Janis Joplin
  • 07 Hickory Wind - The Byrds
  • 08 He Thinks He'll Keep Her - Mary Chapin Carpenter
  • 09 Stand By Your Man - Tammy Wynette
  • 10 I Will Always Love You - Dolly Parton
  • 11 Blue Bayou - Roy Orbison
  • 12 I Drove All Night - Cyndi Lauper
  • 13 Bad Things - Jace Everett
  • 14 Take It On The Run - Reo Speedwagon
  • 15 Midnight In Harlem - Tedeschi Trucks Band
  • 16 Manhattan - Sara Bareilles
  • 17 The Brooklyn Bridge - Frank Sinatra
  • 18 Fly Me To The Moon (In Other Words) - Tony Bennett
CD3
  • 01 All-American Girl - Carrie Underwood
  • 02 Take Me Home Country Roads - John Denver
  • 03 American Kids - Kenny Chesney
  • 04 The Devil Went Down To Georgia - The Charlie Daniels Band
  • 05 California Girls - Gretchen Wilson
  • 06 El Paso - Marty Robbins
  • 07 My Old Kentucky Home - Johnny Cash
  • 08 Highwayman - The Highwaymen
  • 09 Luckenbach, Texas (Back To The Basics Of Love) - Waylon Jennings & Willie Nelson
  • 10 Song Of The South - Alabama
  • 11 Boys From The South - Pistol Annies
  • 12 American Beautiful - Henningsens
  • 13 The Ballad Of Lucy Jordan - Dr. Hook & The Medicine Show
  • 14 The Ballad Of Jed Clampett - Flatt & Scruggs
  • 15 Country Boy - Alan Jackson
  • 16 A Little Bit Stronger - Sara Evans
  • 17 Mr. Know It All [Country Version] - Kelly Clarkson
  • 18 Oklahoma Sky - Miranda Lambert
CD4
  • 01 Lost In America - Alice Cooper
  • 02 American Woman - Guess Who, The
  • 03 Play That Funky Music - Wild Cherry
  • 04 The Witch Queen Of New Orleans - Redbone
  • 05 Nantucket Sleighride (To Owen Coffin) - Mountain
  • 06 Carry On Wayward Son - Kansas
  • 07 The Calling* Wherever You Will Go - The Calling* Wherever You Will Go
  • 08 Runaway Train - Soul Asylum
  • 09 How To Save A Life - The Fray
  • 10 Satellite - The Hooters
  • 11 Little Miss Can't Be Wrong - Spin Doctors
  • 12 Hey, Soul Sister - Train
  • 13 Kyrie - Mr. Mister
  • 14 Because The Night - Patti Smith Group
  • 15 I Don't Want To Go Home - Southside Johnny & The Asbury Jukes
  • 16 Johnny B. Goode - Johnny Winter
  • 17 America The Beautiful - Keb' Mo'
  • 18 American Trilogy - Elvis Presley

아티스트 소개 (54명)

어린 시절부터 피아노를 수련해 온 한 소년은 어느 날 에드 셜리번 쇼에 나온 비틀즈의 모습에 감명 받아 뮤지션으로서 삶을 영위하기로 결심했다. 피아노만큼이나 좋아했던 권투 선수로서의 인생을 포기하고 한 우물만 파기로 한 뒤 로컬 밴드에 몸담으며 내공을 연마해나갔다. 당시 20살이 채 안된 어린애가 장차 거물급 싱어 송라이터 명단에 세세토록 이름을 남길지 누구도 예상치 못했던 건 당연지사. 시작은 미약했으나 끝은 ... 어린 시절부터 피아노를 수련해 온 한 소년은 어느 날 에드 셜리번 쇼에 나온 비틀즈의 모습에 감명 받아 뮤지션으로서 삶을 영위하기로 결심했다. 피아노만큼이나 좋아했던 권투 선수로서의 인생을 포기하고 한 우물만 파기로 한 뒤 로컬 밴드에 몸담으며 내공을 연마해나갔다. 당시 20살이 채 안된 어린애가 장차 거물급 싱어 송라이터 명단에 세세토록 이름을 남길지 누구도 예상치 못했던 건 당연지사. 시작은 미약했으나 끝은 창대 했던 그 아이, 바로 영원한 피아노맨 빌리 조엘(Billy Joel)이다. 빌리 조엘은 1965년부터 에코스(The Echoes), 해슬스(The Hassles), 아틸라(Attila) 등의 밴드에서 활동하며 팝 계에 명함을 내밀었다. 허나 당시 하드록, 사이키델릭이 주를 이뤘던 음 세계는 대중들의 무관심 속에 사장되고 말았다. 생계를 위해 저널에 비평을 기고하고 음악적 실패로 인해 마약 센터에 들락거리며 자살을 기도하는 등, 최악의 상황이 그를 엄습한 시기였다. 1971년에 빌리 조엘은 솔로 데뷔작 < Cold Spring Harbor >를 내놓으며 복귀식을 치렀다. 발표 직후 가졌던 공연 릴레이는 호평 받았지만 지지부진한 판매고는 여전했다. 결국 빌리 조엘은 L.A.에 새 둥지를 틀었고, 빌 마틴(Bill Martin)이란 가명으로 클럽에서 피아노 연주를 하며 재기를 꿈꿨다. 지성이면 감천이라 했던가. 비슷한 시기에 겹경사가 일어났다. 1973년 엘리자베스 웨버와 결혼하며 안정을 찾았고 ’Captin Jack’의 라이브 버전이 라디오 전파를 타기 시작한 것이다. 재능을 간파한 콜롬비아(Columbia)가 구애의 손길을 보낸 것은 예정된 순서였다. 같은 해에 2집 < Piano Man >이 등장했다. ’피아노맨’이라는 별명의 진원지이기도 한 앨범은 빌보드 차트 27위까지 올랐고 타이틀 트랙 역시 싱글 차트 40위권에 안착하며 그에게 처음으로 성공의 단 열매를 맺어주었다. 제이 가일스 밴드(The J. Geils Band), 두비 브라더스(The Doobie Brothers)의 오프닝을 맡아 투어를 돈 뒤, 1974년 말에 내놓은 3집 < Streetlife Serenade >(1974)은 차트 35위를 기록하며 탄탄대로를 열어주는 듯 했다. 허나 4집 < Turnstiles >(1976)는 명곡 ’New York State of Mind’를 담고 있음에도 불구, 차트 100위권 밖으로 밀려났다. 제작 전에 프로듀서인 궈시오(Guercio)를 해고하고 아내를 매니저로 기용하는 등, 잡음이 많았던 점이 실패의 원인으로 분석된다. 1977년의 < The Stranger >는 오늘날의 빌리 조엘이 있게 한 명반이었다. 1970년대 후반에 접어들며 미국에서 각광받았던 시티 뮤직을 대폭 수용한 작품은 차트 2위까지 상승하며 단숨에 플래티넘을 따냈고 ’Just the way you are’(3위), ’Monin’ out’(17위), ’Only the good die young’(24위), ’She’s always a woman’(17위)등, 네 곡의 히트작을 쏟아냈다. ’Just the way you are’는 그래미에서 ’Record of the Year’와 ’Song of the Year’, 두 개 부문을 수상하며 비평적 찬사를 안겼다. 6집 < 52nd Street >(1978)도 맹렬한 기세를 이어나갔다. 아니, 오히려 능가했다. 빌보드 앨범 차트에서 8주간 1위를 고수하며 한달 만에 200만장을 세일즈했고 ’My life’(3위), ’Big shot’(14위) ’Honesty’(24위)등이 수시로 울려 퍼졌다. 마침내 그는 그토록 소망했던 그래미 ’올해의 작품상’을 거머쥐었다. 펑크와 뉴 웨이브의 세상 속으로 과감히 돌진한 < Glass Houses >(1980)에서도 한번 불붙은 열기는 식지 않았다. 급격한 음악적 변화에도 기존 팬들은 쌍수 들어 그를 환영했다. 앨범 차트 6주간 1위, 4곡의 히트송 배출, 그래미 ’Best Rock Vocal Performance, Male’ 부문 수상이 마치 자연스런 수순처럼 보일 정도였다. 1년 뒤, 초기곡들의 라이브 콜렉션인 < Songs in the Attic >(1981)을 발표한 뒤, 빌리 조엘은 이혼과 오토바이 사고를 겪으며 위기의 남자가 되었다. 베이비 붐 세대의 삶에 대해 컨셉트 앨범으로 꾸민 야심작 < The Nylon Curtain >(1982)마저 낮은 판매량에 허덕이며 전성 시대가 지난 것 아니냐는 추측성 발언을 낳게 했다. 하지만 그는 포기하지 않았다. 불굴의 의지로 다시 일어섰다. 과거 사운드로 회귀한 < An Innocent Man >(1983)을 내놓으며 슈퍼스타로서의 면모를 되찾았다. 차트 1위에 오른 ’Tell her about it’을 비롯해, ’Uptown girl’, ’An innocent man’, ’Keeping the faith’ 등이 바톤 터치하며 차트 상위권에 안착했다. MTV 시대를 맞이하며 비디오 제작에도 심혈을 기울였던 그는 이를 계기로 만난 슈퍼모델 크리스티 브링클리와 결혼에 골인했다. 1985년에 중간 결산 차원에서 피아노 맨은 히트곡 모음집 < Greatest Hits, VolumeⅠand VolumeⅡ >을 내놓으며 미국에서만 무려 2천만장의 판매고를 올렸다. 앨범 판매량 역대 5위에 해당하는 기록이자 미국인들이 그의 음악을 얼마나 사랑하는지 알 수 있는 대목이다. 이후 < The Bridge >를 발표하여 성공을 이어나간 빌리 조엘은 1987년, 소련에서 공연을 가졌는데 이 때의 실황을 담은 더블 앨범 < Kohuept(Live In Leningrad) >(1987)을 선보이기도 했다. 신장 결석과 법정 소송의 혼란 속에서 등장한 < Storm Front >(1989)는 그에게 가장 중요한 순간을 선물한 작품이었다. 앨범 차트 1위에 오른 것은 제쳐두고서라도, 싱글 ’We didn’t start the fire’가 세계 역사를 훌륭히 그려냈다는 이유로 미국 전역의 고교에 악보가 배포되는 등 화제를 낳았기 때문이다. 베스트 앨범에서 숫자로 드러난 미국인들의 애정이 공적으로 가시화된 순간이었다. 퀸시 존스, 자니 캐쉬, 아레사 프랭클린과 함께 1990년부터 1년 간 가졌던 월드 투어로 ’Grammy Living Legend’상을 수상한 빌리 조엘은 1993년 나온 < River of Dreams >(1위)로 순항을 거듭했다. 1996년 크리스티 브링클리와 이혼한 후, 이 위대한 싱어 송라이터는 20세기 마지막 날 타임스 스퀘어(Times Square)에서 가졌던 공연 결과물 < 2000 Years: The Millennium Concert >를 발매하며 새 출발을 암시했다. 결국 그는 또 다른 히트송 콜렉션인 < The Essential Billy Joel >(2001)로 팝 아티스트로서의 화려했던 시절을 마감했다. 그리고 같은 해, 빌리 조엘은 클래식 크로스오버 작품인 < Fantasies & Delusions >을 소개하며 클래식 작곡가로서의 야심한 행보에 첫 걸음을 내디뎠다.
‘고깃덩어리’라는 뜻의 예명처럼 거구의 몸집과 풍부한 성량을 자랑하는 미트 로프는 우리에게 1977년의 앨범 < Bat Out Of Hell >, 그리고 그 속편격인 1993년의 < Bat Out Of Hell Ⅱ: Back Into Hell >로 널리 알려진 팝 록 뮤지션이다. 곡은 1993년 앨범에서 발표되어 전미 차트 정상에 오른 싱글 ‘I’d do anything for love(but I won’t do... ‘고깃덩어리’라는 뜻의 예명처럼 거구의 몸집과 풍부한 성량을 자랑하는 미트 로프는 우리에게 1977년의 앨범 < Bat Out Of Hell >, 그리고 그 속편격인 1993년의 < Bat Out Of Hell Ⅱ: Back Into Hell >로 널리 알려진 팝 록 뮤지션이다. 곡은 1993년 앨범에서 발표되어 전미 차트 정상에 오른 싱글 ‘I’d do anything for love(but I won’t do that)’가 유명하다. 1946년 1월22일 미국 텍사스 달라스 태생으로 미식축구 선수로 활약하다가 음악의 길을 선택, 1967년 로스앤젤레스에서 ‘팝콘 비자드’라는 이름의 밴드로 쇼 비즈니스계에 발을 내디뎠다. 본명은 마빈 리 어데이(Marvin Lee Aday)이고 1984년 마이클 어데이로 개명했지만 우량아였던 탓에 아버지가 불렀던 애칭 미트 로프로 예명을 취했다. 밴드가 해산한 뒤 브로드웨이에서 뮤지컬을 시작으로 영화, TV의 배우로 활동을 넓히게 된 그는 브로드웨이 데뷔작 < 헤어 >에 출연하며 순회공연을 하던 중 스토니(Stoney)라는 이름의 뮤지션을 만났다. 그와 두 번째 밴드 ‘스토니 앤 미트 로프’를 결성해 데뷔 앨범을 1971년 선보였고, 거기서의 싱글 ‘What you see is what you get’은 첫 차트진출 곡이 되었다(싱글 차트 71위) 이후 일련의 뮤지컬에 출연한 것이 전환이 되어 그의 음악인생에서 가장 중요한 인물인 짐 스타인먼(Jim Steinman)을 뮤지컬 < More Than You Deserve > 때 만나게 된다. 그가 곡을 쓴 미트 로프의 앨범 < Bat Out Of hell >은 1977년에 발표되어 그를 최고 스타의 자리로 올려놓았다. 여기서는 빌보드 싱글 11위를 차지한 ‘Two out of three ain’t bad’을 비롯해 ‘Paradise by dashboard light’(39위) ‘You took the words right out of my mouth’(39위) 등의 히트곡이 나왔고 앨범은 미국에서만 1400만장이 팔리는 기염을 토했다. 영국에서는 15년이 넘게 앨범차트에 머물러 가장 오랫동안 차트에 머문 앨범으로 기네스북에 오르기도 했다. 하지만 이 앨범의 스매시 히트는 부담으로 작용, 이후의 작품들은 부진을 면치 못했다. 1981년의 앨범 < Dead Ringer >, 1985년의 < Bad Attitude >, 1986년의 < Blind Before I Stop >, 1987년의 라이브 < Meat Loaf Live >는 별반 호응을 이끌어내지 못했고 미트 로프는 영화 쪽에 더 많은 시간을 보냈다. 그가 다시 음악계에서 두각을 나타낸 때는 전성기로부터 15년 정도가 흐른 1993년에 앨범 < Bat Out Of Hell Ⅱ: Back Into Hell >을 발표하면서부터였다. 싱글 ‘I’d do anything for love(but I won’t do that)’이 공전의 히트를 기록하며 그에게 생애 첫 싱글 차트 정상의 영광을 안겨주었으며 앨범도 차트 정상을 호령하며 500만장의 판매고를 수립했다. 그와 짐 스타인먼이 모두 존경해마지 않는 바그너(Wagner) 식의 웅장하고 드라마틱한 음악요소들과 < 미녀와 야수 > < 엘리펀트 맨 > < 터미네이터 > 등의 영화에 기초한 싱글의 뮤직비디오 역시 화제를 불러 모았다. 후속 싱글 ‘Rock and roll dream come through’(13위), 긴 제목의 ‘Objects in the rear view mirror may appear closer than they are(백미러의 물체는 실제보다 가까이 보인다)’(38위)도 호응을 얻는 화려한 재기였다. 재기 여파를 타고 2년 뒤인 1995년에 다시 앨범 < Welcome To The Neighborhood >를 내놓았다. 여성 작곡가 다이안 워렌(Dianne Warren)이 쓴, 전작과 유사한 느낌을 준 록발라드 ‘I’d lie for you’(13위)로 저력을 발휘했지만 그것으로 다시 도래한 스타덤은 끝이었다. 2003년, 8년 만의 스튜디오 앨범인 < Couldn’t Have Said It Better >을 내놓고 다시 한번의 영광을 꿈꾸었지만 세인의 관심에서 이미 멀어진 상태였다. 그는 1994년과 1996년 내한한 바 있다. < Discography > 1971 Stoney & Meat Loaf 1977 Bat out of Hell 1981 Dead Ringer 1985 Bad Attitude 1986 Blind Before I Stop 1987 Live 1993 Bat out of Hell II: Back Into Hell 1995 Welcome to the Neighborhood 2003 Couldn’t Have Said It Better
노래 : James Brown (제임스 브라운,James Joseph Brown Jr.)
‘펑크(Funk)의 선구자’, 혹은 ‘소울의 대부’ 등의 화려한 수식어로 지금까지도 후배 뮤지션들에게 존경받고 있는 제임스 브라운(James Brown)은 1960, 70년대에 걸친 시기에 전성기를 구가하며 한 시대를 풍미했던 흑인 소울 싱어다. 가스펠에 뿌리를 둔 음악적 자양분을 바탕으로 그는 결국 소울에서 리듬 앤 블루스에 이르기까지 광범위한 장르 해석을 이끌며 ‘아메리칸 블랙 뮤직’의 혁명을 몰고 온 인물로... ‘펑크(Funk)의 선구자’, 혹은 ‘소울의 대부’ 등의 화려한 수식어로 지금까지도 후배 뮤지션들에게 존경받고 있는 제임스 브라운(James Brown)은 1960, 70년대에 걸친 시기에 전성기를 구가하며 한 시대를 풍미했던 흑인 소울 싱어다. 가스펠에 뿌리를 둔 음악적 자양분을 바탕으로 그는 결국 소울에서 리듬 앤 블루스에 이르기까지 광범위한 장르 해석을 이끌며 ‘아메리칸 블랙 뮤직’의 혁명을 몰고 온 인물로 평가받기도 했다. 소위 ‘Mr. 다이너마이트’라고 불려질 정도로 폭발적인 보이스를 지녔던 브라운은 자신의 매력이라 할만한 흡입력 강한 목소리를 바탕으로 펑키(Funky), 소울, R&B 같은 흑인장르를 토해내며 수많은 음반을 레코딩했고, 정열적인 무대매너를 앞세워 왕성한 음악활동을 보여줬다. 특히 라이브 공연에서 그의 재능은 개성 넘치는 플레이의 광분과 더불어 운동선수와도 흡사한 스태미나와 순간적인 타이밍에서 놀라운 기량을 선보였다. 게다가 그가 온몸으로 절규하듯 내지르는 울분과 광기에 가까운 몸짓은 그 당시 미국사회에서 굴욕적인 삶을 살아가던 흑인들에게는 커다란 위안이었고, 또한 백인들마저도 그 열정에 매료되어 감탄과 박수를 보낼 지경이었다. 흑인들의 핏속에 흐르고 있는 자유에 대한 갈망 역시 그의 음악에서 중요한 포인트가 되었다. 싱어 송 라이터와 프로듀서로서의 능력을 동시에 겸비할 정도로 뛰어난 음악성을 지녔던 그의 존재는 엇비슷한 시기에 등장한 레이 찰스(Ray Charles)나 샘 쿡(Sam Cooke)과 같은 소울 싱어들과 라이벌로 비견되기도 했다. 뿐만 아니라 비슷한 장르를 일궈냈던 슬라이 앤 더 패밀리 스톤(Sly & the Family Stone)이나 조지 클린턴(George Clinton)과도 비교 대상이었지만, 그 분야에서 일찌감치 여타 아티스트보다 펑크(Funk)를 먼저 시도했던 인물로 지금까지도 널리 팝 인구에 회자되고 있다. 1933년 미국 남부의 시골태생으로 어린 시절 빈민가에서 성장한 제임스 브라운은 파워풀하며 깊이 있는 자신의 목소리가 주위에 알려지면서 금새 유명세를 타기 시작했다. 그러던 중 브라운은 1940년대 중반 소울 싱어 바비 버드(Bobby Byrd)의 도움을 받아 그와 함께 가스펠 그룹에서 노래를 하면서 본격적인 음악의 길로 접어들었다. 이후 제임스 브라운은 1956년 ‘Please, please, please’(5위)를 발표하면서 공식적인 첫 데뷔를 장식했다. 이 싱글은 미국과 영국에서 호평을 얻어냈고, 1959년에 발매된 두 번째 싱글 ‘Try me’(48위)의 성공으로 브라운은 히트퍼레이드를 만들어가기 시작했다. 1960년대로 넘어오면서 브라운은 자신의 끼가 묻어난 개성 넘치는 스타일을 선보이며 싱글 ‘Think’(33위), ‘Night train’(35위), Prisoner of love(18위), ‘Out of sight’(24위), ‘I got you (I feel good)’(3위) 등을 히트시켰으며 공연 실황을 담아낸 < Live At The Apollo >(1963)을 통해서 브라운은 음악 인생의 획기적인 전환점을 마련했다. 지금까지도 그의 최고 작품으로 손꼽히는 이 라이브 앨범과 1965년에 발매된 < Papa’s Got A Brand New Bag >의 연이은 상업적 성공으로 브라운은 백인들에게도 자신의 존재를 깊이 각인시켜주는 계기를 만들었다. 계속해서 그는 1969년 < Say It Loud I’m Black I’m Proud >를 발표하며 일련의 기간동안 흑인 음악계 최고의 슈퍼스타덤에 올랐다. “나는 흑인이고, 흑인으로 태어난 것이 무척이나 자랑스럽다.” 이렇게 외쳐대는 이 작품에서 브라운은 연인을 떠나보내는 심경을 애절하게 표현한 ‘Goodbye my love’(9위)와 소울 필이 가득한 ‘Licking stick’(2위) 등 그만의 열정이 녹아든 곡들을 수록하며 소울 싱어로서의 명성을 이어나갔다. 1970년대에 접어들면서 브라운은 당시 라이브로 녹음한 더블 앨범 < Sex Machine >(1970)을 발표했고, 국내 CF에 쓰여지면서 너무나도 유명해진 ‘It’s a man’s man’s man’s world’ 같은 곡을 배출해냈다. 또한 이듬해부터 < Hot Pants >(1971), < Get on the Good Foot >(1972)등이 계속해서 히트했고, 골드를 기록한 음반 < The Payback >(1973), < Hell >(1974)을 발표하며 의욕적인 음악활동을 계속해나갔다. 하지만 1970년대 중반이후부터 브라운은 뮤지션으로서 퇴보의 길을 걷게된다. 그간 조금씩 쌓여갔던 개인적인 재정난과 마약문제로 결국 감옥투옥 선고를 받았던 것이다. 그 이후로 브라운은 별다른 왕성한 활동을 이어가지 못하다가 오랜만에 ‘Living in america’(4위)를 히트시킨 < Gravity >(1986)와 2년 뒤 < I’m Real >(1988)을 발표하며 1980년대 말까지 음악활동의 명맥을 이어갔다. 제임스 브라운의 음악은 후대에 와서 랩/힙합 뮤지션들의 앨범에 종종 샘플로 쓰여지면서 다시금 재평가 받기에 이르렀고, 현재 팝 계에서는 예전보다 훨씬 더 영향력 있는 뮤지션으로 남아있다. 비평가들 사이에서도 록음악과 흑인음악에 걸쳐서 꼭 집고 넘어가야 할 가장 중요한 뮤지션중의 한 명으로 손꼽을 만큼 음악을 통해서 분출하고자 했던 그의 혁명과도 같았던 메시지는 강렬했다. 1980년대 후반에 접어들면서 브라운은 이런저런 가정적 불화와 개인적 사생활의 비극까지 겹치면서 음악활동 또한 저조한 결과만을 가져왔다. 1990년대에는 힙합 비트를 시도한 < Universal James >(1992)를 발표했고, 새롭게 자신의 부활을 알리려고 시도했던 < I’m Back >(1998)같은 음반을 발표해 음악계에 다시 돌아왔음을 선언했지만 대중들에게 별다른 호응은 얻지 못했다. 하지만 음악으로 인생의 모든 것을 바쳤던 제임스 브라운. 이제 후배 뮤지션들에 의해서 그의 존재는 지금까지도 격상되고 있다.
2002년 그래미상 시상식에서 핵심부문인 ‘올해의 곡’(Song of the year)과 ‘최우수신인’상을 포함해 ‘여성 R&B 보컬’ ‘R&B 앨범’ ‘R&B 송’ 등 5개 부문을 석권한 앨리샤 키스(Alicia Keys)는 뉴 밀레니엄 초반의 R&B 음악양식을 대표하는 가수라고 할 수 있다. 어번(Urban) R&B라고 단순 정의할 수 없을 만큼 전통과 현대가 절묘하게 조화된 고유상표의 음악을 들려준다. 귀에... 2002년 그래미상 시상식에서 핵심부문인 ‘올해의 곡’(Song of the year)과 ‘최우수신인’상을 포함해 ‘여성 R&B 보컬’ ‘R&B 앨범’ ‘R&B 송’ 등 5개 부문을 석권한 앨리샤 키스(Alicia Keys)는 뉴 밀레니엄 초반의 R&B 음악양식을 대표하는 가수라고 할 수 있다. 어번(Urban) R&B라고 단순 정의할 수 없을 만큼 전통과 현대가 절묘하게 조화된 고유상표의 음악을 들려준다. 귀에 잘 들리는 피아노 멜로디를 바탕으로 펼쳐지는 가스펠을 연상시키는 소울 식의 고전적 창법이 트레이드마크이며, 이 때문에 1970년대 여성 소울의 거성인 로버타 플랙(Roberta Flack)과 자주 비교되곤 한다. 하지만 재래의 미학만을 고집하는 복고형 R&B라고 하기보다는 거기에다 현대적 힙합 분위기를 삼투한 최신 스타일을 부각한 것을 특징으로 한다. 어반이란 수식어가 붙는 것도 그 때문이다. 이를테면 과거 블루스와 재즈에 뿌리를 둔 음악을 현대적 창구로 전달하는 셈인데 실제로 피아노의 선율, 1970년대 풍의 소울 창법, 세련된 힙합 분위기가 어울린 그녀의 ‘모던한’ 데뷔 앨범 [Songs In A Minor]는 2001년에 발표되어 화려히 인기차트를 누볐다. 미국 뉴욕 토박이로 1982년에 태어난 앨리샤 키스는 어렸을 적부터 음악을 자신의 미래분야로 삼아 맨하탄의 퍼포먼스 아트 스쿨(Performance Art School)에서 합창을 훈련했고 10대 내내 피아노교습에 열중한다. 이 합창과 피아노는 훗날 데뷔 앨범의 분위기를 결정하는 가장 중요한 요소로 작용하게 된다. 아울러 피아노 외의 다른 악기 연주는 물론, 작곡 편곡 등 음악작업 전반에 걸친 실력과 감각을 쌓았다. 고교를 졸업한 16살에 명문 콜롬비아 대학에 입학했지만 음악에 대한 꿈을 버리지 못해 학업을 도중 포기했고 대신 1998년 명문 레코드사인 아리스타(Arista)와 계약을 체결한다. 아리스타 사장이었던 클라이브 데이비스(Clive Davis)에 의해 픽업된 관계로, 그가 1999년 아리스타를 떠나 새로운 레이블 제이(J)를 출범시키자 앨리샤도 그를 따라 제이 레코드사로 적을 옮기게 된다. 19살이던 2001년 데뷔 앨범 [Songs In A Minor]이 발표되었고 이 음반은 데뷔와 동시에 빌보드 앨범 차트 정상을 밟는 스매시 히트를 기록했다. 특히 자신이 프로듀스한 첫 싱글 ‘Fallin’’은 전미차트 2주간 1위를 차지했다. 그녀의 각별한 신구(新舊)결합형 음악은 시장 뿐 아니라 마침내 아메리칸 뮤직 어워즈 그리고 그래미상이라는 공인 절차마저 거뜬히 통과했다.
R&B, 소울 가수 R&B, 소울 가수
노래 : Sly & The Family Stone (슬라이 앤 더 패밀리 스톤)
1944년 달라스 태생인 흑인 실베스터 스튜어트(Sylvester Stewart/별명이 슬라이 스톤)가 이끈 그룹. 샌프란시스코에서 성장하면서 히피의 개혁 사조에 공감, 사이키델릭한 소울에 정치색과 사회성이 강한 노래들을 불렀다. ‘Don’t call me nigger, Whitey(날 검둥이라고 부르지 마, 흰둥이야!)’란 제목의 노래가 말해준다. 메시지보다 더 영감을 준 것은 리더 슬라이 스톤이 펼쳐내는 변화... 1944년 달라스 태생인 흑인 실베스터 스튜어트(Sylvester Stewart/별명이 슬라이 스톤)가 이끈 그룹. 샌프란시스코에서 성장하면서 히피의 개혁 사조에 공감, 사이키델릭한 소울에 정치색과 사회성이 강한 노래들을 불렀다. ‘Don’t call me nigger, Whitey(날 검둥이라고 부르지 마, 흰둥이야!)’란 제목의 노래가 말해준다. 메시지보다 더 영감을 준 것은 리더 슬라이 스톤이 펼쳐내는 변화무쌍한 폴리리듬이었다. 때문에 펑크(funk)의 원조로 항상 제임스 브라운(James Brown)과 함께 언급되며 나중의 디스코에도 길을 열어준 ‘리듬의 선구자’로 평가된다. 재즈의 거성 마일스 데이비드(Miles David)도 펑크(funk)에 관심을 가졌을 때 이들의 음반을 열심히 들었을 정도. 흑인가수의 경우 단일 곡이 팔릴 뿐 앨범판매는 저조한 관행에도 이 그룹의 앨범은 잘 팔렸다. 1970년 히트곡 모음집은 판매고 500만장을 상회했다. 하지만 슬라이 스톤은 마약에 찌들어 1970년대 중반부터는 급격히 내리막길로 빠졌다. 천재는 기인임을 말해주는 사례. 대표곡으로는 ‘Dance to the music’, ‘Everyday people’, ‘Hot fun in the summertime’ 등이 있다.
우피 골드버그가 주연한 < 시스터 액트2 >를 본 사람은 영화 속에서 가수가 되고 싶어하던 흑인 소녀를 기억할 것이다. 그의 이름은 로린 힐이다. 로린 힐은 자라서 아이티 출신의 흑인 남자 프라스, 그의 사촌 와이클레프와 함께 3인조 그룹 ‘푸지스’(Fugees)를 결성해 진짜 가수가 된다. 푸지스의 신보 < 스코어(The Score) >는 전미 앨범 차트에 정상에 오르면서 지금까지 3백만장이 팔려나가는 선풍적인... 우피 골드버그가 주연한 < 시스터 액트2 >를 본 사람은 영화 속에서 가수가 되고 싶어하던 흑인 소녀를 기억할 것이다. 그의 이름은 로린 힐이다. 로린 힐은 자라서 아이티 출신의 흑인 남자 프라스, 그의 사촌 와이클레프와 함께 3인조 그룹 ‘푸지스’(Fugees)를 결성해 진짜 가수가 된다. 푸지스의 신보 < 스코어(The Score) >는 전미 앨범 차트에 정상에 오르면서 지금까지 3백만장이 팔려나가는 선풍적인 인기를 모으고 있다. 꿈을 거의 완벽하게 성취해낸 셈이다. 로린 힐을 보면 푸지스가 순풍에 돛단 듯 인기가도를 질주해온 것 같지만 다른 두 멤버의 경우는 그렇지 않다. 그룹 이름 푸지스는 ‘난민’이란 뜻의 레푸지스(Refugees)를 줄여 쓴 것이다. 왜 두 사람이 난민인가? 이들은 어린 나이에 아이티에서 미국으로 이주해 차별 대우를 받으며 어렵게 성장했다. 그러나 이들이 당한 차별 대우는 백인 사회에서 흑인이 당하는 인종적 설움만이 아니다. “우린 흑인이므로 인종차별로부터 탈출하고 싶다. 그런데 가끔 미국 흑인들까지 우리가 아이티 출신이라는 이유로 차별하는 경우가 있었다. 이중으로 차별을 받았던 것이다. 로린의 경우는 여성이라는 이유만으로 또한 나름대로의 차별을 받고 있다.” 푸지스는 “그럴 때는 정말 어디론가 도망칠 곳이 있어야 한다”고 결론 내린다. 푸지스란 팀 이름은 기존 사회의 틀에서 벗어나거나 망명하려는 이들의 의지를 함축한다. 이들이 차별에 저항하는 메시지를 힙합을 기본으로 하는 목소리로 끊임없이 내뱉는 것은 당연한 수순이었을 것이다. 이들은 힙합과 랩을 토대로 하면서 솔, 펑크, 리듬 앤 블루스, 레게 등을 감칠나게 혼합하여 전혀 다른 분위기의 음악을 만들어 냈다. 일례로 ‘킬링 미 소프틀리(Killing me softly)’는 1973년 로버타 플랙이 불러 유명한 솔의 고전으로 힙합으로 새롭게 각색한 것이다. 그동안 위축되어 있다가 최근 다시 부상하고 있는 이른바 네오 솔(neo soul)에 해당한다. 이들은 또한 밥 말리의 레게 명곡 ‘여자들이여 울지 말아요(No woman, no cry)’를 자기 스타일로 리메이크했으며, ‘패밀리 비즈니스(Family business)’에서는 그 유명한 ‘알함브라의 궁전’의 도입 기타 연주 부분을 샘플링해 삽입했다. 이 때문에 낯선 힙합이 비교적 친근하게 다가온다. 음악은 단순하고 재미있어야 하지만 무엇보다 ‘개성’이 있어야 한다는 사실을 푸지스를 통해 재확인하게 된다. 또한 흑인에게 음악은 탈출구 역할을 한다는 사실도 절감한다.
노래 : Boz Scaggs (보즈 스칵스)
보즈 스캑스(Boz Scaggs)는 1970년대에 빌리 조엘(Billy Joel)과 함께 쓸쓸하고 고독한 도시의 삶을 음악으로 표현한 소위 ‘시티 뮤직’이란 스타일을 정의한 남성 송라이터로 국내에선 리타 쿨리지(Rita Coolidge)의 리메이크 버전으로 유명한 ‘We’re all alone’의 오리지널 가수다. 그의 음악은 고가의 양복을 입은 남성이 벽난로가 있는 고층 아파트에서 와인을 마시며 화려한 야경을 ... 보즈 스캑스(Boz Scaggs)는 1970년대에 빌리 조엘(Billy Joel)과 함께 쓸쓸하고 고독한 도시의 삶을 음악으로 표현한 소위 ‘시티 뮤직’이란 스타일을 정의한 남성 송라이터로 국내에선 리타 쿨리지(Rita Coolidge)의 리메이크 버전으로 유명한 ‘We’re all alone’의 오리지널 가수다. 그의 음악은 고가의 양복을 입은 남성이 벽난로가 있는 고층 아파트에서 와인을 마시며 화려한 야경을 감상하듯 세련되고 멋지지만 그 속에는 그런 인생을 영위하기 위해 포기해야만 했던 가치를 잃고 외로움에 지친 우리들의 삶을 노래한다. 그래서 더 사무치는 감정의 과잉이 느껴진다. 1944년 6월 8일 오하이오 주에서 윌리암 조이스 스캑스(William Joyce Scaggs)로 태어난 보즈 스캑스는 텍사스 주, 댈러스에서 청소년 시절을 보냈는데 바로 여기서 스티브 밀러(Steve Miller)를 만난다. 음악으로 통한 그는 스티브 밀러와 함께 마스크맨(Maskmen)이란 블루스 스타일의 음악을 추구하는 그룹에서 기타리스트 겸 보컬리스트로 활동하다가 1960년대 후반부터 본격적인 개인 활동에 전념하기 시작했다. 이전까지 다섯 장의 음반이 실패해 오랫동안 마음을 졸인 보즈 스캑스는 토토(Toto)를 결성하게 되는 초일류 세션맨들이 참여한 여섯 번째 솔로앨범 < Silk Degrees >로 드디어 금광을 캤다. 38위까지 오른 첫 싱글 ‘It’s over’를 비롯해 ‘What can I say(42위)’, ‘Lido shuffle(11위)’ 그리고 그의 이름을 한 단계 격상시킨 디스코 명곡 ‘Lowdown’까지 모두 네 곡이 인기 차트에 입성해 대중들과의 접촉에 성공했다. 몇 년 후에 토토의 드러머가 될 제프 포카로(Jeff Porcaro)의 연주와 건반의 데이비드 페이치와 보즈 스캑스가 공동으로 작곡한 ‘Lowdown(3위)’은 그래미에서 최우수 리듬 앤 블루스 노래로 선정되어 그 진가를 인정받았다. 특히 이 음반에는 지금까지 국내에서 꾸준히 애청되는 ‘We’re all alone’이 수록되어 있지만 싱글로 발표하지 않았다가 여가수 리타 쿨리지(Rita Coolidge)가 리메이크해서 싱글 차트 7위를 차지하는 히트를 기록했다. 인지도가 상승한 보즈 스캑스는 ‘Ghostbusters’로 유명한 흑인 기타리스트 겸 싱어 송라이터인 레이 파커 주니어(Ray Parker Jr.)가 참여한 흥겨운 넘버 ‘Jojo(17위)’와 존 트라볼타와 데보라 윙어가 주연한 영화 < 어반 카우보이 >에 삽입된 발라드 ‘Look what you’ve done to me(14위)’ 그리고 ‘Miss sun(14위)’ 같은 노래들로 1980년대 초반까지 그 인기 곡선을 탔지만 1980년대 후반까지는 자신의 나이트클럽 사업 때문에 음악활동을 접었다. 8년만인 1988년에 정규앨범 < Other Roads >를 발표해 발라드 싱글 ‘Heart of mine(35위)’을 차트에 올린 후 지금까지 아무런 히트 곡을 생산하지 못하고 있지만 4장의 정규앨범과 무대 활동을 통해 어덜트 컨템포러리 팬들과 함께 자신들의 향수를 공유하고 있다.
노래 : Simon & Garfunkel (사이먼 앤 가펑클)
멤버 : 폴 사이먼(Paul Simon, 보컬), 아트 가펑클(Art Garfunkel, 기타, 보컬) 멤버 : 폴 사이먼(Paul Simon, 보컬), 아트 가펑클(Art Garfunkel, 기타, 보컬)
노래 : Bob Dylan (밥 딜런 ,Robert Allen Zimmerman)
밥 딜런의 발자취는 거대하다. 그 이름은 마치 선대의 성인(聖人)처럼 하나의 위엄으로 우리를 억누른다. 딜런과 그의 음악을 피해 가는 것은 ‘록 역사에 대한 접근’을 포기하는 것과 같다. 그를 아는 것은 납세와 같은 신성한 의무에 다름 아니다. 미국의 음악계와 학계에서 ‘딜런 읽기’는 실제로 교양필수 과정으로 인식되어 있다. 그는 록의 40년 역사에서 엘비스 프레슬리(Elvis Presley), 비틀스(The B... 밥 딜런의 발자취는 거대하다. 그 이름은 마치 선대의 성인(聖人)처럼 하나의 위엄으로 우리를 억누른다. 딜런과 그의 음악을 피해 가는 것은 ‘록 역사에 대한 접근’을 포기하는 것과 같다. 그를 아는 것은 납세와 같은 신성한 의무에 다름 아니다. 미국의 음악계와 학계에서 ‘딜런 읽기’는 실제로 교양필수 과정으로 인식되어 있다. 그는 록의 40년 역사에서 엘비스 프레슬리(Elvis Presley), 비틀스(The Beatles) 그리고 롤링 스톤즈(Rolling Stones)와 함께 최정상의 위치를 점한다. 그러나 이들 ‘전설의 빅 4’ 가운데에서도 딜런이 남긴 궤적은 차별화 아닌 특화(特化)되어 역사를 장식한다.

얼핏 그의 위상은 ‘실적주의’로 따질 때 매우 허약해 보인다. 엘비스, 비틀스, 롤링 스톤즈는 그 화려한 전설에 걸맞게 무수한 히트곡을 쏟아냈다. 넘버 원 히트곡만 치더라도 엘비스는 18곡(통산 2위), 비틀스는 20곡(1위), 스톤즈는 8곡(11위)이나 된다. 하지만 딜런은 그 흔한 차트 1위곡 하나가 없다. ‘Like a rolling stone’과 ‘Rainy day woman #12 & 35’ 등 두 곡이 2위에 오른 것이 고작이다. 차트 톱 10을 기록한 곡을 다 합쳐봐야 4곡에 불과할 뿐이다. 그에게 대중성이란 어휘는 어울리지 않는다. 상업적이란 말과는 아예 인연이 없다. 이렇듯 실적이 미미한 데도 록의 역사는 마치 신주 모시듯 그를 전설적 존재로 떠받드는 이유는 무엇일까? 비틀스, 스톤즈, 엘비스는 차트 정복 외에도 또 다른 공통점이 있다. 비록 그 가지는 다를지언정 ‘록의 스타일 확립’ 이라는 몸체는 유사하다는 것이다.

비틀스는 록의 예술적 지반을 확대했고, 스톤즈는 록에 헌신하며 형식미를 완성했고, 엘비스는 록의 정체성을 부여했다고들 한다. 분명히 딜런도 몸체에 자리한다. 깃털은 결코 아니다. 그러나 타(他) 3인의 몸체가 외양이라면 그는 ‘내면’ 이라고 할 수 있다. 바로 노랫말이요, 메시지다. 왜 이것이 중요한가? 음악은 사운드와 형식만으로 이미 메시지가 아닌가? 하지만 그것은 그렇게 단순한 문제가 아니다. 로큰롤이 폭발하여 확산되던 시점인 1950년대, 즉 엘비스가 활약하던 당시에 로큰롤은 메시지가 없었다. 1960년대 들어서 비틀스가 미국을 급습해 록의 르네상스를 일궈내고 있던 때까지도 록은 의미있는 가사와 격리된 상태였다. 그래서 의식계층으로부터 멸시를 당했다. 그 때 밥 딜런이 있었다. 비틀스는 누구보다 먼저 딜런의 위력을 절감했다. 그의 포크 사운드와 메시지를 귀담아 듣고 그것을 자신들의 음악에 적극 수용한다. 1965년말 < Rubber Soul > 앨범의 수록곡인 ‘In my life’, ‘Girl’, ‘Norwegian wood’ 등에서 ‘톤 다운’ 을 드러내며 메시지를 잠복시킨 것은 전적으로 딜런의 영향 때문이었다.

밥 딜런은 실로 대중 음악의 지성사(知性史)를 이룬다. 타임(Time)지의 제이 칵스는 1989년 기사에서 다음과 같이 묻는다. “존 업다이크의 소설과 밥 딜런의 앨범 가운데 어느 것이 미국인들의 삶에 보다 자극을 주었는가? 존 업다이크 쪽에 표를 던진 사람이라면 이 기사를 여기까지 읽지도 않았을 것이다” 그의 가사는 그러나 때론 메시지의 파악이 어려운 ‘난해한 현대시’ 와 같다. 밑줄 긋고 열심히 분석해도 도대체 명쾌하지가 않다. 1960년대 중반 < Another side of Bob Dylan >, < Bring it all black home >, < Highway 61 revisited >가 연속 발표되었을 때, 미국 각 대학의 영문과에 ‘밥 딜런 시분석’ 강좌 개설이 유행한 것은 우연이 아니다. 우리의 팝팬들에게 딜런이 상대적으로 소원한 이유가 여기에 있을 것이다. 미국인들에게도 이 정도인데 영어의 벽에 막혀 있는 우리가 어찌 그를 쉽게 수용할 수 있었겠는가. 때문인지 음반마저 제대로 소개되지 않았다. 초기곡으로 알려진 것은 그나마 메시지가 확연한 ‘Blowin’ in the wind’정도였다. 하지만 그것도 1970년대 중반의 금지곡 태풍으로 반전(反戰) 노래라는 낙인이 찍히면서 방송과 판매가 금지되었다. 그 외 우리 팝 인구에 회자된 노래로 ‘One more cup of coffee’나 ‘Knockin’ on heaven’s door’가 있다. 그러나 그의 대표곡 반열에도 오르지 못하는 ‘One more cup of coffee’가 통한 것은 단지 낭만적 제목과 함께 친숙한 선율 때문이었을 뿐, 딜런의 음악 세계에 대한 천착의 결과물은 전혀 아니었다. ‘Knockin’ on heaven’s door’ 인기의 영예도 실은 건스 앤 로지스가 더 누렸다.

극소수의 곡을 제외하고 밥 딜런은 우리에게 인기가 없었다. 비틀스, 스톤즈, 엘비스에 비한다면 엄청난 ‘부당 대우’였다. 언어 장벽과 무관한 음악 스타일 측면에서도 우리의 ‘홀대’ 는 마찬가지였다. 멜로디가 그럴싸한 곡이 있더라도 풍기는 내음이 지극히 ‘미국적’ 이었기에 우리의 청취 감성은 딜런을 꺼리곤 했다. 그의 음악 세계라 할 포크, 컨트리, 블루스는 미국 전통과 긴밀한 함수 관계를 지닌다. 선율과 사운드의 영국적인 맛에 길들여진 우리로서는 그의 음악에 잠기기가 쉽지 않았던 것이다. 그런 사이에 우린 어느덧 딜런과 크게 멀어져버렸다. 록의 흐름을 거슬러 올라가다가 꼭 딜런에서 막힌다. 신세대 가운데 더러는 우리의 팝 수용 문화에서 딜런 공백이 가져온 취약성을 맹렬히 질타하기도 한다. 우리 기준에서의 ‘팝 음악 여과’는 바람직하고 필요하다. 그러나 의역은 정확한 직역이 기초돼야 올바르다. 미국의 해석을 전제한 뒤라야 우리식 필터링의 의의가 배가된다.

그 직역의 첫 번째 대상이 바로 밥 딜런이다. 밥 딜런이 미국의 현대 음악사에서 큰 비중을 차지하는 이유는 그의 음악몸체가 곧 시대와 세대의 흐름을 떠안고 있기 때문이다. 딜런의 음악이 변화하는 과정과 그것을 있게 한 배경, 또한 그것을 주도해간 그의 자세는 ‘음악외적 환경’과 긴밀한 관계가 있다. 먼저 포크 록(Folk-Rock)이다. 그가 1960년대 초반 저항적인 모던 포크로 베이비 붐 세대를 견인했다는 사실을 모르는 사람이 없다. 통기타만으로 연주되는 단순한 구조이지만 그것의 포획력은 비틀스가 사정권에 들어올 만큼 대단한 것이었다. 비틀스가 베이비 붐 세대를 발현시켰다면 그는 그들의 의식화를 유도했다. 그러나 딜런은 케네디의 피살에 자극받으면서 스스로 ‘위기감’ 을 불어넣는다. 이미 비틀스가 세대의 청취 볼륨을 증폭시킨 마당에 포크의 음량 가지고 과연 세대를 관통할 수 있을까 하는 의구심에서 비롯된 것이었다.

1971년 그는 이렇게 술회한 바 있다. “그들(비틀스)은 아무도 하지 않은 것을 하고 있었다. 그들의 코드는 정말 도에 지나친 것이었지만 하모니가 그것을 타당하게끔 했다. 그러나 맹세하건데 난 정말 그들에게 빠졌다. 모두들 그들이 어린 10대를 위한 광대이며 곧 사라질 것이라고들 했다. 그러나 내겐 명확했다. 그들이 지속력을 갖고 있다는 사실이. 난 그들이 음악이 가야할 방향을 제시하고 있다는 걸 알았다. 내 머리 속에는 비틀스가 전부였다.” 그는 일렉트릭 기타를 잡아야 했다. 그것이 포크 록이었다. 포크의 순정파들로부터 배신자라는 질타는 불 보듯 뻔했다. 그가 뉴포트 포크 페스티벌에서 알 쿠퍼(Al Kooper), 마이크 블룸필드(Mike Boomfield)가 참여한 버터필드 블루스 밴드(Butterfield Blues Band)와 함께 전기 기타 연주를 했을 때 관중들은 “이건 포크 공연이야 나가!”라고 야유하며 돌과 계란 세례를 퍼부었다. 무대에서 내쫓긴 그는 통기타를 들고 되돌아왔지만 의미심장한 ‘It’s all over now’, ‘Baby blue’를 부르며 포크 관객들에게 아듀를 고했다. 껄끄러운 통과의례를 거친 뒤 밥 딜런의 포크 록은 ’Like a rolling stone’의 빅히트와 함께 만개했다. 이젠 막을 자도 없어졌다. 포크 록은 당시에 막대한 영향력을 발휘했다. ‘존 레논과 밥 딜런을 결합해야 한다’는 것을 인식한 그룹 버즈(Byrds)는 ‘Mr. Tambourine man’으로 인기 가도를 질주했다. 그러나 그 곡은 딜런의 작품이었다.

버즈 뿐만 아니라 당시 포크 록계열 뮤지션치고 딜런의 곡을 손대보지 않은 사람은 없었다. 단숨에 포크 록은 1960년대 록의 주류로 부상했다. 1960년대 중.후반을 강타한 싸이키델릭 록(제퍼슨 에어플레인, 그레이트풀 데드)도 실상 포크 록에 영향받은 흐름이었다. 그럼 어째서 포크 록은 1960년대 청춘들을 사로잡아 그들의 의식을 대변할 수 있었을까? 비틀스가 딜런에게 배우고, 딜런이 비틀스로부터 영감을 얻은 ‘포크와 록의 결합’ 은 시대성 견인을 가능케 한 절묘한 무브먼트였다. 록은 생태적으로 거리의 청춘에 의해 확립된 ‘하위문화적 표현’이다. 따라서 하이 클래스나 인텔리겐차와는 일정한 거리를 둔다. 또한 포크는 저항성을 견지하는 민중 음악이지만 음악의 주체나 주소비자층은 학생과 지식인 세력이다. 성질상 엇비슷하면서도 걸어온 길이나 ‘계급성’은 엄연히 다른 것이다. 밥 딜런이 포크 오리지널로부터 급격히 퇴각하여 록으로 전향한 것은 단지 추세의 편승이 아닌 완전함을 향한 ‘하층문화의 긴급 수혈’로 보인다. 이를테면 ‘위’의 고매한 문제의식과 ‘아래’의 근원적 반항을 한고리로 엮는 것이다. 그러면서 저항 영역의 지반 확대와 수요자의 확충을 기할 가능성은 올라가게 된다.

지식인만이 아닌 1960년대 젊은이들의 ‘계층포괄적 무브먼트’ 는 포크 록과 이 점에 있어 밀접한 관계를 맺는다. 1960년대 중후반을 물들인 ‘히피보헤미안’ 물결도 딜런과 떼어낼 수 없는 흐름. 1960년대 록 역사에서 두 번째로 중요한 부분이다. ‘Like a rolling stone’은 포크 지식인의 소리라기보다 보헤미안적 정서의 노출로 파악해야 한다. 당시 딜런은 가치의 상대성을 신뢰하고 제도에 흡수되기룰 거부하는 이른바 비트(Beat) 사상에 빠져 있었다. 그가 진보적 시인인 알렌 긴스버그(Allen Ginsberg)와 교류하며 ‘개인 혁명’에 골똘해 있을 때가 바로 이 무렵이다. 비트는 이후 히피의 융기에 주요 인자가 되는데, 1960년대 중반 딜런의 음악을 가로지르는 것이 바로 이 ‘히피 보헤미안 정서’라 할 수 있다. 스스로 록 세계로 옮아가고 방랑적 지향을 설파한 것은 기존과 기성의 틀 깨기에 목말라 있던 베이비 붐 세대들에게 영도자가 제공한 ‘산교육’과 다름없었다. 따라서 밥 딜런은 그에게 등을 돌린 포크 근본주의자들의 수보다 휠씬 더 많은 록팬을 거뜬히 확보하게 된다. 음악적으로 딜런의 창작성이 이 때만큼 가공의 위력을 떨친 적도 없다. < Highway 61 Revisited >와 < Blonde On Blonde > 앨범은 포크의 엄숙주의에서 해방되어 록과의 결합으로 자유분방한 이미지를 포획한 결과였다. 그리고 그 음악은 ‘남을 위해’ 이데올로기에 봉사한 결과가 아니라 자신의 즐거움이 가져온 산물이기도 했다. 그가 포크의 프로테스트로부터 이탈한 것은 바로 ‘자유’와 등식화되는 ‘예술성’을 찾기 위한 노력이었다.

그는 저항성 대신 예술성을 얻었다. 개인적 경사도 겹쳤다. 사적으로 사라 로운즈와의 결혼은 그의 창작력 한층 북돋아주었으며 그 충만한 행복감은 그대로 < Blonde On Blonde > 앨범에 나타났다. 이 앨범의 탁월한 질감은 상당부분 사라와의 결혼이 낳은 것이라는 게 평자들의 일치된 시각이다. 나중 사라와의 파경 또한 그에게 또 하나의 명반 < Blood On The Tracks >를 안겨준다. 히피의 낭만적인 집단주의와 곧바로 이어진 이피(Yippie)의 전투성이 극에 달할 무렵 그가 뉴욕의 외곽 빅 핑크(Big Pink) 지하실에서 한가로이 더 밴드(The Band)의 멤버들과 자유 세션을 즐기고 있었다는 사실은 아이러니컬하다. 불의의 오토바이 사고가 가져온 행보이기도 했지만 그가 의도적으로 은둔을 택한 것은 분명했다. 세상이 소란함으로 가득할 때 그는 정반대로 정적을 취한 것이다, 그는 자신이 물꼬를 터준 미국 사회의 격랑이 결국 아무런 소득도 없을 것으로 예측했는지도 모른다. 세대의 공동체 지향은 지극히 ‘비이성적’으로 비춰졌을 테고 오히려 그는 그럴수록 자신에게 돌아와 근본을 탐구하는 것이 올바른 행위라고 여겼던 것 같다. 그러한 심저(心底)가 < John wesley Harding >과 < Nashiville Skyline >의 골간에 자리한다. 이 작품들에서 그는 ‘뜻밖에’ 재래식 컨트리 음악을 선보였다. 두 앨범은 모두 내쉬빌에서 녹음되었고 < Nashiville Skyline >의 경우 딜런은 컨트리 음악의 거성 자니 캐시(Johnny Cash)와 듀오로 ‘Girl from the north country’에서 다정히 호흡을 맞추기도 했다. 이 앨범에서 톱 10 히트곡 ‘Lay lady lay’가 나왔다. 이 곡을 비롯해 대부분의 수록곡에서 딜런의 보컬은 예의 날카로움이 거세된 채 한결 부드러워졌고 가사도 접근이 비교적 용이해지는 등 멜로딕한 무드가 전체를 지배했다. 다시 세상은 소용돌이에서 호수의 조용함으로 돌아왔다. 그것이 1970년대 초반의 분위기였다. 딜런이 씨앗을 뿌린 ‘컨트리 록’ 은 1970년대 내내 주요 장르 중 하나로 맹위를 떨쳤다.

딜런은 언제나 흐름의 주역이었다. 나중 음반화된 더 밴드와의 세션 앨범 < Basement Tapes >가 록 역사에서 ‘특혜’를 받는 것도 이러한 배경 속에서 이해되어야 할 것이다. 1970년대 들어서 그는 ‘대중적’ 관점에서 뿌리에 대한 천착에 박차를 가했다. 예전에 그는 ‘좋은 사람만 따르면’ 된다는 생각이었다. 그러나 이제는 ‘사람이 많이 따를수록 좋다’는 쪽으로 입장을 정리했다. 그가 1970년 < Self Portrait > 앨범에서 ‘Moon river’를 포함한 팝 스탠다드 넘버들을 노래한 것은 이러한 사고와 맥락이 닿아 있을 것으로 생각된다. 그러나 대부분의 비평가들이 눈을 흘겼다. 레코드 월드(Record World)지는 이 앨범을 두고 “혁명은 끝났다. 밥 딜런이 ‘미스터 존스’에게 ‘Blue moon’을 불러주고 있다”며 혹평했다.(미스터 존스는 딜런이 < Highway 61 Revisited >의 ‘Ballad of thin man’에서 “여기에 무슨 일이 일어나고 있는지 알아, 존스 씨?”라고 했던 가공의 인물로 ‘제도권 인사’를 상징한다.) 빌보드 차트3위에 오르는 성공을 거두었지만 이처럼 평단의 이해를 구하는 데는 실패했다. 그러나 < Self Portrait >앨범을 상업적 표현으로 볼 수는 없다. 비판의 칼을 휘두르는 비평가들도 그렇게 생각하진 않는다. 근본을 탐구하는 방법론의 연장선에서 파악하는 것이 보다 정확하다. 딜런이 1970년대 후반부에 기독교에 귀의한 것도 비슷한 문맥으로 풀어야 할 것이다. 사실 신(神)에의 의지가 엿보인 < Show Train Coming >, < Saved >, < Shot Of Love > 등 3장의 종교풍 음반은 ‘사고의 깊이’가 두드러졌지만 ‘변신’이라는 부정적 의미에 가치가 함몰되었다. 많은 사람들이 1970년대 딜런을 ‘혼미의 거듭’으로 규정한다. 표면적으로는 그렇다. 그러나 그것을 뒤집어보면 그는 자신의 사고와 감정에 충실했다는 얘기가 된다. 이것이야말로 아티스트의 본령이다. 밥 딜런은 언제나 음악을 통해 세상과 삶의 근본 원리를 탐구하고자 했다.

1980년대의 밥 딜런은 1970년대의 습기를 벗고 ‘열기’를 회복한다. 정치적 시각도 이입한 < Infidels >, < Empire Burlesque > 그리고 1989년에 나온 < Oh Mercy >는 이전의 앨범들과 명백한 분리선을 긋는다. 날카로운 보컬은 오히려 1960년대의 모습에 더 가깝다. 그는 1980년대 중반 라이브 에이드(Live Aid), 아파르트헤이트에 반대하는 아티스트의 모임(Sun City) 등 일련의 자선행사에 얼굴을 내밀어 저항 전선에 복귀했다. 한 무대에서 그는 U2의 보노(Bono)와 함께 ‘Blowin’ in the wind’를 부르기도 했다. 딜런의 1980년대 앨범들에는 당시의 보수적이고 위압적 풍토를 거부하는 저항성이 숨쉰다. 그는 시대의 주류 한복판에는 없었지만 ‘시대의 공기’와 늘 함께 호흡했다. 그 공기를 어떤 때는 앞장 서 조성하고 어떤 때는 그것을 피해갔다. 밥 딜런의 한 면만을 바라보게 되면 그의 진면목을 알 수 없다. 그가 서 있던 ‘양쪽’ 자리를 다 관찰해야만 그 ‘드라마틱한 록 역사의 굴곡’ 을 읽을 수 있다. 록의 역사는 실로 위와 아래, 진보와 보수, 주류와 비주류, 기존과 대안이 끊임없이 부침을 되풀이 해왔다. 밥 딜런이 밟아온 길은 그것의 축소판이었다. 그러나 어떤 시점에서라도 - 가령 프로테스트의 깃발을 울렸을 때나, 대중성에 기웃거렸을 때나 - 딜런이 주변의 압박에 수동적으로 임한 적은 없다. 남이 시켜서 일렉트릭의 세계로 떠밀려 간 것이 아니었고, 의도적으로 신비를 축적하기 위해 은둔했던 것도 아니다. 그의 터전은 언제나 자신의 의지가 지배하는 세계였다. 비평가들이 밥 딜런을 전설로 숭앙하는 것은 그가 대중 음악계에서는 보기 드문 ‘음악의 주체’이기 때문이다. 그런 사람이야말로 음악인의 최고 영예인 ‘아티스트’란 소리를 들어 마땅했다. 그는 록에 언어를 불어넣었다. 포크와 컨트리를 록의 영역으로 끌어들였다. 시대와 맞서기도 했고 자신의 예술성에 천착하기도 했다. 그러한 업적과 성과의 편린들이 모여 그의 ‘광활한 아티스트의 세계를 축조하고 있다. 밥 딜런은 역사의 수혜와 위협 속에서 ‘인간’을 살려냈다. 음악인으로서 인간의 몸체는 다름 아닌 자유일 것이다. 밥 딜런의 위대함이 바로 여기에 있다.
노래 : Janis Joplin (제니스 조플린)
샌프란시스코 히피 시절을 수놓은 로큰롤의 화신이자 그 무렵의 ‘백인 블루스’ 열풍에 불을 댕긴 여걸이다. 1943년 텍사스 포트아더에서 출생해 히피 라이프스타일에 끌린 채 1966년에 홀연히 샌프란시스코로 올라왔다. 사이키델릭 록 밴드 빅 브라더 & 홀딩 컴퍼니(Big Brother & Holding Company)에 리드 싱어로 합류해 마치 무당 같은 광기로 무대를 평정, 관객들의 전율을 일으켰다. 한 인터뷰에... 샌프란시스코 히피 시절을 수놓은 로큰롤의 화신이자 그 무렵의 ‘백인 블루스’ 열풍에 불을 댕긴 여걸이다. 1943년 텍사스 포트아더에서 출생해 히피 라이프스타일에 끌린 채 1966년에 홀연히 샌프란시스코로 올라왔다. 사이키델릭 록 밴드 빅 브라더 & 홀딩 컴퍼니(Big Brother & Holding Company)에 리드 싱어로 합류해 마치 무당 같은 광기로 무대를 평정, 관객들의 전율을 일으켰다. 한 인터뷰에서 “언젠가 한 콘서트에서 2만5천명 관객과 섹스하고 그런 뒤 집에 홀로 가는 내용의 노래를 쓸 것”이라고 한 말은 소외와 폭발로 점철된 히피 세대정서를 축약한다. 1968년 그룹을 나온 뒤는 비교적 잔잔한 블루스로 전향했지만, 마약과용으로 27살의 꽃다운 나이인 1970년에 불운한 생을 마감했다. 사후 발표된 노래 ‘Me and Bobby McGee’는 추모열기로 빌보드 정상을 점했다. 하지만 대표작은 ‘어떻게 저런 노래가 나오나?’하는 경탄을 부르는 1967년 앨범의 ‘Ball and chain’과 ‘Summertime’.
록 밴드 록 밴드
노래 : Tammy Wynette (태미 와이네트)
1990년대 초반 국내에서 컨트리 곡들의 인기는 대단했다. 우리나라에서 최초로 100만장의 판매고를 보인 < 보디가드 > 사운드트랙에 수록된 휘트니 휴스턴(Whitney Houston)의 ‘I will always love you’를 비롯해 4인조 보컬 그룹 올 포 원(All 4 One)의 ‘I swear’, ‘I can love you like that’ 등의 원곡은 모두 컨트리 아티스트의 노래였다. ‘I wi... 1990년대 초반 국내에서 컨트리 곡들의 인기는 대단했다. 우리나라에서 최초로 100만장의 판매고를 보인 < 보디가드 > 사운드트랙에 수록된 휘트니 휴스턴(Whitney Houston)의 ‘I will always love you’를 비롯해 4인조 보컬 그룹 올 포 원(All 4 One)의 ‘I swear’, ‘I can love you like that’ 등의 원곡은 모두 컨트리 아티스트의 노래였다. ‘I will always love you’는 ‘9 to 5''로 유명한 돌리 파튼(Dolly Parton)이 1974년에 발표한 노래이고, ‘I swear’와 ‘I can love you like that’은 남성 컨트리 싱어 존 마이클 몽고메리(John Michael Montgomery)의 원곡을 커버한 것이다. 1946년 1월 19일 컨트리 음악의 심장부 테네시 주에서 출생한 돌리 파튼은 작사, 작곡은 물론 영화 배우와 TV 프로그램 사회자로도 활동하는 컨트리 계의 만능 엔터테이너이자 실력자다. 1960년대 컨트리 싱어 포터 와고너(Porter Wagoner)와 결혼 반지를 주고받은 그녀는 1960년대 후반에 발표한 음반들을 통해 차세대 컨트리 음악의 기대주로 인정받기 시작했고, 30여 년이 지난 현재는 컨트리 음악계의 거목으로 대우 받고 있다. 그러나 이 은발의 컨트리 여성 싱어에 대한 국내 팬들의 관심은 1980년대 영화 < 나인 투 파이브 >가 개봉하면서 드높아졌다. 영화의 주연도 맡고 주제가도 불러 제작비를 절감하는데 혁혁한 공을 세운 그녀는 이 곡으로 컨트리 차트는 물론 생애 처음으로 싱글 차트에서도 정상을 차지하면서 미국을 넘어 전 세계적인 만능 연예인으로 급부상했다. 이후 영화 출연에 적극적이었던 돌리는 버트 레이놀즈(Burt Reynolds), 실베스터 스탤론(Sylvester Stallone) 등과 함께 스크린에 모습을 보였다. 그렇다고 그녀는 자신의 존재 가치를 부여하는 음악을 소홀히 하진 않았다. 거의 매년 새로운 음반을 발표했고, 1983년에는 비지스(Bee Gees)의 배리 깁(Barry Gibb)이 작곡한 ‘Islands in the stream’을 케니 로저스(Kenny Rogers)와 듀엣으로 취입해 다시 한번 싱글 차트를 탈환했다. 이 곡에서 케니 로저스가 돌리 파튼의 보컬에 눌린 듯한 인상을 지울 수 없을 정도로 그녀의 보컬이나 곡의 소화력은 압권이었다. 그러나 밀물로 들어왔으면 썰물로 나가는 것이 세상의 이치. 1980년대 초반 이렇듯 화려한 시절을 보냈지만 1980년대 중반에는 그녀의 음악 인생 중 가장 우울한 시기를 겪게 된다. 더 이상 컨트리 팝은 컨트리 팬들은 물론 팝 팬들에게도 어필하지 못했다. 그 타개책으로 이 영특한 가수가 선택한 것은 린다 론스태드(Linda Ronstadt), 에밀루 해리스(Emmylou Harris)와 함께 정통 컨트리로 회귀한 음반 < Trio >였다. 그 당시 랜디 트래비스(Randy Travis)를 중심으로 신 전통주의 컨트리가 개화하려던 시점을 정확히 포착한 이 앨범으로 그녀는 다시 한번 멋지게 부활했다. 돌리 레베카 파튼(Dolly Rebecca Parton-본명)은 현재까지 새로운 앨범을 제작하고 구상하면서 컨트리 음악계의 지존으로 남아 있다. Hello Dolly!
노래 : Roy Orbison (로이 오비슨 )
로이 오비슨(Roy "Kelton" Orbison)은 1936년 텍사스주 버논(Vernon)에서 태어났다. 6살 때부터 기타를 연주했던 그는 10대에 ’윙크 웨스터너스(Wink Westerners)’라는 밴드를 결성하여 인기를 얻는 등 어린 시절부터 천재로 두각을 나타냈다. 1956년 그룹명을 텐 킹스(The Ten Kings)로 바꾸고 버디 할리(Buddy Holly)의 프로듀서였던 노만 페티(Norman Pe... 로이 오비슨(Roy "Kelton" Orbison)은 1936년 텍사스주 버논(Vernon)에서 태어났다. 6살 때부터 기타를 연주했던 그는 10대에 ’윙크 웨스터너스(Wink Westerners)’라는 밴드를 결성하여 인기를 얻는 등 어린 시절부터 천재로 두각을 나타냈다. 1956년 그룹명을 텐 킹스(The Ten Kings)로 바꾸고 버디 할리(Buddy Holly)의 프로듀서였던 노만 페티(Norman Petty)와 함께 작업하며 첫 히트곡인 ‘Ooby dooby’를 발표한다. 하지만 1950년대 그의 주요 관심사는 작곡에 있었다. 싱어송라이터로서 인정받고 싶었던 그는 자작곡인 로크롤 넘버 ‘Only the lonely’를 당시 최고의 자리에 올라있었던 엘비스 프레슬리(Elvis Presley)와 에버리 브러더스(Everly Brothers)에게 권했지만 거절을 당하자 “내가 직접 노래하겠다”며 직접 이 곡을 녹음한다. 우수 가득하면서도 고음에서 불안한 듯한 독특한 목소리와 발군의 곡 제조로 록 역사에 길이 남게되는 로이 오비슨의 본격 가수인생은 이렇게 우연한 계기로 시작된다. 흥겨운 후렴 구를 가지고 있었던 ’Only the lonely’는 스피드와 파워가 특징이던 당시의 로큰롤과 분리 선을 그으며 인기를 누린다. 이 곡은 1960년 전미차트 2위에 올랐고 영국 차트에선 정상을 차지했다. 이후 그의 인기는 눈부셨다. 귀에 쏙쏙 들어오는 훌륭한 멜로디와 서정적인 보컬은 여타 음악과는 완전 차별되면서, 1960년대 중반까지 타의 추종을 불허하는 히트행진을 이어간다. 1961년 ’Running scared’가 미국차트 정상을 밟았고 1964년에는 ‘Pretty woman’가 비틀매니아에 굴하지 않고 다시 차트정상에 올랐다. 1960년 ‘Blue angel’을 비롯해 1961년 ’Crying(2위)’, 1962년 ‘Dream baby’, 1963년 ‘In dreams’, ‘Mean woman blues’, 1964년 ‘It’s over(9위, 영국1위)’ 등은 모두 톱10에 진입했다. 하지만 그의 인기는 음악 외적인 면 때문에 제동이 걸려야 했다. 1966년 그의 아내 클라우데트(Claudette)가 자신의 오토바이 뒤에서 떨어져 죽는 어처구니없는 사고를 맞았고, 그 슬픔이 잊혀질 새도 없이 이듬해에는 집에 불이 나 두 아들이 화재로 죽게된다. 이 사건들이 일어난 이후 그에게는 ‘비운의 스타’라는 호칭이 계속해서 따라다니게 되다. 큰 슬픔을 여러 차례 겪은 후 활동은 암흑기에 접어들어 싱글 하나 제대로 히트하지 못했고, 라이브 공연도 가지지 않았다. 1960년대 초반을 풍미한 가수로 사라져가던 그였지만 전성기가 오로지 1960년대인 것만은 아니었다. 그의 우수한 곡들은 후대의 많은 아티스트들에 의해 다시 대중들에게 알려지게 되었다. 1976년 그의 컴필레이션 앨범이 영국 차트에서 두각을 나타내었고, 1977년 린다 론스태드(Linda Ronstadt)가 ‘Blue bayou’를 리메이크해 오리지널 뮤지션으로 재조명되는 순간을 맞았다. 결국 1980년대 시작과 함께 재기한다. 그 해 늦은 봄 에밀루 해리스(Emmylou Harris)와 함께 영화 주제곡인 ‘That lovin’ you feelin’ again(55위)’를 부르며 가수활동을 재개하게 됐고 옛 명성에 걸맞게 해리스와 함께 그래미상을 거머쥔다. 오랜 공백을 깨고 재기한 그에게 많은 사람들이 힘을 실어주는데, 1980년 수잔 잭스(Susan Jacks)가 그의 곡 ‘Evergreen’을 리메이크했으며, 1981년 돈 맥클린(Don McLean)이 그의 곡 ’Crying’(88년 K.D. Lang과 듀엣으로 다시 불러 영화 ’하이딩 아웃(Hiding out)’에 삽입되었다.)을 불러 빅히트를 기록했다. 1985년에 데이비드 린치 감독이 영화 < 블루 벨벳 >(Blue velvet)에 ‘In dreams’를 삽입한 것도 로이 오비슨 재림(再臨)을 도왔다.(’In dreams’는 국내에서도 영화 음악으로 사랑 받으며 친숙한 곡으로 자리해있다.) 후배들의 협조로 그는 1987년 로큰롤 명예의 전당에 추대되는 영광을 누리기에 이른다. 자신감을 회복한 그는 거물들의 프로젝트 그룹인 트래블링 윌베리스(Traveling Wilburys)에 가담하게 된다. 이 그룹의 멤버는 한 명만으로도 영광스러울만한 이름인 조지 해리슨(George Harrison), 밥 딜런(Bob Dylan), 톰 페티(Tom Petty) 그리고 이엘오(ELO)의 리더 제프 린(Jeff Lynne)으로 짜여졌고 데뷔 앨범 < Mystery Girl >에는 엘비스 코스텔로(Elvis Costello), 브루스 스프링스틴(Bruce Springsteen), 유투(U2)가 참여했다. 하지만 ‘비운의 스타’ 로이 오비슨은 자신의 별명대로(?) 이 역작의 완성을 보지 못하고 1988년 갑작스런 심장마비로 세상을 떠나게 된다. < Mystery Girl >은 1989년 그의 사후에 발매되었고, 비운의 스토리와 앨범 참여 면면들의 명성이 겹치면서 그의 앨범 중 가장 성공한 앨범이 된다. 이 가운데 싱글 ‘You got it’은 차트9위에 올라 정확히 25년 만에 톱10을 기록했다. 하지만 사후에도 그의 노래는 영화 삽입과 후배 아티스트들의 리메이크를 통해 부활을 계속했다. 1991년 넘버원 히트곡인 ’Pretty woman’이 동명영화에 삽입되어 오비슨 열풍을 야기했고, 같은 해 그와 함께 노래했던 동료, 후배 가수들이 그와 함께 불렀던 곡들을 모아 < A Black And White Night Live >라는 앨범을 발표했으며, 이 앨범으로 사후에 그래미상 최우수 남성 보컬상을 수상하는 이색적인 사건이 연출되기도 하였다. 또한 영화 보이즈 온더 사이드(Boys on the Side)에 ‘You got it’이 보니 레이트(Bonnie Raitt)에 의해 리메이크 되어 히트했다. 로이 오비슨은 최고의 전성기였던 1950년대 엘비스라는 거대한 존재로 인해 정상의 자리에 오르지 못했고, 1960년대 역시 비틀즈라는 거대한 존재 앞에 고개를 숙여야 했다. 날개를 펴야 할 1970년대는 자신 앞에 닥친 비극으로 좌절해야 했으며, 후배들의 도움으로 화려하게 일어선 1980년대는 어이없는 죽음으로 사라져야 했다. 비운으로 점철된 음악역정이었으나 팝 역사는 그 비운을 환대로 바꿔 기록했다. 끊임없는 역사적 재조명은 시공을 막론하고 그의 노래가 애청되는 길을 터 주었다.
1983년 후반, 두 백인 여성 가수의 데뷔곡이 2개월의 짧은 간격을 두고 빌보드 싱글 차트에 나란히 등장했다. 본의 아니게 시작부터 라이벌 관계를 형성하게 된 두 여가수의 경합은 1980년대 동안 가장 흥미롭고(본인들에게는 피 말리는 싸움이었겠지만) 긴장감 넘치는 팝의 핫 이슈였다. 두 여인은 1983년 10월에 데뷔 싱글을 차트에 등록시킨 이후 현재까지 20년이 달하도록 사그라지지 않는 창작력을 과시하는, 매... 1983년 후반, 두 백인 여성 가수의 데뷔곡이 2개월의 짧은 간격을 두고 빌보드 싱글 차트에 나란히 등장했다. 본의 아니게 시작부터 라이벌 관계를 형성하게 된 두 여가수의 경합은 1980년대 동안 가장 흥미롭고(본인들에게는 피 말리는 싸움이었겠지만) 긴장감 넘치는 팝의 핫 이슈였다. 두 여인은 1983년 10월에 데뷔 싱글을 차트에 등록시킨 이후 현재까지 20년이 달하도록 사그라지지 않는 창작력을 과시하는, 매브릭 음반사의 CEO 마돈나(Madonna)와 2개월 늦게 인기차트에 합류했지만 고지를 선점하고 나선 끝내 마돈나에게 밀려버린 ‘귀여운 악녀’ 신디 로퍼(Cyndi Lauper)다. 마돈나의 ‘Holiday’와 신디 로퍼의 ‘Girls just want to have fun’은 아직까지 그들을 정의하는 대표 곡으로 남아 있다. 선의의 경쟁이 시작된 지 20여 년이 흐른 현재, 레이스의 최후 승자는 알다시피 마돈나다. 그것도 판정승 아닌 분명한 KO승이다. 그러나 그들이 풋풋했던 데뷔 시절, 둘의 위치는 지금과 정반대였다. 애초 평단에서 마돈나는 ‘아니 벌써’의 반짝 스타로, 신디 로퍼는 ‘장수 만세’의 아티스트로 전망되었다. 평론가들이 신디 로퍼를 높이 산 이유는 페미니즘을 남근의 음악인 록과 포스트 펑크가 어우러진 ‘뉴 웨이브’로 설파했다는 점과, 마돈나처럼 섹시한 외모나 춤으로 판단되지 않기 위해 일부러 약간은 덜 섹시한 이미지를 고집하면서 음악으로 당당하게 자신의 가치를 인정받길 원했기 때문이다. 그녀의 이러한 독립적인 태도는 고등학교 중퇴, 소규모 클럽에서의 노래 시작, 자신이 결성한 밴드 블루 엔젤(Blue Angel)의 상업적인 실패와 파산, 그리고 남자 친구와의 불화 등 온갖 산전수전을 겪으면서 터득한 그녀의 인생관이 배양했다. 30살의 나이에도 불구하고 의연하게 망가질(?) 수 있는 자신감은 바로 이 굴곡의 삶을 극복한 인간승리의 드라마에서 비롯된 떳떳함이 원천이다. 그녀의 성공을 가져온 많은 요인들 중에서 가장 중요한 것은 시대적인 요구에 정확히 부응했다는 점이다. 소녀적 감성을 읊은 신디의 밝고 통통 튀는 가사는 그 시대 정서의 흐름을 타고 대중들을 심각하고 무거운 주제로 괴롭히지 않았으며, 당대의 뉴 미디어인 MTV의 지원사격을 받은 것이었다. 10대 소녀들을 정신 없으면서도 쾌활하게 묘사한 뮤직비디오 덕분에 데뷔 싱글 ‘Girls just want to have fun’은 차트 2위라는 스매시 히트를 치면서 이 신인 여가수의 시대가 화려하게 개막했음을 알렸다. 이 곡이 수록된 솔로 데뷔 앨범 < She’s So Unusual >에서는 발라드인 ‘Time after time(1위)’과 ‘She bop(3위)’, ‘All through the night(5위)’, 그리고 ‘Money changes everything(27위)’를 포함해 5곡이 빌보드 싱글 차트를 유린하면서 그 무렵 완벽하게 재기에 성공한 티나 터너(Tina Turner)와 함께 1984년 팝 음악계를 가장 화려하게 수놓은 인물이 되었다. 그래미상도 펄펄 난 그녀를 응대해 신인상 트로피를 안겼다. 그 해 마돈나는 그래미상 후보에도 오르지 못한 것을 비교하면 당시 마돈나와 신디 로퍼의 위상이 어땠는지를 알 수 있다. 1985년에는 어린이들을 위한 영화 < 구니스 >의 주제가 ‘The goonies ‘r’ good enough(10위)’로 기세를 유지했지만 이듬해 1986년 가을에는 두 번째 대결인, 이른바 ‘True 경쟁’을 통해 신디는 마침내 마돈나에게 추월을 당했다. 록, 팝, 펑크, 뉴웨이브, 펑크(funk), 레게 등 젊은층에 어필할 수 있는 색조의 음악을 자신이 원하는 방향으로 재구성해 큰 성공을 낚은 < She’s So Unusual >에 비해 두 번째 앨범 < True Colors >는 그녀 특유의 톡 쏘는 감각이 많이 희석된 대중적 팝으로 약간 빛깔을 달리했다. 앨범의 타이틀 트랙 ‘True colors’로 두 번째 차트정상의 영광을 안고, ‘Change of heart(3위)’와 ‘What’s going on?(12위)’, ‘Boy blue(71위)’가 연속으로 차트를 밟았지만 기존 팬들은 성인 취향의 팝으로 전향한 신보에 적지 않게 실망했고, 이 LP를 기점으로 그녀는 하향 곡선을 그리기 시작했다. 앨범 판매량도 전작 600만장에서 200만장(현재)으로 격감했다. 반면 경쟁자 마돈나의 < True Blue >는 700만장이나 팔려나갔다. 1989년에 공개된 세 번째 음반 < A Night To Remember >에서는 싱글 ‘I drove all night(6위)’와 ‘My first night without you(62위)’가 차트에 등장하긴 했지만 어느덧 음악적인 매력은 뚝 떨어져있었다. 반면 마돈나는 역작 < Like A Prayer >를 발표해 음악적인 면과 대중적인 면 모두를 포유(包有)하면서 5년간의 라이벌 대결은 마돈나의 완승으로 결판이 났다.(신디 로퍼는 그러나 새 앨범의 홍보 차원으로 내한공연을 가져 국내 팬들에게 시원스런 무대를 선사했고 공연실황이 TV로도 방송되어 열기를 현장에서 맛보지 못한 많은 사람들을 달래주었다). 1993년과 1998년에는 < A Hat Full Of Stars >와 < Sisters Of Avalon >을 발표해 재기를 노렸지만 결과는 참패였다. 1994년에는 < 12 Deadly Cyns And Then Some >이라는 제목의 베스트 음반을 공개해 ‘Girls just want to have fun’을 리믹스한 ‘Hey now(87위)’로 마지막 희미한 불꽃을 태웠다. 이 곡은 또한 1970년대 팝 그룹 레드본(Redbone)의 히트곡 ‘Come and get your love(댄스 팝 그룹 리얼 맥코이가 커버해 1995년 19위)’를 샘플링했으며 1995년 웨슬리 스나입스(Wesley Snipes)와 패트릭 스웨이즈(Patrick Swayze)가 주연한 영화 < 투 웡 푸 >(To Wong Foo)에 삽입되었다. 흑인 싱어송라이터 루더 밴드로스(Luther Vandross)는 신디 로퍼의 노래 실력을 두고 “팝의 디바 휘트니 휴스턴에 견주어도 전혀 뒤지지 않는다”고 밝힌 바 있다. 데뷔 싱글 ‘Girls just want to have fun’과 1960년대 틴 아이돌 팝 가수 진 피트니(Gene Pitney)의 오리지널을 재해석한 ‘I’m gonna be strong’, 그리고 ‘My first night without you’, ‘True colors’ 등은 그녀의 뛰어난 곡 소화력을 가감 없이 보여준다. 하지만 데뷔 초기의 우스꽝스러운 외모와 펑크적인 스타일에 의해 굳어진 ‘왈패’ 이미지로 인해 그녀의 음악적 진가는 과소평가 받기 일쑤였으며, 성인 취향의 팝 록으로 변신하자 많은 팬들은 그녀에게서 등을 돌렸던 것이다. 이제는 많이 잊혀졌지만 신디 로퍼의 이미지는 여전히 많은 팬들의 뇌리에 박혀있다. 깜직한 소녀(계집애?) 목소리, 중고품 할인가게 풍의 패션, 레슬링을 즐기는 여성 그리고 MTV 시대. 하지만 무엇보다 팬들은 그녀를 통해 그 시절에 ‘여자들은 단지 재미를 원한다’는 것을 알았다. 그런 의미에서 신디 로퍼야말로 ‘1980년대 팝의 바로미터’라고 할 것이다. 그 시대를 그녀만큼 ‘비범하게’ 산 사람도 없다.
노래 : REO Speedwagon (알이오 스피드웨건)
꾸준함은 모든 난관을 극복하게 하며 끈기는 외로움을 이겨낼 수 있는 의지를 부여한다. 이 소박하고도 당연한 불변의 진리는 대중 음악계에서도 변함 없이 적용된다. 상업적인 성공이나 명성에 연연하지 않고 자신의 일에 미쳐 초지일관으로 몰두할 수 있다는 것은 크나큰 행복인 동시에 자신감이다. 아무도 알아주지 않는 10년 이상의 무명 생활을 그루터기처럼 꿋꿋하게 감내해 낸 알이오 스피드왜건(REO Speedwagon)은... 꾸준함은 모든 난관을 극복하게 하며 끈기는 외로움을 이겨낼 수 있는 의지를 부여한다. 이 소박하고도 당연한 불변의 진리는 대중 음악계에서도 변함 없이 적용된다. 상업적인 성공이나 명성에 연연하지 않고 자신의 일에 미쳐 초지일관으로 몰두할 수 있다는 것은 크나큰 행복인 동시에 자신감이다. 아무도 알아주지 않는 10년 이상의 무명 생활을 그루터기처럼 꿋꿋하게 감내해 낸 알이오 스피드왜건(REO Speedwagon)은 밴드 결성 12년만인 1980년 아홉 번째 정규 앨범 < High Infidelity >로 정상의 인기를 구가한 대기만성형인 성인 취향의 팝록 그룹이다. 팝음악 계에서는 변방으로 꼽히는 미국 일리노이즈 주에서 건반 주자 닐 도티(Neal Doughty)와 드러머 알란 그랫처(Alan Gratzer)라는 두 젊은 대학생을 중심으로 개리 리치라스(Gary Richrath/기타), 그레그 필빈(Gregg Philbin/베이스), 마이크 머피(Mike Murphy/보컬)가 의기투합한 팀이 1968년에 결성된 알이오 스피드왜건이다. 팀의 목소리는 곧 전직 포크 싱어였던 케빈 크로닌(Kevin Cronin)으로 바통터치 되어 변화를 시도했지만 이들의 성공은 요원해 보였다. 그러자 당시 이 5인조 밴드는 그 타개책으로 ’질보다 양’의 물량 공세 전략을 택했다. 이들은 1971년부터 거의 매년 발표한 앨범과 이 음반들을 지원 사격하기 위해 1년에 250일 이상 강행군된 공연 활동을 통해 자신들의 입지를 넓히고자 했다. 하지만 1970년대 당시 인기의 주류를 이루고 있던 고난도의 연주 테크닉과 파워를 바탕으로 하는 하드록과 헤비메탈, 쾌락의 정점을 보여준 디스코, 그리고 그 정반대의 대칭점에 위치한 소프트 록에 근거한 발라드, 그 어느 쪽에도 명쾌하게 포함되지 못한 알이오 스피드왜건은 1980년 < High Infidelity >를 발판으로 삼아 메이저리거로 올라서기 전까지 ’Ridin’ the storm out(94위)’, ’Roll with the changes(58위)’, ’Time for me to fly(77위)’ 같은 극히 미미한 히트 싱글만을 배출한 마이너리거였다. 이 무명 밴드는 1980년대를 맞이하면서 라디오와 싱글에 초점을 맞춘 감각적인 멜로디로 무장하기 시작했다. 국내 주류 광고에도 사용되었던 불후의 넘버원 발라드 ’Keep on loving you’를 시발점으로 ’Take it on the run(5위)’, ’Don’t let him go(24위)’, 그리고 우리나라 팝팬들이 전폭적인 지지를 보낸 ’In your letter(20위)’가 수록된 < High Infidelity >는 현재까지 900만장 이상이 팔려 다이아몬드 레코드(천만장 이상)를 목전에 두고 있으며, 1982년에 발표한 차기 작품 < Good Trouble >에서는 싱글 ’Keep the fire burnin’’을 7위까지 올려놓았지만 이러한 성공적인 결과와는 달리 음악 평론가들은 이들의 노래가 팬들의 유행 감각에 쉽게 좌우되는 상업 음악의 정점이라며 고개를 가로 저었다. ’Keep on loving you’와 함께 자신들의 발라드 대표곡으로 투 톱을 이루는 ’Can’t fight this feeling(1985년 3주간 1위)’과 ’One lonely night(19위)’, ’Live every moment(34위)’로 다시 한번 인기몰이에 성공한 알이오 스피드왜건은 결성 당시의 초심으로 돌아간 록트랙 ’That ain’t love(16위)’와 국내에서 높은 인기를 누린 ’In my dreams(19위)’ 등으로 1980년대 말까지 그 명성을 이어갔지만 이후 음악 토양이 완벽하게 바뀐 1990년대에 적응하지 못하고 싱글 차트에서는 명예퇴직을 하게 되었다. 현재 이들은 같은 성향의 동료 밴드들인 스틱스(Styx), 포리너(Foreigner), 저니(Journey), 플리트우드 맥(Fleetwood Mac) 등과 함께 전 미국을 순회하는 공연에 동참하고 있다.
노래 : Sara Bareilles (사라 바렐리스)
노래 : Frank Sinatra (프랭크 시나트라,Francis Albert Sinatra)
스타 앞에서 소녀 팬들이 괴성을 지르다 졸도하는 장면은 팝 음악 또는 록 음악의 무대에서만 발견되는 히스테리적 광경이다. 비틀스, 베이 시티 롤러즈, 마이클 잭슨, 뉴 키즈 온 더 블록 등이 그런 장면 하면 떠오르는 스타들일 테지만, 그 부문의 원조는 역시 시대적으로 가장 앞선 50년대의 슈퍼스타 엘비스 프레슬리가 될 것이다. 하지만 엘비스 이전에 십대 소녀의 아우성과 기절 소동을 일으킨 스타가 분명히 있었다. ... 스타 앞에서 소녀 팬들이 괴성을 지르다 졸도하는 장면은 팝 음악 또는 록 음악의 무대에서만 발견되는 히스테리적 광경이다. 비틀스, 베이 시티 롤러즈, 마이클 잭슨, 뉴 키즈 온 더 블록 등이 그런 장면 하면 떠오르는 스타들일 테지만, 그 부문의 원조는 역시 시대적으로 가장 앞선 50년대의 슈퍼스타 엘비스 프레슬리가 될 것이다. 하지만 엘비스 이전에 십대 소녀의 아우성과 기절 소동을 일으킨 스타가 분명히 있었다. 그 주인공은 40년대의 빅 스타 프랭크 시나트라가 되는 셈이다. 40년대를 통해 그는 여성팬의 인기를 독차지했다. 42년 그가 ‘타미 도시와 그의 오케스트라’의 싱어로 활약하면서 뉴욕의 파라마운트 극장 무대에서 공연을 가졌을 때 수많은 여고생들이 입장하려고 줄을 서서 기다렸다. 당시는 ‘빅 밴드’가 위세를 떨치던 시절이었지만 소녀들은 빅 밴드의 음악을 감상하기 위한 것이 아니라 밴드의 젊고 깡마른 가수를 보려고 벌떼처럼 몰려든 것이었다. 그가 무대에 입장해 노래를 부르기 시작하자 객서의 십대 소녀들은 목청이 터져나가도록 소리를 내질렀고 급기야 복도에서 졸도하기까지 했다. 물론 이때 졸도한 소녀들 가운데는 홍보 전략의 일환으로 돈을 주고 고용한 사람도 끼어 있었다는 보도가 이어져 ‘흠집’을 남겼지만 대부분의 여자들은 자발적으로 참여했다. 현대의 ‘팝 히스테리’가 탄생된 순간이었다. 44년 10월에 있었던 파라마운트 공연에서는 무려 2만 5천명의 틴에이저들이 거리를 막고 아우성치는 대소동이 일어나 십대 우상으로서의 그의 면모가 재확인되었다. 그래서 한때 시나트라는 ‘졸도 유발의 황제’ ‘수백만을 전율시키는 목소리’(나중에는 단축되어 ‘목소리’)라는 닉네임이 붙기도 했다. 젊음의 음악인 록 뮤직이 아닌 당시의 팝, 그것도 ‘어른적인’ 스탠다드 팝을 가지고 소녀 관객의 흥분을 자극했다는 점은 실로 기념비적이었다. 그만큼 그는 충분한 매력을 소지하고 있었다. 그때는 전시(戰時)였고 젊은 남자들이 징병으로 끌려가 없고 여성들 가슴에 고독이 엄습해 왔을 때 ‘이웃집 청년’같은 그는 알맞은 해소 상대가 되었던 것이다. 프랭크 시나트라는 1915년 뉴 저지주 호보큰시에서 태어났다. 어렸을 때부터 노래부르는 재질이 뛰어나 고교 때는 교내 합창단을 조직하기도 했으면 졸업 후에는 신문을 나르는 트럭 운전사, 스포츠 기고가로 활약했다. 36년 빙 크로스비의 공연을 보고 가수가 되기로 결심했고, 이듬해 팝계에 데뷔했다. 그 후 그는 십대 소녀의 우상이 되었고 팝계뿐 아니라 영화계도 섭렵, 전천후 스타로 명성을 휘날렸다. 80세를 목전에 둔 지금도 활약을 계속하여 ‘팝 뮤직의 살아 있는 역사’로 불려지고 있다. 그는 장구한 세월을 거치는 동안 대부분의 음악팬들에게 ‘품위있는 노신사’, ‘노래하는 예술가’ 등 좋은 이미지를 남겼다. 그러나 그는 대중음악계 ‘보수 진영의 원로’라는 지적을 받을 만큼 보수의 목소리를 대변, 비판적 시각의 젊은이들로부터는 적지 않은 비난세례를 받기도 했다. 그는 청년 세대의 우상으로 무대생활이 펼쳐졌지만 그의 시대 이후 등장한 젊은 감각의 노래에는 등을 돌렸다. 그는 40년대부터 지금에 이르기까지 기성세대와 ‘중산층의’ 대중음악인 스탠다드 팝만을 고수했다. 그가 선 무대는 늘 그런 음악에 걸맞는 고급 사교홀이나 서민층은 접근하기 어려운 대극장이었다. 편안하게 연예계를 주름잡고 있던 그는 50년대 중반 일대 위기를 맞았다. 대중음악계에 록 뮤직이 침투한 것이었다. 그는 뉴 뮤직인 록큰롤이 팝계를 강타하고 젊은층을 장악하게 되면서 스탠다드 팝의 인기가 폭락하자, 즉각 위기관리자의 역할을 자처하여 록에 대한 비판의 선봉장으로 나섰다. 이때 그의 나이 이미 사십대에 들어서 리듬이 강한 록 음악을 그가 수용하는 것 자체가 힘들기도 했지만 그것에 대한 시각은 너무도 강경했다. 그는 58년 의회의 연단에 등장, 록 음악의 폐해를 증언했다. 여기서 그는 록큰롤을 “가장 야수적이고 절망적이고 추하며 사악한 표현양식”이라고 성토했다. 또 록큰롤 하는 가수들은 저능한 되풀이와 교활하고 저속한, 단순하게 말하면 더러운 노랫말로 십대를 유혹하는 ‘백치의 깡패들’이라는 것이었다. 나쁘다는 어휘는 총동원시킨 듯한 이런 규탄도 부족했던지 시나트라는 “그런 빗나간 방식으로 록 음악은 지구상의 모든 구렛나룻 십대 범죄자들의 군대 음악이 되려 하고 있다”거 쏘아붙였다(구렛나룻은 엘비스 프레슬리의 상징이었다). 스탠다드 팝의 위기라는 판단에서 록을 공박한 이유도 있었지만 그는 록 뮤직의 이념적 특질이라고 할 기성세대와 사회에 대한 도전적 가치를 혐오했던 것으로 전해지고 있다. 자기 세대의 음악 스탠다드 팝에 평생 수절(?)한 만큼, 50년대 이후 록 음악과포크 음악이 내세운 ‘저항’의 기조에는 쌍심지를 켜고 반발했던 것이다. 저항을 이념으로 했던 70년대 말의 펑크를 비난한 것이나 90년대 미국 국가의 연주를 거부해 물의를 빚은 시네드 오코너의 행각에 크게 분노한 것도 같은 맥락으로 해석할 수 있다. 그러나 ‘록 음악 불가론’을 제창했던 그는 록의 위용이 의외로 거세다고 판단, 곧 입장을 수정했고 60년 TV 프로그램에서는 군복무를 마치고 귀향한 엘비스 프레슬리를 ‘무대의 황제’라는 칭송과 함께 그를 따뜻하게 환영하기도 했다. 그는 데뷔이래 부와 명성에 엄청난 집착을 보여온 인물로 유명하다. 한 예가 그의 대표작이 된 53년도 영화 < 지상에서 영원으로 >(From Here To Eternity)와 관련된 에피소드. 40년대에 천하를 호령하던 그는 50년대 초반 여러 악재가 복합적으로 작용해 갑작스런 슬럼프에 직면했다. 가수에게 중요한 목 상태가 악화되었고 두 번째 아내 에바 가드너와의 파경으로 이미지가 실추된 것이 주원인이었다. 레코드 판매는 뚝 떨어졌고 영화 출연 제의가 끊겼으며 목에서는 피가 섞여 나오기 시작했다. 그러나 그는 굴하지 않았다. 재기를 해야 했고 그러기 위해서는 < 지상에서 영원으로 >의 돋보이는 마지오 배역을 따내야 했다. 스타임에도 불구하고 스크린 테스트를 받았으며 배당금을 취소로 정하는 수모도 감내했다. 이를 악물고 덤벼든 결과 그는 이 영화로 아카데미 남우조연상을 수상하는 쾌거를 거두었다. 위기관리의 천재다운 면모였다. 그는 소속 레코드사인 캐피톨을 떠나 61년 리프라이즈 레코드사를 차려 사장 자리에 앉았다. 그러나 2년 뒤인 63년 회사를 대기업인 워너브라더스에 팔아넘겼다. 리프라이즈의 매매는 그에게 엄청난 돈을 안겨주었고, 그는 이후 세계에서 가장 부유한 엔터테이너 중 한 사람으로 부상했다. 그에게 최고가치는 언제나 달러였고 그는 열심히 그것을 찾아다녔다. 그는 사업운영에 있어서 간혹 정계와 손을 대기도 해 논란을 빚었으며 72년에는 경마장의 부정거래 혐의로 조사를 받고 의회의 범죄색출위원회에 출두, 신문의 톱 뉴스를 장식하기도 했다. 이같은 스캔들은 80년대에도 간헐적으로 지속되었다. 그는 케네디 대통령 때부터 마피아와 밀월관계에 있었으며, 마피아를 등에 업고 연예활동을 해왔다는 것은 널리 알려져 있다. 지난 86년에는 시나트라와 마피아의 관계를 폭로한 그의 전기 『그의 길』(His Way)이 출간되어 화제를 모으기도 했다. 하지만 프랭크 시나트라에게 가장 비난이 집중되었던 사건은 보츠와나 공화국의 ‘선 시티’ 공연 부분이었다. 81년 그는 남아프리카공화국이 만든 초호화판 휴양지인 이 공연장의 개막식에 리자 미넬리와 함께 모습을 드러냈고 특별무대를 가졌다. 그는 9일간 여기에 출연하는 대가로 1백 60만 달러를 받았다는 의혹을 샀다. 그의 선 시티 출연은 폭압적 인종 차별 정책인 아파르트헤이트를 시행하는 남아공의 체제유지에 기여하는 기회주의적 태도로 의식 있는 팝 가수 진영으로부터 지탄을 받기에 충분했다. 85년 리틀 스티븐(스티븐 밴 잰트)의 발의로 결성된 ‘아파르트헤이트에 대항하는 아티스트연합’은 ‘반(反)선 시티’를 주장하면서 프랭크 시나트라를 비롯한 일부 팝 가수들의 비양심을 맹공했다. 선 시티 출연으로 평소 ‘진보적 민주주의자’로 인식되어온 그의 이미지는 크게 추락하고 말았다. 지금까지 본래의 보수성을 그럭저럭 잘 감추어온 그의 정체를 확실히 밝혀준 ‘오점’이 되었다. 그는 정당과 관련하여 애초 40년대에는 보수적인 공화당보다는 개혁지향적인 민주당 쪽이었다. 당시 대통령 선거에서도 그는 진보파인 민주당후보 프랭클린 루즈벨트를 지지했으며 루즈벨트를 존경하는 뜻에서 그의 이름을 따 자기 아들의 이름을 프랭클린 웨인 시나트라로 짓기도 했다. 47년에는 쿠바를 방문해 공산주의자라는 공격을 받기도 할 정도로 진보적 사고의 소유자였다. 그러나 정치적 입장의 고수는 정치에 대한 관심과 반비례했다. 그는 74년 미국을 방문한 이탈리아 안드레오티 수상을 환영하기 위해 ‘공화당’의 닉슨 대통령이 베푼 백악관의 만찬석상에 출연, 노래를 불렀다. 자신의 속뜻이 어떠했든 결과적으로 그는 시대의 변화에 따라 입지를 변화시킨 ‘철새적’인 인물이었다. 그의 히트송 레퍼터리는 나열이 벅찰 정도로 무수하지만, 가장 널리 알려진 작품은 뭐니뭐니해도 ‘나의 길(My Way)’일 것이다. 원래는 프랑스 샹송으로, 라스베가스에 함께 출연하고 있던 폴 앵카가 은퇴를 앞둔 시나트라를 위해 영어 가사를 붙여 개작해준 곡이다. 시나트라의 인생이 그려진 자전적 작품이기도 하다. 미국에서는 그다지 크게 히트하지 못했으나, 영국에서는 40위권내에 무려 122주간 랭크되는 전무후무한 스매시 히트를 기록했다. ‘인생의 종반부가 다가와 난 종막을 맞이하고 있네. 여러 벗들에게 나만이 확실히 알고 있는 인생 기록을 말하겠노라. 난 인생의 항로를 고루 밟아가며 꽉찬 삶을 살아왔지. 그게 나의 길이었소. 후회도 얼마간 있었지. 그러나 다시 생각해보니 특별히 언급할 것은 없었네. 난 내가 해야 할 일을 철저히 해내었지. 항상 조심스런 발걸음으로 전세 낸 인생 코스를 계획했지. 그게 나의 길이었소. 물론 감당하지 못할 고난의 시절이 있었지. 의혹의 순간도 있었다오, 그러나 난 그것을 나 혼자 씹어 삼키고 그것에 정면으로 맞서 당당히 일어섰지. 소신을 굽히지 않고 살아온 그것이 나의 길이었소.’ 이 노래로 인생을 정리한 그는 70년 은퇴를 공식 선언했으며, 71년에는 화려한 고별무대에 서기도 했다. 그러나 그는 불과 2년 후인 73년 그 결심을 번복하고 다시 팝계에 복귀해 노래와 연기를 계속했다. 그러한 것이 바로 프랭크 시나트라의 길이었다.
노래 : Tony Bennett (토니 베넷,Anthony Dominick Benedetto)
미국의 가수, 영화배우 미국의 가수, 영화배우
1983년 3월 10일에 미국에서 태어난 캐리 언더우드(본명: Carrie Marie Underwood)는 어렸을 적 오클라호마에 있는 아버지의 시골 농장에서 초등학교 교사였던 두 언니와 함께 자랐다. 어릴 적부터 교회나 각종 콘테스트에서 노래에 재능을 보였던 캐리 언더우드는 실제로 1996년 레이블과 레코딩 계약을 맺기도 했지만 계약 문제로 결과물을 내놓지는 못하기도 했다. 이후 착실하게 고등... 1983년 3월 10일에 미국에서 태어난 캐리 언더우드(본명: Carrie Marie Underwood)는 어렸을 적 오클라호마에 있는 아버지의 시골 농장에서 초등학교 교사였던 두 언니와 함께 자랐다. 어릴 적부터 교회나 각종 콘테스트에서 노래에 재능을 보였던 캐리 언더우드는 실제로 1996년 레이블과 레코딩 계약을 맺기도 했지만 계약 문제로 결과물을 내놓지는 못하기도 했다. 이후 착실하게 고등학교를 마치고 대학교에 진학했고, 음악에의 열정을 잊지 못해 2004년 여름, 세인트 루이스에서 <아메리칸 아이돌> ‘시즌 4’ 지역 오디션에 참가하기에 이르렀다. 예선을 통과해 본선에 오른 캐리 언더우드는 팻 베나타(Pat Benatar)의 ‘Love Is A Battlefield’, 도나 섬머(Donna Summer)의 ‘MacArthur Park’, 샤니아 트웨인(Shania Twain)의 ‘Man! I Feel Like A Woman’, 마티나 맥브라이드(Martina McBride)의 ‘Independence Day’, 에어 서플라이(Air Supply)의 ‘Making Love Out Of Nothing At All’ 등을 불렀는데, 특히 그룹 하트(Heart)의 80년대 명곡 ‘Alone’을 불렀을 때는 심사위원중 한 명인 사이몬 코웰이 캐리 언더우드의 ‘시즌 4’ 우승을 미리 점치기도 했다.
치열한 경쟁 끝에 결국 보 바이스(Bo Bice)를 물리치고 우승한 캐리 언더우드는 본선 도중에 불렀던 ‘Inside Your Heaven’을 싱글로 먼저 발매했다. 명장 데스몬드 차일드(Desmond Child)가 프로듀싱한 ‘Inside Your Heaven’은 2005년 6월 14일 발매됐는데, 17만 장의 세일즈를 일으키며 빌보드 팝 싱글 차트에 막바로 1위로 데뷔하는 센세이션을 일으켰다. 더욱이 당시 1위를 달리던 머라이어 캐리(Mariah Carey)의 ‘We Belong Together’를 물리친 결과로 대단한 성과가 아닐 수 없었다.
2005년 11월 15일, 캐리 언더우드의 데뷔앨범 [Some Hearts]는 전격 발매됐다. 첫 주 315,000장의 판매고를 올리며 빌보드 팝 앨범 차트 2위, 컨트리 앨범 차트 1위로 각각 데뷔했다(컨트리 앨범 차트에서는 27주간 1위 차지함). 또한 지금까지 600만 장이 넘는 판매고를 올리고 있는데, 1991년 사운드스캔(SoundScan)에 의해 미국 내 앨범 판매량이 집계되기 시작한 이래 가장 성공적인 컨트리 아티스트의 데뷔 성적으로 기록되고 있을 정도이다. 캐리 언더우드와 관련된 기록들은 여기에서 그치지 않았는데, 2005년 10월 18일 ‘Inside Your Heaven’에 이어 에어플레이되기 시작한 싱글 ‘Jesus, Take The Wheel’은 빌보드 컨트리 싱글 차트 6주간 1위를 차지했다. 이는 1964년부터 1965년에 걸쳐 코니 스미스(Connie Smith)가 ‘Once A Day’로 세웠던 ‘컨트리 싱글 차트 최장 1위 기록(8주 1위)’에 버금가는 기록이었다. 또한 캐리 언더우드의 통산 5번째 싱글인 ‘Before He Cheats’는 역시 컨트리 싱글 차트 5주간 1위를 차지하면서 ‘Wasted’와 ‘Jesus, Take The Wheel’에 이어 3번째 컨트리 차트 1위곡이 됐다. 팝 싱글 차트에는 최고 8위까지 올랐는데, Top 100 진입후 38주만에 10위 안에 오르면서 ‘가장 천천히 Top 10에 진입한 곡’이란 진귀한 기록을 세우기도 했다(록 그룹 Creed가 가지고 있던 기록을 깸). 한편, ‘Before He Cheats’는 10월 중순 현재 빌보드 팝 싱글 차트에 58주째 머물러 있는데, 리앤 라임스(LeAnn Rimes)의 ‘How Do I Live’가 1997년에 세운 ‘빌보드 Top 100에 가장 오랫동안 머무른 곡(69주)’ 부문 기록에 도전 중에 있다.
이러한 캐리 언더우드의 일련의 상업적인 성공은 자연스럽게 연말 시상식에서도 좋은 결과들을 내놓게 됐다. 먼저 2006년 11월 21일 거행된 아메리칸 뮤직 어워즈(American Music Awards)에서는 ‘Favorite Breakthrough Artist’ 부문에서 수상한 것을 시작으로, 컨트리 뮤직 어워즈(Academy of Country Music)에서는 ‘올해의 앨범’과 ‘올해의 여자가수상’ 등 3개상을 휩쓸었으며, 마지막으로 그래미 어워즈(Grammy Awards)에서는 4개 부문 후보에 올라 ‘최우수 신인상(Best New Artist)’과 ‘최우수 여성 컨트리 가수상(Best Female Country Vocal Performance)’ 등 2개 부문에서 수상하며 대미를 장식했다.
1970년대 복고적인 ‘미국의 소리’ ‘32세의 그는 미국의 가장 대중적인 가수’라고 < 뉴스 위크 >지가 1976년 공언한 대로 존 덴버는 전성기 시절 내내 ‘미국의 목소리’(The voice of America)로 통했다. 그의 청량제 같은 노래들과 수더분한 ‘촌놈’ 외모는 곧 1970년대 중반의 ‘미국 그 자체’였다. 그 무렵 미국은 존 덴버와 같은 존재를 필요로 했다. 1974년과 1975년 미국인들은 워... 1970년대 복고적인 ‘미국의 소리’ ‘32세의 그는 미국의 가장 대중적인 가수’라고 < 뉴스 위크 >지가 1976년 공언한 대로 존 덴버는 전성기 시절 내내 ‘미국의 목소리’(The voice of America)로 통했다. 그의 청량제 같은 노래들과 수더분한 ‘촌놈’ 외모는 곧 1970년대 중반의 ‘미국 그 자체’였다. 그 무렵 미국은 존 덴버와 같은 존재를 필요로 했다. 1974년과 1975년 미국인들은 워터게이트와 월남전 패색이라는 최대의 국가적 위기를 맞고 있었다. 워싱턴 정가는 갈피를 못 잡고 휘청거렸고 국론은 ‘고도의 민주주의 나라’라는 위상을 무색케 할만큼 완전 분열되었다. 미국인들은 허탈했고 피곤했으며 지칠 대로 지쳐 있었다. 누군가가 나서서 정체성의 위기에 시달리고 있는 그들에게 ‘건강한 미국’을 얘기해 주고 공허한 그들의 마음을 위무해 주어야 했다. 그가 가수라면 좋았고 나아가 ‘쉽고 깨끗한’ 노래를 들려준다면 더 좋았다. 거기에 존 덴버는 딱 알맞은 구세주와 같은 인물이었다. 명반 < 궤적의 피(Blood On The Tracks) >를 내놓은 밥 딜런이 워터게이트 사건으로 실의에 빠진 미국인들을 달래 주기란 힘들었다. 그는 이름만 들어도 격동의 1960년대가 떠오르는, 골치 아픈 존재였다. 그러나 존 덴버는 편했다. 그에게 근심거리란 없어 보였고, 다시 세상은 살 만한 곳인 듯 했다. 그 자신도 1970년대 중반의 상황이 자신을 수면 위로 부상 시켜준 원천임을 알았다. 그는 < 세븐틴 >지와의 인터뷰에서 “사람들이여, 내가 세상이 왜 행복한 곳인가를 노래할 때 내게 그대의 귀를 주오”라고 말했다. “난 미국에 대해, 가족에 대해, 삶의 축복에 대해 노래한다. 난 내가 알고 있는 것에 대해 노래부른다.” 당시 미국인들은 그의 노래 제목만 들어도 즐거워했다. ‘내 어깨 위의 햇살이 나를 행복하게해(Sunshine on my shoulder)’ ‘나를 고향으로, 시골길로 보내주오(Take me home, country roads)’ ‘나의 달콤한 여인(My sweet lady)’ ‘내가 촌놈인 것을 신께 감사드려요(Thank god I’m a country boy)’ 등.. 참으로 낙천적이고 전원적이며 명랑했다. 이 곡들은 모두 싱글 차트에서 1, 2위를 기록했다. ‘차라리 카우보이가 되고 싶다(I’d rather be a cowboy)’고 하고 ‘집에 다시 돌아온(Back home again)’ 것을 찬양하고 산과 바다, 시골이 무대인 그의 노래가 거부감을 줄 리 없었다. 그는 실제로 산을 사랑한 컨트리 보이였다. 공군 조종사의 아들로(1943년생) 존 헨리 듀센도르프가 본명인 그는 로스앤젤레스에 가서 산이 많은 도시 덴버의 이름을 따 개명했다. 또 유랑과 속세의 삶을 살다가 27세에 로키산에 올라가 새로운 인생을 발견한 사람이었다. 그는 아무리 바빠도 매년 시간을 내 콜로라도의 전원에 있는 아스펜 집에 묵곤 했다. 그는 ‘콜로라도의 정신’이었다. 주지사 존 밴더후프는 그에게 ‘콜로라도의 계관 시인’이란 칭호를 부여했다. 그는 1970년대 중반 닉슨과 포드 대통령 교체 이후 미국 사회에 자리 잡은 전통적이고 복고적인 가치를 대변했다. 해맑은 컨트리 음악을 들고 나온 그가 환영받은 것은 당시의 보수 바람을 반영하는 것이었다. 그가 미국인이었고 미국의 정서를 견인한 주역이었기에 1974년과 1975년에 그의 인기는 경쟁자인 영국 로커 엘튼 존을 추월했다. 팝적인 컨트리 록은 강렬한 하드 록과 복잡한 프로그레시브 록이 대세였다. 그러나 워터게이트와 월남전 패망으로 시끄럽고 혼잡스런 사람들에게 이러한 음악들은 귀에 들려 오지 않았다. 존 덴버는 정반대의 ‘컨트리 팝’으로 록의 퇴각을 강제했다. 록 진영은 갑작스런 그의 인기 행진에 놀랐다. 록 비평가들이 볼 때 덴버 노래의 낙천적 분위기는 건강한 정서의 반영이 아니라 단순한 ‘도피적 심리’에 불과했다. 혼탁한 세상을 잊고 편하게 살자는 심산이 아니냐는 것이었다. 그를 악평하는 사람들은 때문에 그를 ‘팝음악의 극단적 낙천주의자’라고 일컫는가 하면 ‘록의 미키 마우스’라고 내리깔곤 했다. 그러나 이러한 그의 노래가 대중들을 사로잡은 ‘어처구니없는’ 실상에 록 언론의 주도층은 궁지에 빠진 것이 사실이었다. 1974년 여름 전미 차트 정상에 오른 ‘애니의 노래(Annie’s song)’만 해도 그렇다. 삶의 축복을 노래하는 그의 지향을 축약한 이 노래는 이후 수년간 결혼식 때 축가로 가장 많이 연주되었다. 이 곡은 영국 차트에서도 1위를 차지했으며 4년 뒤에는 아일랜드 플루트 주자 제임스 골웨이(James Galway)가 연주곡으로 리메이크해 3위에 랭크 시켰다. 널리 알려졌다시피 이 곡은 그가 캠퍼스 커플로 1967년 결혼한 아내 앤 마텔(Ann Martell)을 위해 쓴 곡이었다. 스키 리프트에서 10분만에 썼다는 이 곡은 노랫말 가운데 애니(앤의 애칭)라는 말을 집어넣지 않은 것이 오히려 이 노래가 애송되는 이점으로 작용했다. 이 곡은 < 피플 >지로부터 그가 쓴 가장 훌륭한 러브 발라드라는 평판을 얻었다. 그러나 불행히도 1980년대 들어서 존 덴버는 이 축복의 찬가를 부를 수 없게 되었다. 영원할 것만 같던 아내 앤 마텔과의 관계가 삐꺽거리기 시작했기 때문이었다. 두 사람의 관계는 1979년에 이미 궤도를 이탈했다. 잉꼬나 다름없던 둘은 덴버의 엄청난 성공에 불안과 위기를 느낀 앤이 남편과 ‘의사 소통이 중단됨을 느끼면서’ 악화되었다. 이혼 수속을 밟은 두 사람은 마침내 1983년 갈라서고 말았다. 존은 이 무렵을 이렇게 회고한다. “애니와의 이혼은 내 생애 가장 뼈아픈 순간 중의 하나였다. 우리는 16년간 부부였다. 결혼 15주년 기념일에 우리는 조용히 앉아 ‘우리 잘 안되고 있어’라고 얘기했다. 난 그녀에게 ‘당신이 내게 원하는 것을 난 당신에게 줄 수가 없어. 그러니 다른데 눈을 돌리는게 나을 거야’라고 말했다” 이혼을 맞아 그는 자신의 미래에 대해서도 슬쩍 입장을 내비쳤다. “난 다시 사랑에 빠지고 싶지만 그렇게 될 거라고 확신하지 않는다. 난 너무도 바빠 한 여인을 내 인생에서 가질 수 없다. 내 마음속의 마지막 일은 관계를 지속할 여인을 찾는 것이다. 그러니 하여튼 그리 쉽지 않을 것 같다. 여성에 대해 정말 배워야 할 것이 많다” 당시 언론은 잉꼬 부부였던 존과 애니의 이혼에 커다란 충격을 받았다. 한결같이 ‘아니 존 덴버가 이혼이라니...’라는 반응이었다. 아마도 그가 ‘애니의 노래’만 부르지 않았어도 충격은 훨씬 덜 했을지도 모른다. 그러나 충격은 그것으로 끝나지 않았다. 더욱 커다란 쇼크가 대기하고 있었다. 그는 1988년 8월 ‘너무 바빠서 여자를 사귈 수 없다’는 말과 달리 호주 출신의 늘씬한 가수 겸 배우인 카산드라 델라니(Cassandra Delaney)와 재혼해 사람들을 놀라게 했다. 당시 28살인 델라니는 45세였던 존 덴버보다 무려 17살 연하였다. 그는 지난 1990년 한국을 찾아 힐튼호텔에서 공연을 가진 바 있다. 콘서트에 앞서 가진 기자회견에서 그는 “‘애니의 노래’의 주인공인 애니와 왜 헤어지게 됐는가”라는 한 기자의 질문에 당혹스런 표정을 지으며 “사람은 좋아질 때도 싫어질 때도 있다”고 말끝을 흐렸다. 휴식도 없이 내리 10곡 이상을 부르는 등 환상적인 호흡과 성량을 자랑한 이 내한 무대에서 그는 끝내 최고의 레퍼토리인 ‘애니의 노래’는 부르지 않았다. 하지만 두 번째 아내인 델라니와의 부부 생활도 순탄하진 못했다. 4년간의 짧은 인연을 끝내고 두 사람은 1992년 이혼 법정에 들어서야 했다. 이 과정에서 불미스런 일이 발생, 그는 다시 언론의 도마 위에 올랐다. ‘환경운동가’ 또 ‘마음씨 좋은 컨트리 보이’라는 명성에 어울리지 않게 그가 음주 운전 사고를 일으켜 구속된 것이었다. 1993년 8월의 일이었다. 그는 델라니와 이혼을 확정짓고 난 뒤 축하하는 뜻에서(아니 이런!) 과음하게 됐다고 진술했다. 50만 달러의 벌금과 자선 콘서트를 개최하라는 징계를 받고 풀려나긴 했지만 이 사건은 그의 이미지에 단단히 먹칠을 했다. 일이 안되다 보니 그가 1976년에 설립한 윈드스타 파운데이션(Windstar Foundation)도 갈수록 재정이 악화돼 규모와 인원을 줄이는 조치를 취해야만 했다. 그러나 존의 고행은 아직도 끝나지 않았다. 그는 음주 운전 사건 1년 뒤인 1994년 8월 21일 자정, 다시 만취상태에서 1963년형 포르셰가 가로수를 들이받는 사고를 일으켰다. 이날 사고도 델라니와 이혼 별거 수당을 협의하는 과정에서 ‘뜻대로 잘 안 풀려’ 그만 홧김에 음주한 것 때문이었다. 존 덴버는 ‘캐시(카산드라)가 나의 인생을 지옥으로 만들었다’고 불평했다. 음주 운전 사고 재범으로 그는 유죄판결이 날 경우 2년 간 옥살이를 하게 될 위기에 몰렸지만 명성에 힘입어 다행히 그 같은 화는 면했다. 하지만 이는 ‘만능 연예인’으로서의 그의 제기를 불능으로 만드는 치명타 역할을 했다. 환경 운동에 나서고 기아 문제와 복지 부문, 그리고 반전 활동에 아낌없이 자신을 바쳤던, 모든 찬란한 순간이 빛을 잃어 가는 순간이었다. 1976년 이후 그가 인기 차트 톱 10에 랭크시킨 곡은 없었다. 1982년 플라시도 도밍고와 ‘아마도 사랑은(Perhaps love)’을 함께 부르며 건재를 과시했지만 주류에서는 이미 떨어져 있었다. 그는 1984년 < 로스앤젤레스 타임스 >지의 테니스 헌트와의 인터뷰에서 “난 노력을 계속할 것이다. 난 요즘 젊은이들이 살 레코드를 만들 수 있다”고 장담했다. 그러나 그의 신념은 실현되지 않았다. 그의 가수로서의 시대는 소실점을 향했고 4년 연속 그래미상 시상식 사회를 본 엔터테이너로서의 시대도 거의 마침표를 찍었다. 그는 1970년대 중반 미국 상황이 불러낸 가수일 뿐이었다. 사회기류가 바뀌면서 그에 대한 ‘효용가치’는 뚝 떨어졌다. 그가 가수보다 ‘예능인’에 비중을 둔 것도 외부 환경 변화에 따른 적응의 방편이었을지도 모른다. 그는 우리나라에서도 엄청난 인기를 누렸다. 위에 나열한 곡 외에도 ‘오늘(Today)’ ‘정크(Junk)’를 비롯해 무수한 곡들이 라디오 전파를 탔다. 그러나 그의 노래가 지금은 나오지 않는다. 아마도 그는 우리의 1970년대 팝송 청취가 압도적으로 ‘백인 팝(White Pop)’에 젖어 있음을 상징하는 인물일 것이다. 그는 언젠가 ‘내가 낙천적인 이유는 내가 할 때마다 모든 것이 새롭기 때문’이라고 했다. 이제 전혀 그럴 것 같지 않다.
노래 : Charlie Daniels Band (찰리 다니엘스 밴드)
자니 캐쉬(Johnny Cash)는 2차 세계대전 직후 컨트리 음악계에서 가장 인상적이고 영향력 있는 활동을 펼친 뮤지션 중 한명이다. 깊고 낭랑한 중음역대의 보컬과 간결한 기타와 함께 그는 기본에 충실하면서도 자신만의 진보적이고 독특한 사운드를 추구했다. 컨트리뮤직의 고향인 내쉬빌사운드(Nashville), 홍키통크(Honky Tonk), 로큰롤(Rock’n’Roll), 그 어떤 것에도 치우치지 않은 자신만의 ... 자니 캐쉬(Johnny Cash)는 2차 세계대전 직후 컨트리 음악계에서 가장 인상적이고 영향력 있는 활동을 펼친 뮤지션 중 한명이다. 깊고 낭랑한 중음역대의 보컬과 간결한 기타와 함께 그는 기본에 충실하면서도 자신만의 진보적이고 독특한 사운드를 추구했다. 컨트리뮤직의 고향인 내쉬빌사운드(Nashville), 홍키통크(Honky Tonk), 로큰롤(Rock’n’Roll), 그 어떤 것에도 치우치지 않은 자신만의 서브장르를 만들고 구축했다. 감성적으로 무디고 정직한 포크(Folk)와 반항적인 로큰롤(Rock’N’Roll) 그리고 염세적인 컨트리(Country)뮤직 사이의 중간지점에서 캐쉬는 로큰롤의 탄생과 반항적 태도 그리고 다분히 록적인 간소함과 솔직한 음악적 발성법을 적절히 융화시켜냈다. 거기에는 깊은 역사적 공감대가 존재했다. 그는 음악적 사명을 다하는 그 날까지 100곡이 넘는 히트싱글을 내며 흑과 백 모두에게 인정받았고, 특히 록의 황제(King of Rock) 엘비스 프레슬리(Elvis Presley)를 비롯해 한 시대를 풍미한 당대의 거목들(칼 퍼킨스, 제리 리 루이스, 척 베리)과 함께, 1950년~60년대를 빛낸 로커빌리(Rockabilly)음악의 대표적 인물 중 하나였다. 아칸사스 출신인 자니 캐쉬는 세 살 때에 다이에스(Dyess)로 이주했다. 열둘 어린나이에 그는 이미 자신의 노래를 쓰기 시작했다. 라디오에서 들은 컨트리 송에 음악적 영감을 얻은 그는 고등학교시절 아칸사스 라디오 방송국(KLCN)에서 노래했다. 대학을 졸업한 1950년에는 자동차회사에 취직해 디트로이트로 거처를 옮겼다. 한국전쟁의 발발과 함께 그는 공군에 입대했다. 공군에 있는 동안 캐쉬는 기타를 구입해 스스로 연주를 익혔다. 그는 ‘Folsom prion blues’를 포함해 본격적으로 곡을 쓰기 시작했다. 캐쉬는 1954년 공군에서 예편해 텍스사 여성 비비안 리베르토(Vivian Leberto)와 결혼했다. 멤피스에서 신혼생활을 시작한 그는 라디오 아나운서과정을 밟았다. 밤에는 기타리스트 루더 퍼킨스와 베이시스트 마샬 그랜트로 구성된 트리오의 일원으로 컨트리음악을 연주했다. 지방라디오방송국(KWEM)에서 무료로 공연을 간간히 겸하면서 안정된 연주의 기틀을 마련하던 트리오는 선 레코드사에 오디션을 볼 기회를 잡게 된다. 마침내 1955년 샘 필립스가 설립한 선 레코드사(Sun Records)에 오디션을 치르게 된 캐쉬는 처음에 자신을 가스펠싱어로 소개했다. 필립스는 자니에게 좀 더 상업적인 것을 요구했고, 그는 ‘Hey Porter’로 곧 필립스를 매료시켰다. 이를 계기로 캐쉬는 자신의 데뷔싱글 ’Cry Cry Cry’/Hey Poter’를 발매하게 된다. 필립스는 싱글레코드에 캐쉬를 “자니”라고 기입했다. 레코드 프로듀서는 또한 퍼킨스와 그랜트를 테네시 투(Tennessee Two)라고 불렀다. 1955년에는 ‘Cry Cry Cry’가 인기를 얻으며 컨트리차트 14위에 올랐다. 그리고 루이지애나 헤이라이드(Louisiana Hayride) 지역에서 거의 1년간 머물렀다. 두 번째 싱글 ’Folsom prison blues’가 1956년 초 컨트리차트 4위의 쾌거를 올렸고, 연이어 ‘I walk the line’이 6주간 1위를 차지함과 더불어 팝 차트에도 탑20위에 오르는 기염을 토했다. 1957년에도 컨트리싱글차트 13위에 랭크된 ‘Give my love to rose’를 포함해 몇 곡의 히트곡을 내며 히트행진을 이어갔다. 캐쉬는 또한 화려한 장식으로 치장한 타 뮤지션들과 달리 완전히 검정복장으로 그해 그랜드 올 오프리(Grand Ole Opry debut)에 데뷔했다. 이로 인해 그는 ’맨 인 블랙‘이라는 별명을 얻게 된다. 그리고 1957년 11월에 그는 드디어 자신의 처녀작 < Johnny Cash with his hot and blue guitar >를 발매해 음반매장을 강타했다. 1958년에는 10주간 차트 정상을 지킨 ‘Ballad of a teenage queen’을 비롯해 또 다른 넘버원 싱글 ’Guess thing happen that way을 포함해 무려 8곡을 컨트리와 팝 차트 공히 상위권에 올리며 성공가도를 질주했다. 1958년에 그는 가스펠앨범을 녹음하고자 했으나 선(sun)에서는 이를 허락하지 않았다. 선 레코드는 또한 캐쉬의 음반로열티 인상에도 반대했다. 두 가지 결정적 연유로 캐쉬는 결국 1958년 콜롬비아레코드사(Columbia Records)로 레이블을 옮겨 그해 말 싱글 ‘All over again’을 내놓았다. 이 곡은 컨트리차트 4위와 팝 차트 38위에 올랐다. 1959년 초에는 콜럼비아에서 발표한 두 번째 싱글 ‘Don’t take your guns to town’ 또한 컨트리차트 정상을 차지했다. 팝 차트에도 32위까지 올라 그의 최대히트곡 중 하나가 된 이 곡과 함께 그해 내내 발매된 싱글들이 앞 다퉈 차트 정상에 등극했다. 캐쉬는 가스펠앨범을 낼 기회도 맞았다. 자니 캐쉬의 찬송가는 1970년대까지 주제앨범연작으로 만들어졌다. 하지만 지칠 줄 모르는 히트행진을 지속하던 그의 쾌속질주에도 제동이 걸리기 시작했다. 1959년에, 그는 1년에 거의 300회가 넘는 공연일정을 소화하는 동안 암페타민(각성제)을 복용하기 시작했다. 1961년까지 그의 약물복용은 날로 증가했다. 그로인한 악영향은 히트 싱글과 앨범 수의 감소세로 나타났다. 1963년에 그는 가족을 떠나 뉴욕으로 이주하기에 이른다. 그러던 중 캐쉬는 술친구 칼 스미스(Carl Smith)의 아내 준 카터(June Carter)에게서 받은 ‘Ring of fire’로 컨트리차트 정상을 마크한다. 이 곡은 7주간 차트정상에 머무르며 팝 차트에도 20위에 올랐다. 1964년에는 ‘Understand your man’가 넘버원 히트를 기록했다. 그러나 약물중독의 어두운 그림자에 둘러싸여있던 캐쉬는 1965년 자신의 기타케이스로 엠페타민을 다량 밀수하다 엘 파소(El Paso)에서 체포되었다. 같은 해 그랜드 올 오프리(Grand Ole Opry)에서의 공연이 거절당했고, 그동안 각광받아온 커리어에도 치명적 타격을 입었다. 1966년에는 아내 비비안이 이혼을 제소했다. 이혼 후 캐쉬는 내쉬빌로 이주했다. 거기에서 그는 칼 스미스와 이혼한 준 카터와 친밀해졌다. 카터의 조력으로 그는 약물중독에서 서서히 벗어날 수 있었다. 그녀는 또한 캐쉬를 기독교신자로 바꿨다. 1968년 초 ’Jackson’과 ‘Rosanna’s going wild’가 탑 텐 히트 기록하면서 재비상의 날개를 펴기 시작한 자니는 공연 중 무대 위에서 운명의 여인 준 카터에게 드라마틱한 청혼을 했고, 1968년 봄 결혼식을 올렸다. 1968년에, 자니 캐쉬는 가장 큰 인기를 끈 앨범 < Johnny Cash at Folsom Prison >을 녹음 발표했다. 교도소 공연실황을 녹음한 이 앨범에서 싱글 커트된 ‘Folsom prison blues’가 팝 차트에 걸쳐 큰 인기를 얻으며 컨트리차트 정상을 재확인했다. 그리고 연말에 레코드는 골드를 기록했다. 이듬해, 그는 후속앨범 < Johnny Cash at San Quentin >을 발표했다. ’A boy named sue’는 컨트리차트 1위와 팝 차트 2위에 오르며 히트싱글이 되었다. 캐쉬는 1969년 밥 딜런(Bob Dylan)의 컨트리앨범 < Nashville Skyline >에 게스트로 참여했다. 딜런은 ABC 가수 텔레비전프로그램 ‘자니 캐쉬 쇼’에 출연해 그에 화답했다. 자니 캐쉬쇼는 1969년과 71년, 2년에 걸쳐 방영되었다. 캐쉬는 1970년대 들어 제2의 전성기를 누린다. 자신의 텔레비전쇼와 더불어, 그는 백악관에서 리차드 닉슨(Richard Nixon)을 위해 공연한 것을 비롯해, (Gunfight)에서는 명배우 커크 더글라스(Kirk Douglas)와 함께 공연했으며, 존 윌리엄스(John Williams)와 보스턴 팝스 오케스트라와 함께 공연했다. 다큐멘터리영화의 테마로도 주목받은 그는 ’Sunday morning coming down’과 ‘Flesh and blood’이 넘버 원 히트를 기록하며 변함없는 인기를 이어갔다. 1971년을 통해, 자니 캐쉬는 차트 3위를 기록한 ’Man in black’을 포함해 히트행진을 지속했다. 캐쉬와 카터 모두 1970년대 초 토착미국인과 죄수들의 시민권을 위한 캠페인에 참여하며 사회적 활동을 넓혀갔다. 가끔은 빌리 그래험(Billy Graham)과 함께 하기도 했다. 1970년대 중반, 캐쉬의 차트 등장횟수는 줄어들기 시작했다. 하지만 그는 마이너히트를 이어갔다. 그리고 1976년 ‘One piece at a time’(컨트리차트1위)를 비롯해 웨일론 제닝스(Waylon Jennings)와 듀엣으로 노래한 ’There ain’t no good chain gang’(컨트리차트 2위)와 ‘(Ghost)riders in the sky’와 같은 빅 히트싱글을 간간이 냈다. 1975년 캐쉬는 자서전 < Man in black >을 출간했다. 1980년에 그는 가장 젊은 나이에 컨트리 명예의 전당에 올랐다. 그러나 1980년대에는 눈에 띄는 히트싱글을 내지 못하면서 고전했다. 콜럼비아 레코드사와도 마찰을 빚었다. 자니 캐쉬(Johnny Cash)는 1982년 선(Sun)출신의 로커빌리 명인 칼 퍼킨스(Carl Perkins), 제리 리 루이스(Jerry Lee Lewis)와 함께 팀을 이뤄 레코드 < The Survivors >를 발표했고 괜찮은 성과를 올렸다. 캐쉬, 웨일론 제닝스, 윌리 넬슨(Willie Nelson) 그리고 크리스 크리스토퍼슨(Kris Kristofferson)이 동참한 밴드 The highwaymen은 1985년 그들의 첫 앨범을 발표했다. 이 앨범 또한 적당한 성공을 거뒀다. 다음 해, 캐쉬와 콜럼비아사의 계약이 만료됐다. 그리고 그는 머큐리 내쉬빌(Mercury Nashville)과 계약했다. 새로운 레이블은 그러나 그의 성공을 입증해주지 못했고, 스타일의 방향을 둘러싼 논쟁을 해야 했다. 게다가 컨트리 라디오방송 프로는 더욱 현대적인 아티스트에게 호감을 가지기 시작했다. 캐쉬는 곧 자신이 차트에서 밀려날 것을 알았다. 그럼에도 불구하고 그는 콘서트를 통해 대중들과의 소통을 계속해 나갔다. 하이웨이멘(Highwaymen)은 1992년 두 번째 앨범을 녹음했다. 그리고 머큐리에서 낸 캐쉬의 어떤 레코드보다 상업적으로 더 큰 성공을 거뒀다. 그 즈음 머큐리와의 계약기간이 끝난 그는 1993년에 아메리칸 레코드사(American Records)에 새 둥지를 틀었다. 새 레이블에서 낸 첫 앨범 < American Recordings >는 설립자 릭 루빈(Rick Rubin)이 프로듀싱을 맡았다. 이 앨범의 전 수록곡은 어쿠스틱한 노래들이었다. 이 앨범은 대박을 터뜨리지는 못했으나, 그의 커리어를 되살리는 기폭제가 됨과 동시에 그를 록 중심의 젊은 음악팬들과 호흡할 수 있게 했다. 1995년에 하이웨이멘은 그들의 세 번째 앨범 < The Road Goes on Forever >를 발표했다. 이듬해 캐쉬는 탐 페티& 하트브레이커스가 피처링으로 참여한 그의 두 번째 앨범 < Unchained >를 발표했다. 그리고 2000년 봄 캐쉬는 자신의 생애를 되돌아 본 회고조의 앨범을 사랑, 신, 살인 세장으로 묶어 선보였다. 그 다음해에는 새로운 스튜디오앨범 < American Ⅲ: Solitary Man >이 뒤이어 발매되었다. 1990년대와 2000년에 들어 자니 캐쉬는 건강문제로 힘든 나날을 보냈지만 루빈과의 레코드작업을 지속해나갔다. 그들은 네 번째 합작품 < American Ⅳ: The man comes around >을 2002년 후반에 발매했다. 이듬해에는 나인 인치 네일스(Nine Inch Nails)의 ‘Hurt’를 커버한 뮤직비디오가 기대이상의 갈채를 받으며 미디어의 주목을 받았다. 또한 MTV뮤직비디오시상식에서 ’올해의 비디오‘에 후보로 지명돼 그 인기는 절정에 달했다. 수많은 화제를 뿌리며 한창 분위기에 젖어있을 때, 운명적 음악인생의 동반자(아내) 준 카터 캐쉬가 심장수술 경과 악화로 2003년 5월 15일 그의 곁을 떠나갔다. 4개월 후 자니도 당뇨 합병증으로 테네시 내쉬빌에서 숨을 거뒀다. 그의 나이 71세였다.
노래 : The Highwaymen (더 하이웨이멘)
노래 : Willie Nelson (윌리 넬슨,Willie Hugh Nelson)
컨트리, 락 기타 연주자, 싱어송 라이터 컨트리, 락 기타 연주자, 싱어송 라이터
노래 : Dr. Hook & The Medicine Show (Dr. Hook and The Medicine Show)
미국 팝의 살아있는 인간극장, 켈리 클락슨의 성공기 1982년 텍사스 출생으로 도회적인 삶과 동떨어진 순박한 시골 소녀였던 켈리 클락슨(Kelly Clarkson)은 학교 선생님의 권유로 합창부에 들어가기 전까지 딱히 음악을 하겠다고 생각해본 적이 없었다. 그녀의 집안은 음악적으로 학식이 뛰어난 편이 아니었을 뿐더러 그저 레바 매킨타이어(Reba McEntire), 에어로스미스(Aerosmith), 애니 레녹스(... 미국 팝의 살아있는 인간극장, 켈리 클락슨의 성공기 1982년 텍사스 출생으로 도회적인 삶과 동떨어진 순박한 시골 소녀였던 켈리 클락슨(Kelly Clarkson)은 학교 선생님의 권유로 합창부에 들어가기 전까지 딱히 음악을 하겠다고 생각해본 적이 없었다. 그녀의 집안은 음악적으로 학식이 뛰어난 편이 아니었을 뿐더러 그저 레바 매킨타이어(Reba McEntire), 에어로스미스(Aerosmith), 애니 레녹스(Annie Lennox)를 즐겨 듣는 정도였다. 그러나 선생님의 용안은 훗날 전미를 정복할 한 소녀의 잠재력을 미리 점치고 있던 것이다. 비록 시작은 타의였으나, 점차 켈리 클락슨의 내면에서도 노래를 향한 열정의 꽃망울이 싹트기 시작했다. 끊임없는 발성 연습으로 창법을 연마해가던 중, 지역 내 콘테스트에서 진가를 인정받으며 본격적으로 가수의 길을 준비한다. 학교 졸업 후, 부푼 꿈을 안고 할리우드 행을 택했지만 이름 없고 연줄 없는 시골 소녀를 자선할 만큼 인정 많은 곳이 아니었다. 유일하게 켈리의 가능성을 알아본 제리 고핀(Gerry Goffin)마저 병으로 몸져누우면서 희망의 빛줄기는 한순간에 소멸해버렸고, 결국 웨이트리스와 극장 아르바이트, TV 드라마 < 사브리나 >에서 대사 없는 엑스트라로 출연하며 막연히 호기를 기다릴 뿐이었다. 그러던 어느 날, 친구가 내민 < 아메리칸 아이돌 >의 참가 신청서는 막막한 현실을 살아가고 있던 그녀에게 서광의 실마리였다. 이미 그와 비슷한 프로그램에서 고배를 마신 적이 있었기에 마음을 비우고 여유롭게 오디션에 응해 본선까지 진출하게 된다. 꾸준히 단련해온 가창력과 전형적인 스탠더드 팝 스타일의 음색, 그리고 회를 거듭할수록 드러나는 성실하고 다부진 캐릭터가 TV를 시청하는 전국의 수백만 미국인들을 감동시켰다. 마침내 저스틴 구아리니(Justin Guarini)와 겨룬 최종 결선 무대에서 치열한 접전을 펼쳐 58%의 지지율로 우승을 거머쥐며 인생역전, 그 꿈처럼 아득하기만 했던 가수의 길로 진입한다. 클라이브 데이비스(Clive Davis)의 RCA 레코드사와 계약을 체결한 켈리는 조속히 싱글 ’A moment like this’를 발표한다. 컨트리의 영향이 컸던 어린시절의 성장배경을 그린 순도 높은 팝 발라드로 차트 정상을 꿰차며 켈리 클락슨의 이름을 전 세계에 분포시켰다. 붉은 드레스를 입고 호수처럼 맑은 두 눈을 글썽이던 소녀는 차기 싱글 ’Miss independent’에서 디스토션을 잔뜩 걸은 기타 사운드와 혼연일체가 되어 씩씩하고 용맹스러운 독립 여성으로 변신을 꾀했다. 켈리의 변신은 거기서 그치지 않았다. 앨범 차트 1위로 핫 샷 데뷔한 처녀작 < Thankful >은 록, 발라드, 소울, 포크, 댄스 뮤직 등을 아울렀고, 2005년에 공개한 < Breakaway >에서는 ’Since you been gone’, ’Behind theses hazel eyes’ 등에서 확인할 수 있듯이 탄탄한 록 사운드를 구축하여 걸리시 록의 새로운 선두주자로 자리매김한다. 아이돌 콘테스트 출신자로서 저항할 수 없는 정약인 틴 팝의 운명을 버리고 굳이 록을 택한 이유가 뭐냐는 질문 공세에 그녀는 이렇게 답했다. “이 세상에 좋은 음악이 너무 많기 때문에 한 가지 장르에 안주할 생각은 없어요. 할 수 있는 것은 일단 다 해보고 싶거든요.” 아이돌인 상태로 롱런하기 힘들다는 사실을 그 누구보다 잘 알고 있는 그녀였다. 미국 폭스 TV가 주최한 < 아메리칸 아이돌 >의 초대 우승자. 이는 앞으로 가수 켈리 클락슨의 꼬리표처럼 평생을 따라다닐 문구임에 틀림없다. 초년생의 한계를 뛰어 넘어 역대 그 어떤 아이돌보다 눈부신 스포트라이트 아래 데뷔전을 치러냈어도, 카멜레온처럼 끊임없이 변화하면서 그 안에서 성숙한 음악인으로 거듭나겠다고 다부지게 말하는 켈리의 휴먼 드라마는 오늘도 방영 중이다.
앨리스 쿠퍼는 현재 대부분의 헤비메탈, 익스트림 록 밴드들이 공통적으로 취하고 있는 이미지, 즉 기괴한 의상, 현란한 분장, 충격적인 무대 매너 등을 가장 먼저 시연했다고 해도 과언이 아닐 정도로 ’록의 산증인’으로 평가 받고 있는 거물이다. 음악 팬들은 30년 넘게 행해진 그의 엽기 반란의 음악과 무대를 ’쇼크 록’으로 명명하고 그를 대부로 임명했다. 1980년대 전성기를 누린 헤비메탈을 시작으로, 1990년대... 앨리스 쿠퍼는 현재 대부분의 헤비메탈, 익스트림 록 밴드들이 공통적으로 취하고 있는 이미지, 즉 기괴한 의상, 현란한 분장, 충격적인 무대 매너 등을 가장 먼저 시연했다고 해도 과언이 아닐 정도로 ’록의 산증인’으로 평가 받고 있는 거물이다. 음악 팬들은 30년 넘게 행해진 그의 엽기 반란의 음악과 무대를 ’쇼크 록’으로 명명하고 그를 대부로 임명했다. 1980년대 전성기를 누린 헤비메탈을 시작으로, 1990년대 데스, 고딕, 블랙, 둠 등으로 가지 치기를 한 익스트림 메탈에 이르기까지 앨리스 쿠퍼가 심어놓은 이미지 장치들은 헤비메탈의 올 라운드를 아우르고 있다. 또한 마릴린 맨슨으로 대표되는 인더스트리얼도 엘리스 쿠퍼의 편린들이다. 1948년 2월 4일 미국 디트로이트에서 태어난 앨리스 쿠퍼(본명: Vincent Furnier)는 고교시절 친구들과 함께 나즈(Nazz)라는 스쿨밴드를 결성하며 거친 록의 세계에 문을 두드렸다. 1968년 앨리스 쿠퍼로 개명한 그는 자신의 이름을 밴드명으로 내걸고 쇼크 록의 오프닝을 알렸다. 음악 자체가 파격적이지는 않았지만 그의 이미지와 행동거지는 파격을 넘어서 충격적이었다. 까마귀를 연상시키는 검은 분장을 눈자위 가득 칠하고 영적인 듯한 행동을 일삼았다. 이는 일부 대중에게 역겨움을 이끌어 내었지만 동시에 수 많은 추종자들을 만들어내며 엽기와 극단이 록의 중추적인 흐름으로 이끌어가는데 큰 역할을 했다. 엘리스 쿠퍼는 1969년 레이블을 통해 발표한 데뷔작 부터 1973년 7집 에 이르는 기간동안 쇼크 록의 제왕으로서 그 본분을 충실히 했다. ’I’m eighteen’, ’Under my wheels’, ’Elected’, ’No more mr. nice guy’, ’Teenage lament ’74’ 등 많은 하드 록 히트곡들을 쏘아올렸고, 1971년 투어로 대표되는 극단적인 공연 모습을 통해 전세계의 이목을 끌었다. 마녀가 자신의 뒤를 이으라고 하는 요상한 꿈을 꾼 것으로 자신의 행동을 설명하는 만큼 그의 행동은 주술성이 강한 것이었다. 샤머니스트, 또는 ’악령의 전도사’와 같은 단어가 매우 잘 어울렸다. 공연에서는 누런 얼룩 구렁이와 입을 맞추고, 목을 매는 등 갖은 엽기 행각은 절정에 달했다. 1975년 부터 솔로 뮤지션으로 전향한 그는 강렬한 록 밴드의 프런트맨에서 인간미를 겸비한 싱어 송 라이터로 파격 변신을 했다. 당시 알코올 중독에 시달리고 있기도 했던 그는 전성기 시절에 비해 음악적으로 평가절하 되었지만 1970년대 중반부터 선보이기 시작한 ’You & me’, ’I never cry’, ’How you gonna see me now’ 등 팝에 가까운 발라드 곡들로 국내에도 많은 팬을 확보할 수 있었다. 1980년대 알코올 중독으로 인한 잠시동안의 휴지기 이후 앨리스 쿠퍼는 이전의 카리스마 넘치는 모습으로 다시금 본령을 회복했다. 1986년 작품 로 재기에 성공한 그는 조 새트리아니, 롭 좀비, 슬래시 등 많은 후배 뮤지션들과 조우하며 거장의 면모를 과시했고, 1994년 발표한 컨셉 앨범 등에서 특유의 개성 넘치는 창작력을 발휘하며 현재까지 왕성한 활동을 이어가고 있다.
노래 : Guess Who (게스 후 (하드락 밴드))
1970년을 전후한 시기에 대표 곡들을 집중포화 식으로 쏟아낸 캐나다 출신의 록 밴드 게스 후(Guess Who)의 역사는 그 전신 격인 그룹 익스프레션스(Expressions)가 결성된 1963년으로 거슬러 올라간다. 채드 알란(Chad Allan/보컬, 기타)과 랜디 바크만(Randy Bachman/보컬, 기타), 짐 케일(Jim Kale/베이스), 개리 피터슨(Garry Peterson/드럼), 밥 에슐리(... 1970년을 전후한 시기에 대표 곡들을 집중포화 식으로 쏟아낸 캐나다 출신의 록 밴드 게스 후(Guess Who)의 역사는 그 전신 격인 그룹 익스프레션스(Expressions)가 결성된 1963년으로 거슬러 올라간다. 채드 알란(Chad Allan/보컬, 기타)과 랜디 바크만(Randy Bachman/보컬, 기타), 짐 케일(Jim Kale/베이스), 개리 피터슨(Garry Peterson/드럼), 밥 에슐리(Bob Ashley/건반)의 5각 구도를 갖춘 익스프레션스는 저니 키드 & 더 파이러츠(Johnny Kidd & The Pirates)의 ‘Shakin’ all over(22위)’를 커버하면서 자국인 캐나다와 미국에서 소폭의 인기를 누렸다. 곧 밴드 명을 게스 후로 바꾸고 건반 주자가 밥 에슐리에서 버튼 커밍스(Burton Cummings)로 교체되면서 이들의 성공 스토리는 막을 열었다. 당시 이름 때문에 영국 록 그룹 더 후(The Who)와 혼동을 야기한 게스 후를 수면 위로 부상시킨 음반은 1968년도 LP < Wheatfield Soul >이다. 록 발라드의 고전으로 자리를 굳힌 ‘These eyes(6위)’가 세계적으로 알려지면서 동시에 캐나다 록의 지분도 동반 상승했다. 이후에 발표된 < Canned Wheat >, < American Woman >, < Share The Land >에서 이들의 대표 곡들이 무더기로 생산되었다. ‘Laughing(10위)’, 보사노바 기타 풍으로 국내에서 많은 사랑을 받은 ‘Undun(22위)’, 당시 가요에 영향력을 행사한 ‘No time(5위)’, ‘No sugar tonight/New mother nature’, ‘Hand me down world(17위)’, ‘Share the land(10위)’, 그리고 이들의 유일한 빌보드 싱글 차트 1위 곡이자 1999년 영화 < 아메리칸 뷰티 >에서 주인공 케빈 스페이시가 운전하면서 불렀던 고전 ‘American woman’ 등이 1969년과 1971년 사이에 배출된 히트 넘버들이다. ‘American woman’은 1999년 영화 < 오스틴 파워 > 2편의 사운드트랙에서 레니 크라비츠(Lenny Kravitz)가 리메이크 해 그래미 최우수 남성 록 보컬 상을 수상하게 해주었다. 이러한 성공을 뒤로한 채 랜디 바크만과 채드 알란은 1970년에 게스 후에 마침표를 찍고 그 유명한 바크만 터너 오버드라이브(Bachman Turner Overdrive)를 조직하자 팀워크에는 위기의 비상벨이 울렸다. 새로운 멤버를 영입한 이후 몇 장의 앨범을 더 발표했지만 랜디 바크만의 공백은 더 크게만 느껴졌고 밴드는 곧 중심을 잃었다. 1974년 미국의 유명한 디제이 울프만 잭(Wolfman Jack)에게 바치는 ‘Clap for the Wolfman(6위)’을 마지막 탑 텐 싱글로 장식하고 게스 후는 결국 1975년에 정식으로 해산했다. 솔로로 독립한 버튼 커밍스는 1976년에 ‘Stand tall’이라는 팝 발라드 넘버로 탑 텐을 기록했으며(10위), 1985년에는 자선 음반 < USA For Africa >에서 캐나다 뮤지션들로 구성된 노던 라이츠(Northern Lights)의 일원으로 참여해 ‘Tears are not enough’를 합창해 따뜻한 마음을 보여주기도 했다. 게스 후 멤버들은 1983년에 재 결성해 현재까지 노장의 능력을 보여주고 있다. 지리적 특성상 미국 음악에서 많은 영양분을 섭취한 캐나다 록 그룹의 제 1세대인 게스 후에게는 아메리칸 록의 그림자가 넓게 자리하고 있다. 그러나 1970년 음반 < American Woman >에서 이들은 좀 더 하드록에 근접한 강한 사운드를 들고 나타나 괄목할만한 성공을 일궈냈다. 1960년대 후반부터 혼란스런 세상을 향해 포효하기 시작한 하드록의 파장에 몸을 맡긴 것이다. 하지만 그들은 더 강하고 빠른 스피드로 전진하지 않았다. 그것은 그 당시 하드록 적인 팝록의 음악 문법에서만 가능한 진화였기 때문이었다. 게스 후는 자신들의 능력과 목적을 뚜렷이 알고 있던 겸손한 밴드였다.
노래 : Soul Asylum (소울 어사일럼 (락 밴드))
얼터너티브 록 역사의 한 페이지를 당당히 차지하고 있는 소울 어사일럼은 다양한 음악 성향과 의식 있는 태도를 지녔던 밴드이다. 이미 너바나가 등장하기 전부터 펑크와 하드 록의 절묘한 결합을 통해 록의 대안을 제시했던 이들은 1990년대 얼터너티브 록의 시그널이 울림과 동시에 음지에서 양지로 뛰쳐나왔다. 비록 다른 얼터너티브 밴드들에 비해 대중적인 지명도를 획득하지는 못했지만, 자신들만의 정체성을 확고히 하며 소중... 얼터너티브 록 역사의 한 페이지를 당당히 차지하고 있는 소울 어사일럼은 다양한 음악 성향과 의식 있는 태도를 지녔던 밴드이다. 이미 너바나가 등장하기 전부터 펑크와 하드 록의 절묘한 결합을 통해 록의 대안을 제시했던 이들은 1990년대 얼터너티브 록의 시그널이 울림과 동시에 음지에서 양지로 뛰쳐나왔다. 비록 다른 얼터너티브 밴드들에 비해 대중적인 지명도를 획득하지는 못했지만, 자신들만의 정체성을 확고히 하며 소중한 존재로 남아있다. 소울 어사일럼의 출발점은 1981년 미국 미네아폴리스에서 데이빗 퍼너(David Pirner, 보컬/기타), 칼 뮬러(Karl Mueller, 베이스), 댄 머피(Dan Murphy, 기타)의 라인업으로 결성했던 라우드 패스트 룰스(Loud Fast Rules). 2년 뒤인 1983년 드러머 팻 몰리(Pat Morley)를 영입한 후 소울 어사일럼으로 그룹명을 바꾼 이들은 지역의 인디 레이블인 < 트윈/톤(Twin/Tone) >과 음반 계약을 체결하고, 1년 뒤인 1984년 데뷔 앨범 < Say What You Will, Clarence...Karl Sold the Truck >을 발표했다. 얼터너티브의 선구자로 일컬어지는 허스커 두(Husker Du)의 밥 몰드(Bob Mould)가 프로듀싱한 음반은 스피드하고 파워풀한 펑크 사운드를 선보였다. 1986년 드러머를 다시 그랜트 영(Grant Young)으로 교체한 이후 소울 어사일럼은 < 트윈/톤 >을 통해 정규 앨범 < Made to Be Broken >(1986), < While You Were Out >(1986), 모음집 형식의 < Time’s Incinerator >(1986), 2년 후인 1988년 미니 음반 < Clam Dip & Other Delights >를 연이어 내놓았고, 이 때 보여준 음악적 완성도는 밴드를 메이저 음반사 < A&M >로 영전하게 만들었다. < A&M >에서 발표한 두 장의 음반 < Hang Time >(1988)과 < And the Horse They Rode in On >(1990)은 초기 얼터너티브, 즉 펑크적 성향에 하드록의 요소들이 많이 담긴 무거운 사운드를 담아냈다. < 콜롬비아 > 레코드사로 이적하여 1992년 발표한 정규 6집 앨범 < Grave Dancer’s Union >은 10여 년의 캐리어에 맞는 다양한 스타일의 곡들이 가득 채워져 있었다. 다듬어지지 않은 듯한 펑크에서부터 하드록, 편안한 포크적 성향의 곡들에 이르기까지 축적된 음악성은 빛을 발했고, 자연스레 ’Somebody to shove’, ’Black gold’, ’Runaway train’ 등의 히트곡이 쏟아져 나왔다. 특히 차트 5위까지 오른 ’Runaway train’은 사회적 문제를 다루며 이들의 의식 있는 태도를 잘 보여주었다. 음반은 전 세계적으로 400만장의 판매고를 기록했다. < Grave Dancer’s Union >의 발매 직후 드러머를 다시 스터링 캠벨(Sterling Campbell)로 교체한 이들은 1995년 7집 < Let Your Dim Light Shine >을 다시 한 번 히트시키며 정상급 밴드로서의 위상을 재확인했다. 앨범은 ‘Misery’의 Top20 진입의 선전에 힘입어 음반 차트 6위까지 올랐다. < Let Your Dim Light Shine >의 성공 이후 결속력이 약화되고 해체의 위기를 맞기도 했지만 주변의 우려를 불식시키려는 듯 1998년 8집 음반 < Candy From A Stranger >를 공개했다. 하지만 얼터너티브 록 역시 더 이상의 대안이 될 수 없는 시대 흐름 때문에 이들의 인기는 급강하했다. 현재 소울 어사일럼은 드러머 스터링 캠벨이 탈퇴하여 삼인조 라인업으로 근근히 명맥을 유지해나가고 있다.
멤버 : 이삭 슬레이드(Isaac Slade, 보컬), 조 킹(Joe King, 기타), 데이브 웰쉬(Dave Welsh, 기타), 벤 와이삭키(Ben Wysocki, 드럼) 멤버 : 이삭 슬레이드(Isaac Slade, 보컬), 조 킹(Joe King, 기타), 데이브 웰쉬(Dave Welsh, 기타), 벤 와이삭키(Ben Wysocki, 드럼)
노래 : The Hooters (더 후터스 (팝락 밴드))
1980년대 중반 ‘And we dance’, ‘Day by day’같은 일련의 히트곡들로 미국 본토는 물론 우리나라에서도 상당량의 지분을 소유한 5인조 팝록 밴드 후터스(Hooters)는 1978년 필라델피아에서 결성되었다. 이들은 당시 팝음악의 큰 흐름이었던 뉴웨이브나 신스팝 위주의 대중 음악을 지양하고 기타 중심의 정통적인 팝록을 지향점으로 정했다. 롭 하이맨(Rob Hyman/보컬, 키보드), 에릭 바질리... 1980년대 중반 ‘And we dance’, ‘Day by day’같은 일련의 히트곡들로 미국 본토는 물론 우리나라에서도 상당량의 지분을 소유한 5인조 팝록 밴드 후터스(Hooters)는 1978년 필라델피아에서 결성되었다. 이들은 당시 팝음악의 큰 흐름이었던 뉴웨이브나 신스팝 위주의 대중 음악을 지양하고 기타 중심의 정통적인 팝록을 지향점으로 정했다. 롭 하이맨(Rob Hyman/보컬, 키보드), 에릭 바질리안(Eric Bazilian/보컬, 기타), 존 릴리(John Lilley/기타), 롭 밀러(Rob Miller/베이스), 데이비드 우오시키넨(David Uosikkinen/드럼) 이렇게 다섯 명중에서 팀의 버팀목 역할을 했던 하이맨과 바질리안은 1980년대 중반 밴드가 최상의 절정기를 맞이하기 전에는 작곡가와 세션 뮤지션으로 나름의 명성을 구가하던 인물들이었다. 하이맨의 대표작은 신디 로퍼(Cyndi Lauper)와 공동으로 작곡한 그녀의 명곡 ‘Time after time’이다. 이 자신감을 바탕으로 후터스는 1985년 2집 < Nervous Night >을 공개해 대박을 터뜨렸다. ‘And we dance(21위)’, ‘Day by day(18위)’, ‘Where do the children go?(38위)’가 40위안에 들면서 인기의 불꽃에 기름을 부으며 곧 골드 레코드를 획득했다. 유수의 음악 전문 잡지나 평론가들은 주저 없이 1985년을 빛낸 LP로 < Nervous Night >을 꼽았다. 전자 음악이 난무하던 시절, 그들은 록과 포크, 그리고 흥겨운 록이 어우러진 후터스의 음악으로부터 순수 록큰롤에 대한 진정성을 발견한 것이다. 이 음반에 대한 평가를 함축하는 키워드는 ‘신선함’이다. 3번째 작품 < One Way Home >은 전작만큼의 반향을 일으키지는 못했지만 ‘Satellite(61위)’, ‘Johnny B(61위)’같은 싱글들의 분투로 이 레코드에도 금띠를 둘렀다. 그러나1989년의 < Zig Zag >는 이전의 화려한 성공과 인기를 한꺼번에 말아먹는 결과를 초래했다. 1980년대 후반에 나타난 포크 무브먼트와 룻츠 사운드의 번창함으로 인해 이들의 음악은 더 이상 새롭게 들리지 않았다. 그리고는 우리의 기억에서 가물가물해졌다. 그러나 그들은 후터스의 이름이 아닌 작곡가의 신분으로 돌아왔다. 1990년대 여성 싱어 송라이터 소피 B. 호킨스(Sophie B. Hawkins)의 데뷔 앨범에서 에릭 바질리안의 이름을 발견할 수 있었고, 1995년에는 그래미에도 여러 부문 노미네이트 된 조안 오스본(Joan Osbourne)의 앨범 < Relish >을 위해 에릭 바질리안과 롭 하이맨이 많은 곡들을 작곡해 줌으로써 우리들에게 다시 한번 후터스의 기억을 상기시켰다. 현재까지도 꾸준하게 공연 활동을 하고 있지만 새로운 음반 제작 소식은 들리지 않고 있다.
노래 : Mr. Mister (미스터 미스터)
남성의 존칭을 두 번이나 강조한 미스터 미스터(Mr. Mister)는 1980년대 중반의 팝 계에 짧지만 굵은 선을 그으며 영국 그룹에 밀렸던 미국 밴드의 체면을 세웠지만 인기의 불꽃이 점화된 지 2년도 안되어 산화한 불가사의한 그룹이다. 고급 세션맨 출신인 각 멤버들의 역량만을 따로 분리해 보면 아쉬울 게 없었지만 그 음악적 실력을 충분히 보여주기도 전에 우리의 기억에서 지워졌기 때문이다(롱런한 토토와 비교해보... 남성의 존칭을 두 번이나 강조한 미스터 미스터(Mr. Mister)는 1980년대 중반의 팝 계에 짧지만 굵은 선을 그으며 영국 그룹에 밀렸던 미국 밴드의 체면을 세웠지만 인기의 불꽃이 점화된 지 2년도 안되어 산화한 불가사의한 그룹이다. 고급 세션맨 출신인 각 멤버들의 역량만을 따로 분리해 보면 아쉬울 게 없었지만 그 음악적 실력을 충분히 보여주기도 전에 우리의 기억에서 지워졌기 때문이다(롱런한 토토와 비교해보라). 미스터 미스터는 죽마고우였던 리차드 페이지(Richard Page/보컬, 베이스)와 스티브 조지(Steve George/보컬, 키보드)가 1979년에 도원결의(桃園結義)한 페이지스(Pages)가 그 시발점이다. 페이지스는 국내에선 다큐멘터리인 < 실크로드 >에 삽입된 ‘Caravan sary’로 아직까지도 기억되지만 본토에서의 반응은 우리나라와는 180도 달랐다. 페이지스의 역사는 1981년에 그 페이지를 넘기며 팝 역사의 비사(?史)로 남게 되었고 리차드와 스티브는 이듬해인 1982년에 기타리스트 스티브 패리스(Steve Farris)와 드러머 팻 마스텔로토(Pat Mastelotto)를 새로운 친구로 맞이하면서 미스터 미스터의 공식적인 명함을 찍었다. 페이지스를 접은 후에 포인터 시스터스(Pointer Sisters), 샤카 칸(Chaka Khan), 도나 서머(Donna Summer) 등과 음악활동을 하면서 그 인지도를 각인시킨 리차드와 스티브는 어렵지 않게 메이저 음반사와의 계약을 통해 1984년에 데뷔작 < I Wear The Face >을 발표했다. 여기서 첫 싱글 ‘Hunters of the night(57위)’을 커트시켜 차트에 처음으로 진입시켰다. 그러나 1집으로 팀 이름에 걸맞지 않은 대접을 받은 미스터 미스터는 1985년에 공개한 두 번째 음반 < Welcome To The Real World >로 자신들이 세운 음악세계에 대중들을 초대했다. 베이스가 주도하는 첫 싱글 ‘Broken wings’와 ‘주여, 불쌍히 여기소서’라는 뜻의 두 번째 싱글 ‘Kyrie’가 연속으로 넘버원을 차지했고 세 번째 커트 싱글 ‘Is it love?’는 8위에 랭크되면서 < Welcome To The Real World >는 빌보드 앨범 차트 정상에 올랐다. 특히 ‘Is it love?’는 리차드 드레이퓨스와 에밀리오 에스테베즈가 주연한 1987년도 영화 < 잠복근무(Stakeout) >의 마지막에 삽입되기도 했다. 이러한 선전으로 미스터 미스터는 1985년도 그래미에서 최우수 그룹 후보에 올랐지만 ‘We are the world’의 주인공 USA for Africa에 양보하며 더 큰 인류애(?)를 발휘했다. 하지만 1987년에 부화한 세 번째 앨범 < Go On >은 상업적인 실패를 잉태했다. 첫 싱글 ‘Something real (Inside me/Inside you)’만이 유일하게 싱글 차트에 진입했지만 27위라는 상대적으로 초라한 결과를 낳으면서 대중들과의 눈 맞추기에 난항을 보였지만 그해 그래미에서 두 번째로 올해의 그룹 부문 후보로 지명되었다(수상자는 영화 < 더티 댄싱 >의 주제가 ‘The time of my life’를 부른 빌 메들리와 제니퍼 원스). 3집의 저조한 성과는 밴드의 해산을 가져왔다. 1988년에 미스터 미스터는 해체를 결정했으며 연주 실력이 뛰어난 각 멤버들은 마돈나(Madonna)나 케니 로긴스(Kenny Loggins), 쥬얼(Jewel), 화이트스네이크(Whitesnake), 토리 에이모스(Tori Amos) 같은 뮤지션들의 레코딩에 참여하면서 자신들의 음악 경력을 쌓고 있다.
히피들의 혁명적인 자유의 외침이 시들해질 무렵, 미국 뉴욕의 언더그라운드 클럽에서는 이전의 록과는 다른 음악적 실험들이 행해지고 있었다. 텔레비전(Television)과 레이먼즈(Ramones) 등의 CBGB 클럽을 중심으로 한 펑크 록이었다. 패티 스미스(Patti Smith)는 그러한 남자들의 홍수 가운데서도 당당히 어깨를 나란히 하며 ’펑크의 대모’ 라는 칭호와 함께 70년대의 유니크한 아이콘으로 떠오르게 ... 히피들의 혁명적인 자유의 외침이 시들해질 무렵, 미국 뉴욕의 언더그라운드 클럽에서는 이전의 록과는 다른 음악적 실험들이 행해지고 있었다. 텔레비전(Television)과 레이먼즈(Ramones) 등의 CBGB 클럽을 중심으로 한 펑크 록이었다. 패티 스미스(Patti Smith)는 그러한 남자들의 홍수 가운데서도 당당히 어깨를 나란히 하며 ’펑크의 대모’ 라는 칭호와 함께 70년대의 유니크한 아이콘으로 떠오르게 된다. 펑크와 여성 뮤지션의 역사에 있어 결코 빼놓을 수 없는 커다란 줄기라고 할 그녀는 문학과 음악의 경계를 넘나드는 시적인 언어의 사용과 중성적이고 강인한 이미지를 결합한 독특한 음악세계를 전개하면서 ‘언어의 힘을 융합한 3 코드 록(Three Chord Rock Merged the Power of Words)’이라는 찬사를 받으며 20년이 넘은 지금까지도 수많은 여성 로커들의 역할모델이 되어왔다. 어릴 적부터 랭보와 짐 모리슨, 롤링 스톤tm의 음악에 빠져있던 그녀는 학교 교육이라는 울타리에 갇혀있기를 거부하고 좀 더 넓은 세상을 경험하기 위해 뉴욕으로 향하게 된다. 그곳에서 연극 공동집필과 시를 쓰며 지내던 그녀는 기타리스트 레니 케이(Lenny Kaye)를 만나게 되는데, 케이의 기타 리듬에 맞추어 자신의 시를 낭송하는 것을 계기로 음악역정에 첫 씨를 뿌리게 된다. 이후 몇 년 동안 록 전문지 크림(Creem)에 정기 기고하는 록 평론가로 활동했으며 뉴욕 돌스(New York Dolls)의 오프닝 무대에 서기도 했다. 뉴욕 타임 스퀘어 광장에서 벌어진 ‘록과 랭보(Rock’n Rimbaud)’ 공연을 계기로 레니 케이와 다시 손잡게 되고 피아노 리차드 솔(Richard Sohl)이 가세하면서 본격적인 밴드활동을 시작한다. 1974년 그룹은 곡목부터 신랄한 ‘Piss Factory’ 라는 첫 싱글(리드 기타에 텔레비전의 톰 벌레인이 참여)을 발표하였고, 이후 블론디 출신의 기타리스트 이반 크랠(Ivan Kral)을 영입하여 4인조로 거듭나 텔레비전 등과 함께 CBGB 클럽의 고정 출연진으로 활약하며 왕성한 라이브 활동을 펼친다. 한때 모던 러버스(Modern Lovers)를 이끌었던 조나단 리치맨(Jonathan Richman)이 드럼 파트를 맡아준 적도 있었지만, 곧 제이 디 도허티(Jay Dee Daugherty)가 들어오고 밴드가 점차 자신의 색깔을 굳힐 때쯤인 1975년 그룹은 아리스타(Arista) 레이블에 픽업되어 역사적인 첫 앨범 < Horses >를 발표한다. 전 벨벳 언더그라운드 멤버였던 존 케일(John Cale)이 프로듀싱을 맡고, 톰 벌레인이 참여하기도 했던 이 앨범은 화려한 그들의 지원 못지 않게 밴드의 주축인 패티 스미스와 레니 케이의 음악적인 역량이 고스란히 투영되어, 펑크 록은 물론 록 전체의 역사에 길이 남을 명반으로 평가받는다. ‘상징주의’로 표현되는 애매 모호하고 즉흥적인 노랫말, 강렬하지만 세련된 짜임새를 가진 사운드는 당시의 펑크 초창기 앨범들의 ‘날것’이나 ’껄렁껄렁’한 것들과는 차별된, 아트형 펑크의 새 길을 열었다. ‘예수는 남의 죄를 위해 죽었지만 나를 위해선 아냐...’하는 가사로 시작되는 록 역사의 명곡 ‘Gloria’와 ‘Land of 1,000 dances’(메들리 곡 ‘Land’)가 여기 들어있다. 이후 두 번째 앨범 < Radio Ethiopia >로 돌아온 그녀는 투어 도중 무대에서 떨어지는 사고를 당하여, 잠시의 공백기를 가진 후에 1978년 마침내 패티 스미스란 이름을 대중에게 익히게 한 세 번 째 앨범 < Easter >를 발표한다. 브루스 스프링스틴(Bruce Springsteen)과 함께 곡을 쓴 ‘Because the night’는 빌보드 팝 싱글차트 13위를 기록했고 이어 전미와 유럽 투어에 나서는 등 세계적 성공을 만끽했다. 이 곡은 나중 나탈리 머천트가 이끈 뉴욕의 포크 밴드 텐 싸우선드 매니악스(10.000 Maniacs)의 MTV 언플러그드 공연에서 리메이크되어, 그때까지 차트실적이 미미했던 그들에게 고대하던 성공을 안기면서(차트 11위) 명곡의 위력을 되새김질했다. 한편 < Easter > 앨범에는 영화 < 올리버 스톤의 킬러 >에 삽입되어 패티 스미스에 대한 관심을 불러일으킨 ‘Rock N roll nigger’가 수록되어있기도 하다. 하지만 록 스타덤에 대한 깊은 회의감과 프로토 펑크 그룹 엠씨 파이브(MC5) 출신의 기타리스트 프레드 스미스(Fred ’Sonic’ Smith)와의 사랑으로 그녀는 새로운 삶을 갈구하면서 활동중단을 결심하게 된다. 결국 토드 런그런(Todd Rundgren)이 프로듀스한 네 번째 앨범 < Wave >를 발표한 얼마 뒤인 1979년 가을, 수많은 예술적 이상적 목표를 묻어버린 채 이탈리아 축구 스타디움에 운집한 7만명의 관중 앞에서 ‘Bye, Bye, Hey, Hey’를 외치며 은퇴하였다. 1980년 프레드와 결혼한 스미스는 디트로이트에 정착하였고, 그 후 몇 년 동안은 두 아이의 양육과 음악적인 영감에만 온 힘을 쏟으며 조용하고 행복한 삶을 누렸다. 그러한 행복은 1988년 두 부부의 합작 앨범 ’Dream Of Life’에 그대로 반영되어 사람들 속에 내재된 무한한 긍정적 가능성에 대해 노래하는 한편, 어린이들에 대한 평화적인 메시지를 담기도 했다. 국가 간의 평화를 기원하는 ‘People have the power’가 수록된 이 앨범은 당시 국내에 라이선스 음반으로 출시되기도 했다. 그러나 삶의 행복 속에서 그녀의 주위에는 짙은 죽음의 그림자가 드리우게 된다. 1994년 남편 프레드가 심장병으로 사망했고 한달 뒤에는 동생인 토드(Todd)마저 심장 마비로 죽었으며, 오랜 친구 메이플소프와 옛 동료인 리처드 솔마저 이승을 떠났다. 너무나 짧은 시간에 많은 소중한 친구들을 잃어버린 스미스는 이 세상에 존재한다는 것이 얼마나 작은 것인지 뼛속깊이 느낀 나머지 프레드와 함께 준비중이던 앨범 작업을 중단한 채, 슬픔과 비탄의 생활에 빠지게 된다. 그러한 절망 속에서 스미스는 무대 위에서의 청중, 팬들과의 교감을 더욱 간절히 원하게 되었다. 그녀는 자신뿐 아니라 자신의 음악을 사랑했던 이들을 위해서라도 다시 무대 위에 서야겠다고 결심하고, 이전의 멤버들을 모아 라이브 공연 활동을 시작한다. 이후 롤라팔루자 무대에 서고 영화 < 데드 맨 워킹 >의 사운드트랙에 참여하는 등의 활동을 통해 당시 모던 록계에서의 자신의 존재와 가능성에 대해 실험한 그녀는 1996년 통산 여섯 번째 앨범인 < Gone Again >과 함께 돌아왔다. < 롤링스톤 >지는 무려 8년 만에 신작을 낸 그녀를 ‘올해의 컴백’으로 포상했다. 이전부터 그녀와 음악적인 활동을 교류하던 톰 벌레인과 존 케일은 비롯하여 지금은 고인이 된 포크 싱어송라이터 제프(Jeff Buckley) 그리고 만돌린을 연주해준 친동생 킴벌리 스미스(Kimberly Smith)가 참여한 이 앨범은, 주변인들 죽음에 대한 비탄에서 벗어나 그것을 긍정적인 마인드로 극복하려는 치유의 메시지를 담으면서 초창기 때보다 더욱 성숙한 사운드를 과시함으로써, 수많은 후배 뮤지션들의 존경과 갈채를 받기도 했다. 이후 1997년 < Peace And Noise >과 2000년 < Gung Ho >, 두 앨범을 더 발표하여 활력을 되찾은 패티 스미스는 4반세기의 열정적 음악인생을 간직한 채 올해로 56세를 맞았다.
세션 맨들로 구성되어 화제를 뿌렸던 토토는 그 탄탄한 연주 실력과 고혹적인 팝 감수성으로 1980년대를 풍미했던 그룹이다. 한치의 오차도 없이 전개되는 엄밀한 곡 구성은 국내외를 막론하고 수많은 뮤지션들의 모범이 되었으며, 열렬한 추종자들을 양산해냈다. 전성기가 지난 지금까지도 그룹의 양대 산맥 스티브 루카서와 고(故) 제프 포카로는 전문 연주인들 사이에서 절대적인 추앙을 받고 있으며, 그들의 초, 중반기 레퍼토... 세션 맨들로 구성되어 화제를 뿌렸던 토토는 그 탄탄한 연주 실력과 고혹적인 팝 감수성으로 1980년대를 풍미했던 그룹이다. 한치의 오차도 없이 전개되는 엄밀한 곡 구성은 국내외를 막론하고 수많은 뮤지션들의 모범이 되었으며, 열렬한 추종자들을 양산해냈다. 전성기가 지난 지금까지도 그룹의 양대 산맥 스티브 루카서와 고(故) 제프 포카로는 전문 연주인들 사이에서 절대적인 추앙을 받고 있으며, 그들의 초, 중반기 레퍼토리들은 꾸준히 라디오 전파를 타고 있다. 1970년대 제프 포카로와 스티브 루카서의 고등학교 밴드로 출발한 토토는 그 개개인의 출중한 기량으로 1970년대 후반 이미 스타들의 세션을 도맡는 등 활발한 활동을 보였다. 팀이 완전히 정비된 후 발표한 대망의 데뷔 앨범 < Toto >는 밀리언셀러로 부상했으며, 재즈와 록이 정교하게 교직된 독특한 사운드로 마니아들을 사로잡았다. 여기에는 국내에서도 자주 리퀘스트를 받는 ‘George porgy’, ‘Hold the line’등이 실려 있다. 토토는 < Hydra >와 < Turn Back >를 계속해서 내놓으며 특급 아티스트의 길로 접어들기 위한 기반을 마련한다. 비록 1집에 비해 판매고는 저조했으나 곡들은 한층 세련되고 연주는 엄격해져 다음 작품에 대한 기대를 갖게끔 만들기에 충분했다. 3장의 음반으로 비행을 시작한 토토는 1982년에 공개한 4집 < Toto Ⅳ >로 모든 스포트라이트의 중심이 된다. 빌보드 정상을 밟은 ‘Africa’, 2위에 오른 ‘Rosanna’등 차트를 맹폭한 히트곡들이 터져 나왔으며 그래미는 < 올해의 앨범 >을 포함한 장장 7개 부문의 상을 < Toto Ⅳ >에 안겨주며 1982년을 토토의 해로 선포했다. 멀티 플래티넘을 따낸 이 음반에서 토토는 예측불허의 변박과 고난이도의 테크닉이 난무하던 기존의 현란함을 어느 정도 유지하면서도 거기에 듣기 좋은 멜로디를 부가해 골수 팬들과 팝 키드들을 동시에 포획하는 전과를 올렸다. 엄청난 성공 뒤에 토토는 데이빗 헝게이트와 바비 킴볼을 떠나보내는 아픔을 겪으며 5집 < Isolation >을 발표했다. 그러나 새로 영입된 퍼지 프레데릭슨(Fergie Frederiksen)의 보컬은 킴볼을 따라갈 수 없음이 입증되었고 전전긍긍하던 팀원들은 조셉 윌리엄스(Joseph Williams)를 < Fahrenheit >에서 대타로 기용했다. 고품격 발라드의 비중이 높아진 이 앨범은 ‘Lea’, ‘I’ll be over you’등의 히트곡을 배출하며 소기의 성과를 거두었다. 이후에도 키보디스트 스티브가 떨어져 나가는 등 멤버 교체와 탈퇴의 악순환을 계속 경험하던 토토는 1992년 팀의 중핵 제프 포카로가 심장마비로 세상을 떠나면서 난관에 봉착하게 된다. 당대 최고의 드러머 중 하나로 평가받던 그의 요절은 많은 팬들에게 아쉬움과 슬픔을 안겼다. 토토의 통산 여덟 번째 작품인 < Kingdom Of Desire >는 ‘Only you’라는 매혹적인 곡을 남긴 채 제프의 마지막 레코딩으로 기록되었다. 마이클 셍커 그룹(Michael Schenker Group >을 거친 1급 레벨의 록 드러머 사이먼 필립스(Simon Phillips)의 가세로 힘을 얻은 토토는 1999년 오리지널 멤버 바비 킴볼이 보컬리스트로 재가입해 또 한번의 비상을 노리고 있다. 멤버들 중 스티브 루카서는 재즈 기타의 도인 래리 칼튼과 공동 투어를 나서는 등 특히 두드러진 모습을 보여주고 있다. 지난 1996년 있었던 토토의 내한 공연은 국내에서 있었던 최고의 공연 중 하나로 회자된다. 그들은 라이브와 스튜디오 앨범에서 모두 사람들을 만족시켜 왔으며, 결성 20년이 지난 지금까지도 변하지 않는 팀웍과 기량으로 사랑 받고 있다. 가수의 뒤에서 연주하는 것으로 만족해야 했던 세션 맨에서 토토는 당당히 무대 중앙으로 진출했었고, 이제는 자신들의 경륜을 하나하나 쌓아가고 있다.
밴드 : Tedeschi Trucks Band (테데스시 트럭스 밴드,Derek Trucks & Susan Tedeschi Band)
4인조 밴드 알라바마(Alabama)는 ‘컨트리 계의 비틀즈’였다. 1980년대 개막과 함께 시작된 이들의 성공은 컨트리 음악계에서 가장 눈부신 ‘성공 시대’를 의미한다. 1980년대에만 27곡의 컨트리 차트 1위 곡을 쏟아 냈으며, 아메리칸 뮤직 어워드나 그래미, 컨트리 뮤직 어워드 등은 알라바마를 위한 시상식이었다. 발표하는 앨범마다 수 백만 장의 판매고를 올렸으며, 순회 공연은 인산인해를 이뤘다. 1980년... 4인조 밴드 알라바마(Alabama)는 ‘컨트리 계의 비틀즈’였다. 1980년대 개막과 함께 시작된 이들의 성공은 컨트리 음악계에서 가장 눈부신 ‘성공 시대’를 의미한다. 1980년대에만 27곡의 컨트리 차트 1위 곡을 쏟아 냈으며, 아메리칸 뮤직 어워드나 그래미, 컨트리 뮤직 어워드 등은 알라바마를 위한 시상식이었다. 발표하는 앨범마다 수 백만 장의 판매고를 올렸으며, 순회 공연은 인산인해를 이뤘다. 1980년대는 알라바마를 위한 10년이었다. 최소한 컨트리 음악에 한해서는 그랬다. 이 4인조가 이렇게 크나큰 인기와 명성을 얻을 수 있었던 것은 이글스(Eagle) 이후 그들의 대를 이을 만한 컨트리록 밴드의 부재가 가장 큰 이유였으며, 또한 당시의 대세였던 컨트리팝에 대한 카운터 펀치였다. 이들은 정통 록밴드의 형식을 따랐지만 작곡 문법이나 보컬 하모니 등은 컨트리에서 따왔다. 랜디 오웬(Randy Owen-보컬, 기타)과 테디 젠트리(Teddy Gentry-베이스), 그리고 제프 쿡(Jeff Cook-키보드, 기타, 피들)이 서로 친척 사이인 이들은 1977년 알라바마가 공식적으로 출발하기 이전인 1960년대부터 함께 모여 지역 밴드 생활을 했다. 마지막에 합류한 드러머 마크 헌든(Mark Herndon)은 영입파였는데 이들의 음악이 록적으로 들리는 것은 그가 ‘알라바마’에 오기 전엔 록밴드에서 드럼 스틱을 쥐고 있었기 때문이다. 1982년에 발표된 3번째 정규 앨범 < Mountain Music >의 타이틀곡은 자국인 미국은 말할 것도 없고 정통 컨트리의 불모지인 우리나라의 라디오 프로그램에서 들릴 정도로 컨트리의 영역을 넓힌 최상의 앨범이었으며 1년 후에 공개된 < The Closer You Get >에서 당시의 대세였던 신시사이저를 사용해 음악적 표현력을 넓히기도 했다. 가스 브룩스(Garth Brooks)나 샤니아 트웨인(Shania Twain)처럼 알라바마의 인기에 견줄 만한 솔로 가수들은 있지만 아직까지 이들의 명성에 버금가는 밴드는 출현하지 못하고 있다. 앞으로도 힘들 것이다.
밴드 : Kansas (캔사스 (프로그레시브 락, 하드락 밴드))
영국, 이탈리아 등 유럽에서 록의 예술성에 대한 기치가 드높던 1970년대에 프로그레시브의 불모지 미국에서도 예술성을 향한 몸짓은 작지만 분명 존재했다. 불후의 발라드 곡 ‘Dust in the wind’로 기억되어지는 캔사스는 심포닉 록에 아메리칸 록의 역동성을 더하며 이른바 ‘아메리칸 프로그레시브 록’의 독자성을 확립한 그룹이다. 캔사스는 1970년 미국 캔사스 주의 토페카(Topeka)에서 고등학교 동창생이... 영국, 이탈리아 등 유럽에서 록의 예술성에 대한 기치가 드높던 1970년대에 프로그레시브의 불모지 미국에서도 예술성을 향한 몸짓은 작지만 분명 존재했다. 불후의 발라드 곡 ‘Dust in the wind’로 기억되어지는 캔사스는 심포닉 록에 아메리칸 록의 역동성을 더하며 이른바 ‘아메리칸 프로그레시브 록’의 독자성을 확립한 그룹이다. 캔사스는 1970년 미국 캔사스 주의 토페카(Topeka)에서 고등학교 동창생이었던 케리 리브그렌(Kerry Livgren, 기타, 키보드), 베이브 호프(Dave Hope, 베이스), 필 이허트(Phil Ehart, 드럼)에 의해 결성된 밴드. 다른 남부 록 밴드들이 서던 록의 전통을 만들어가고 있을 당시 이들이 추구한 음악은 그것과는 사뭇 다른 것이었다. 1971년 클래식 음악을 전공한 로비 스타인하트(Robby Steinhardt)를 바이올린 주자로 영입하면서 미국에서는 거의 찾아볼 수 없었던 프로그레시브 록을 시도했던 것이다. 로비를 영입하면서 잠시 밴드 이름을 ‘화이트 클로버(White Clover)’로 바꾸기도 했던 이들은 1972년 스티브 월쉬(Steve Walsh, 보컬, 키보드), 리차드 윌리엄스(Richard Wiliams, 기타)를 연이어 맞이하며 프로그레시브 밴드의 기본 틀을 완성하고 다시 캔사스를 이름으로 내걸었다. 클럽 활동을 통해 인지도를 높인 이들은 1974년 셀프 타이틀의 데뷔 앨범 < Kansas >를 발표했다. 하지만 1970년대 초반 이들의 음악은 미국 대중에게 어필하기에는 너무나 생소한 사운드였다. 프로그레시브 록은 영국 밴드들의 전유물이라는 뿌리깊은 생각이 미국적인 사운드와 프로그레시브를 결합하며 나름대로 독자적인 음악성을 만들어 나간 캔사스에게 딴지를 걸고 넘어 졌다. 같은 해 발표한 < Song For America >도 마찬가지였다. 그러나 캔사스는 1970년대 중반 핑크 플로이드를 위시한 프로그레시브 록 밴드들의 위풍당당이 진행되면서 그 흐름에 전격 편입했다. 1975년 음반 < Masque >는 수록곡인 ‘Icarus borne on wings of steel’이 심오한 가사와 함께 주목을 받으며 20만장이 넘는 판매를 기록했고, 이에 힘입어 전작 < Song For America > 역시 골드를 따내는 기염을 토했다. 한 번 불붙은 상승세는 1976년 블록버스트 앨범 < Leftoverture >로 이어지며 캔사스를 세계적인 밴드의 반열에 올려놓았다. 수록곡 ‘Carry on wayward son’이 차트 5위 권 진입에 성공했으며, 앨범은 300만장 이상의 판매고를 올렸다. 미국적 프로그레시브 가능성의 확인이었다. 캔사스의 프로그레시브 록은 영국 밴드들과 분명한 차이가 있었다. 부기(Boogie)를 프로그레시브에 도입했다는 것 외에도, 이들이 표현하는 대상, 서정성, 서사적인 전개는 이들만의 특화된 강점이었다. 미국 남부 특유의 심오한 가사를 다루면서도 현실을 벗어나지 않았고, 심포닉 록을 구사했지만 동시에 미국 록이 가진 역동성과 파워가 공존하고 있었다. 이런 점에서 캔사스는 아트 록 매니아들로부터 부정적인 평을 듣기도 하지만 이 점 때문에 먼저 이 분야를 개척한 영국 밴드들과 어깨를 나란히 할 수 있었다. 밴드는 성공의 여세를 몰아 1977년에는 음반 < Point of Know Return >을 선보였다. 지구 끝에 매달린 범선을 그리고 있는 앨범 재킷으로도 유명한 이 앨범은‘Dust in the wind’ 덕분에 국내 팬들에게서도 잊혀지지 않는 추억의 앨범이다. 자신들의 음악적 형태와 일치하는 곡은 아니지만 발라드 넘버 ‘Dust in the wind’는 캔사스의 대표곡이 되었고, 이 곡의 카리스마 덕분에 이들이 프로그레시브 밴드임을 모르는 팬들도 상당수 있었다.‘Dust in the wind’가 스매시 히트를 기록했지만 이들의 정체성은 여전히 프로그레시브 록에 있었고, 1979년 밴드가 처음으로 프로듀싱한 프로그레시브 록 앨범 < Monolith >를 톱 텐에 올리며 화려하게 미 디케이드(Me- Decade)를 마감했다. 하지만 1980년 작품 < Audio-Visions > 이후 캔사스의 행보는 뿌연 안개 정국 속으로 휘말렸다. 데이브 호프와 케리 립그렌이 종교적인 문제로 멤버들과 갈등을 일으켰고, 그룹의 상업적 성공에 불만을 느끼고 있던 스티브 월시는 탈퇴해 ‘스트리트(Street)’라는 자신의 밴드를 조직하는 등 팀의 내분 사태는 걷잡을 수가 없을 정도였다. 존 엘르판테(John Elefante, 보컬)로 스티브의 빈자리를 채우며 1982년 < Vinyl Confessions >, 1983년 < Drastic Measures >를 발표하지만 밴드는 결국 이별의 수순을 밟았다. 해체 3년 후 캔사스는 필 이허트, 리차드 윌리엄스, 스티브 월시 세 명의 오리지널 멤버에 의해 부활했다. 이후 스티브 모스(Steve Morse, 기타), 빌리 그리어(Billy Greer, 베이스) 두 명의 멤버를 보강하여 오 인조 라인업으로 활동을 시작한 이들은 심포닉 록보다는 하드 록적인 면을 살리며 1986년 < Power >를 통해 재기의 의지를 불태운다. 그러나 < Power >가 잠시 주목을 끌었을 뿐 < In the Spirit of the Things >(88), < Freaks of Nature >(95), < Always Never the Same >(98)로 이어지는 음반 모두 신통한 성적을 거두지 못했다. 앨범의 부진한 성적에도 불구 꾸준한 활동을 보여온 이들은 2001년에 1980년도 작품 < Audio-Visions > 이후 20년 만에 오리지널 멤버들이 한자리에 모두 모여 < Somewhere To Elsewhere >를 발표했다. 음반에는 대 그룹의 부활을 알리듯 1975년 자신들의 히트곡 ‘Icarus…’의 속편 격인 ‘Icarus II’가 수록되어 있으며, 전성기에 가졌던 매력이 그대로 살아있다.
밴드 : Calling (콜링 (락 밴드))
미국 캘리포니아(California)에서 결성된 록 밴드 콜링(The Calling)은 크리드(Creed)로 대표되는 포스트 그런지(Post-Grunge) 사운드를 표방하며 등장한 무서운 신예이다. 이들은 라디오 친화적인 멜로디와 기타 노이즈를 절묘하게 결합시킨 스타일로 인기 가도에 진입했다. 멤버 전원이 걸출한 외모의 소유자라는 점 또한 플러스 요인 중에 하나이다. 기타 키드였던 아론 카민(Aaron Kamin... 미국 캘리포니아(California)에서 결성된 록 밴드 콜링(The Calling)은 크리드(Creed)로 대표되는 포스트 그런지(Post-Grunge) 사운드를 표방하며 등장한 무서운 신예이다. 이들은 라디오 친화적인 멜로디와 기타 노이즈를 절묘하게 결합시킨 스타일로 인기 가도에 진입했다. 멤버 전원이 걸출한 외모의 소유자라는 점 또한 플러스 요인 중에 하나이다. 기타 키드였던 아론 카민(Aaron Kamin)은 어느 날 그의 여자친구의 동생인 알렉스 밴드(Alex Band)를 소개받았고 둘은 의기투합, 제너레이션 갭(Generation Gap)을 결성하며 활동을 시작했다. 이윽고 이들은 리사이클러(Recycler) 출신의 나머지 멤버들과 함께 콜링으로 밴드명을 바꾼 후, 데뷔작 를 발표했다. 앨범에서 밴드는 매치박스 트웬티(Matchbox Twenty)와 크리드를 결합시킨 듯한 사운드를 들려주며 훌륭한 신고식을 치러냈다. 2001년 3월 현재, 첫 싱글 ‘Wherever you’ll go’ 는 빌보드 싱글 차트에서 10위권에 진입하며 고속 승진의 기쁨을 맛보는 중이다.

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